HiperFilme

Há muito tempo, numa galáxia muito, muito distante...."

2010-06-15T16:15:00.000-07:00

Com essa frase de abertura e a imponente música composta por um dos mais ilustres compositores de trilhas sonoras de Hollywood, John Williams, começava no final da década de 70 a trilogia mais famosa da história do cinema. Hoje, Star Wars é um dos maiores fenômenos da cultura pop, seja por suas frases, seus personagens e suas características que são sempre lembradas e relembradas, no cinema, na música ou na televisão.
A trilogia original foi em princípio planejada por George Lucas para ser um único filme. Após diversas alterações, ele percebeu que seria impossível contar sua história em apenas duas horas. O autor pretendia ainda abrir o filme com uma frase marcante, que seria “Em tempos de grande desespero, virá um salvador e ele será conhecido como o Filho do Sol”. Não satisfeito com o resultado, nasceu a famosa frase que abre todos os filmes da franquia. Pronto, George Lucas anunciava ao seu público que tudo se passava em uma galáxia distante e com isso, não haveria mais limites para a fantasia.
Harrison Ford, que esteve presente recentemente em um evento que comemorava os 30 anos de “Império Contra-Ataca”, considerado por muitos fãs como o melhor filme da saga, afirmou que o fascínio pela saga pode ser explicado pela grande história criada por Lucas, pela música de John Williams e mais algum elemento etéreo que ele não consegue explicar qual é.
Star Wars, a trilogia original, é exatamente o que o ator declarou. Uma grande história com uma grande trilha sonora. Ford só não poderia, em poucas palavras, descrever qual o outro elemento que fez desta obra o maior clássico da ficção do cinema.

George Lucas uniu, em uma única obra, elementos simples que sempre conquistaram a atenção do público.
Temos um herói órfão em uma jornada. Aqui, George Lucas usou um elemento da narrativa de ficção abusado até hoje por seus seguidores : heróis, em sua maioria, são órfãos, pois isso permite os autores trabalharem melhor com suas personalidades e também dá liberdade ao criador de jogar seu personagem em uma aventura sem precisar dar muita explicação ao telespectador ainda preso no mundo real.
Há também um universo distante e fantasioso, que com exceção da existência de seres humanos, nada tem a ver com o nosso, onde tudo é possível enquanto o autor quiser, precisando apenas explicar ao seu público o que é cada elemento que incluiu na trama para que seu mundo tenha sentido e não seja apenas uma mistura bizarra de fantasias. A criação de um universo, no entanto, é um tiro no escuro, pois será o público que sentirá se ele tem carisma para prendê-lo por algumas horas ou não. Felizmente, George Lucas soube por carisma em seus personagens e cativar o público com eles.
Porém, existe um elemento crucial nessa criação que faz com que uma obra tenha alcançado a admiração de tantos fãs até nos dias atuais, algo que não exige poder financeiro nem toda a tecnologia disponível hoje para se criar uma obra de ficção: a transferência de valores do mundo real para o distante mundo da ficção. Os paralelos que são traçados entre os dois mundos sempre foi o elemento chave para que qualquer obra de ficção, seja na literatura, televisão ou cinema, conquiste o coração das pessoas.

Em Star Wars, Luke Skywalker representa o jovem inexperiente, presente em muitas pessoas, enquanto a sabedoria e a experiência são representados pelos mestres Jedi, Obi-Wan Kenobi e o icônico Yoda.
Darth Sidious, o vilão por trás de tudo, é a consciência ruim em cada um, que convida a viver uma vida fácil, sucumbindo aos sentimentos negativos que um ser humano possa ter e deixá-los serem os ditadores de nossas vidas. Então temos Darth Vader, o vilão principal da trama, que é a personificação de tudo isso. Alguém que teve a chance de ouvir a voz da sabedoria mas optou por uma vida dando atenção ao lado ruim da mente, sem medir consequências, alcançando então poder e glória sem limites mas que no final não foi o suficiente para preencher a si mesmo com o que realmente importava na vida, bem parecido com o que acontece na realidade.
Para complementar sua história, o diretor buscou inspiração na história da humanidade para constituir seu universo traçando mais paralelos. Criou a classe dos Jedi, inspirada nas mais famosas classes de guerreiros da história da humanidade, em particular os samurais japoneses. Passeou pelas histórias bíblicas para criar seus personagens principais como Luke e Vader, e ainda tenta incluir questões políticas em sua criação, que embora fique em segundo plano e é ignorada pelo telespectador casual, ajudou a dar força na obra. Naturalmente, alguns detalhes que fazem a diferença e só podem sair da mente de alguém que domina a produção no cinema dão um charme a mais ao conjunto, como a respiração ofegante de Darth Vader, a espada flamejante usava nos combates, o sabre de luz, e todo os efeitos sonoros que ajudam a completar o obra de Lucas.

Felizmente, o diretor percebeu a tempo que seria impossível contar sua história em um filme de duas horas, e os dividiu em uma trilogia, um dos recursos mais comuns de se contar uma história de ficção, pois a divide no básico “começo, meio e fim”.
A saga não foge disso e começa com o simples, porém marcante, Star Wars, de 1977, traduzido como Guerra nas Estrelas no Brasil e depois renomeado de Star Wars Episódio IV : Uma Nova Esperança a partir de 2000, quando o filme Episódio I : A Ameaça Fantasma foi lançado no cinema contando a história que antecede sua obra máxima. O primeiro filme cumpre seu papel, inicia a história e apresenta os personagens. Se for analisado isoladamente, provavelmente não teria conquistado a legião de fãs que tem hoje se não ganhasse continuidade.

O Império Contra-Ataca vem exatamente com esse intuito, é o meio, apresenta enfim a trama principal contando o drama dos personagens e deixando o telespectador a espera do desfecho. Não por acaso é o filme mais aclamado pela crítica e pelos fãs. O Retorno de Jedi então fecha o ciclo com chave de ouro tendo um final previsível mas forte o suficiente para não decepcionar o público.
Star Wars, a trilogia original, foi a base de muito do que se vê na ficção hoje no cinema, com uma narrativa simples deixando os elementos que constituem os filmes marcarem seu público, e se tornou um clássico obrigatório para qualquer fã do cinema e fãs da boa ficção. Se você é uma dessas pessoas, não deixe os efeitos especiais ultrapassados (ainda que foram reeditados nas versões de DVD) o intimidarem. Mais do que qualquer show de luzes, a trilogia tem a oferecer todos os elementos necessários para eternizar um clássico.

As fugitivas

2010-06-15T05:46:00.000-07:00

Elas eram consideradas inspiração numa época em que “mulher não tocava guitarra e não cantava rock”. Elas quebraram tabus e se mostraram sem medo. Elas eram as Runaways, uma banda americana pré-punk dos anos 70. Joan Jett, Lita Ford, Sandy West, Cherie Currie e Micki Steele eram as integrantes originais de um projeto que, depois de algum sucesso, fracassou. O empresário Kim Fowley foi o responsável por reunir o grupo.
Como consequência da fama repentina, vieram festas incontroláveis, drogas – muitas drogas – e bebida. Eram todas jovens, inconsequentes e só queriam aproveitar. A vocalista Cherie Currie, interpretada por Dakota Fanning, viu suas companheiras de banda se voltarem contra ela, depois de uma revista publicar fotos só dela.
O público começou a ver a banda como sendo apenas de Cherie e uma matéria que chamava as outras meninas de “as seguidoras” da vocalista foi a gota que faltava para tudo dar errado. Em uma acesso de raiva, Cherie decidiu que não terminaria de gravar uma música em estúdio, onde todas estavam reunidas. Lita Ford partiu então para cima dela, causando a maior confusão. Joan, interpretada por Kristen Stewart, tentou acalmar os ânimos, mas sem sucesso. Era o fim das Runaways.

A conclusão que eu cheguei é que esse jamais será o tipo de filme para se ver com os pais. Não vou ficar espantada se a censura for 18 anos. Comparando a personagem Joan Jett com Bella Swan (da saga Crepúsculo) – ambas interpretadas pela Kristen – podemos dizer que elas são o extremo oposto, uma da outra. Enquanto Bella é 8, Joan é 80!
O filme, dirigido por Floria Sigismondi, ficou legal, apesar de não ter muito o que inventar. Era a história e ponto. Em compensação, algumas cenas, como as de Dakota Fanning se drogando explicitamente, e ela e Kristen Stewart cheirando cocaína no banheiro de um avião, podem elevar a classificação etária e proibir muitas fãs de Crepúsculo de ver sua musa no cinema. Vão ter que esperar em DVD e assistir sem a mamãe e o papai.

O legal do filme foi ver como o sucesso pode enlouquecer as pessoas e como as cobranças que as grandes estrelas, em especial da música, sofrem podem levar meninas educadas como Cherie Currie a se drogar e encher a cara antes dos shows. Tudo isso por pura diversão, ou para aguentar aquela maratona interminável de entrevistas e apresentações sem sentir sono, cansaço e sem ser um simples mortal.

“Fraude ou fenômeno da humanidade?”

2010-06-15T05:42:00.000-07:00

Antes de ler a crítica, um aviso: Se você espera ter questões como a existência de espíritos ou vida após a morte respondidas neste filme, abandone aqui a ideia. O filme sobre o qual vou falar agora é uma obra de imenso respeito, que retrata (ainda que de forma abreviada) a vida do médium, cristão e espírita mais conhecido no País e no mundo: Francisco Cândido Xavier, o Chico Xavier.

No início da década de 70, um programa entrou para a história da TV brasileira. O chamado Pinga Fogo, da extinta TV Tupi, tinha um formato inédito para a época, sendo transmitido ao vivo e com 60 minutos de duração.

Na exibição do dia 28 de julho de 1971, um convidado especial trouxe a necessidade de um programa um pouco mais longo. Exibido por três horas, o Pinga Fogo foi o responsável por mostrar, em rede nacional, o carisma e a simplicidade de Francisco Cândido Xavier. Assim começa a viagem de Chico Xavier - O Filme, dirigida por Daniel Filho – diretor consagrado da Globo Filmes com Se Eu Fosse Você 1 e 2.

Rodeada de flashbacks e baseada no livro As Vidas de Chico Xavier, do jornalista Marcel Souto Maior, a história se utiliza de trechos reconstituídos do Pinga Fogo. Em um efeito de transições entre fases da vida do médium, o longa começa com sua infância sofrida, terminando nos anos 70, quando já se transformara no homem que dedicou maior parte de sua vida a ajudar o próximo e a se comunicar com os mortos.

Mas, com certeza não é só a iluminação maravilhosa de Daniel Filho – junto a todos os aspectos como edição de áudio e fotografia – que são espantosamente superiores a qualquer outra produção brasileira dos últimos anos. A maior estrela desse filme é com certeza o roteiro de Marcos Bernstein (Zuzu Angel, Central do Brasil, etc), que joga toda a polêmica e imparcialidade para segundo plano e romantiza o que foi escrito por Maior em uma história emocionante e divertida. Essa é a ideia que o roteiro tenta passar...e passa bem. A trilha sonora, de Egberto Gismonti, também encaixa emoções e tons corretos para cada parte do filme.

A segunda maior estrela do longa é um dos melhores elencos já montados na história da cinematografia brasileira. De início somos apresentados a interpretações perfeitas de Letícia Sabatella e Giulia Gam, totais opostos. Elas atuaram juntas ao prodígio Matheus Costa, que interpreta Chico ainda criança. A propósito, falando sobre o protagonista, na caracterização não há defeitos. Interpretado por mais dois atores, Ângelo Antônio (Dois filhos de Francisco) na juventude e Nelson Xavier na maturidade, Chico é totalmente presente em Nelson, que se aproxima muito do original. A semelhança física do ator com o médium já impressionava a todos quando Chico ainda era vivo, fato que fazia dele o único e ideal candidato ao papel do “instrumento de Emmanuel”.

Aliás, segundo Daniel Filho, o personagem mais polêmico e, consequentemente, mais difícil de ser retratado, foi Emmanuel (interpretado por André Dias), o guia espiritual que apenas Chico conseguia ver. E as melhores passagens do médium no longa são os diálogos engraçados entre ele e seu guia, incluindo uma passagem dentro de um avião. A quase anedota, contada durante o programa Pinga Fogo, você confere na íntegra, no vídeo abaixo.

Ainda no quesito interpretações/elenco, Tony Ramos e Christiane Torloni, que protagonizam a única história paralela à do médium, estão excelentes em cena. Nesse outro núcleo do filme, que serve para aproximar os céticos, o roteiro de Bernstein insere um casal que perdeu o filho assassinado, vê a mediunidade com receio, mas reconhece a psicografia de Chico. É o detalhe que falta para que todos os públicos em potencial estejam dentro do filme.

Em resumo, Daniel Filho pegou um dos aspectos da existência do líder espírita, transformou na essência do filme e acrescentou elementos para não deixar o público observar Francisco Cândido Xavier à distância. Bom roteiro, boa fotografia, boa trilha e ótimos atores. Não só vale o ingresso, como vale o replay.

Humor negro e embaralhado

2010-06-08T17:45:00.000-07:00

Willian Fernandes

Imagina-se uma trilha de filme de terror como algo assustador, com discrepâncias entre notas graves e agudas, repleto de oscilações de volume que matam qualquer cardíaco de susto. Já temas para romances são tocados com pianos agradáveis, que acompanham belas vozes de artistas pop.

Esses são exemplos de como campos harmônicos provocam reações diferenciadas ao ouvinte, conforme dizem os estudiosos da música. A teoria diz que o cinema é obrigado a apresentar-se com convergência de emoções entre imagem e som. O diretor Quentin Tarantino, entretanto, prova que esta padronização pode ser quebrada. E ele foi ousado o suficiente para revelar-se inovador, e excessivamente sarcástico, logo em seu primeiro filme – Cães de Aluguel.

Há quem diga que as cenas de violência, editadas com músicas country, dão o tom caracterizam a obra de Tarantino neste filme. Concordo plenamente. Uma cena que retrata bem isso é quando o criminoso Mr. Blonde, interpretado pelo ator Michael Madsen, corta a orelha do policial Marvin Nash, interpretado por Kirk Baltz, em uma tortura que arranca risadas e calafrios do espectador. Lembre-se também que o filme começa com um bate-papo entre gângsteres que curtem o sucesso de Madonna nos anos 80, Like a Virgin. Normal para o cotidiano, raro para filmes de ação.

São situações assim que torna Cães de Aluguel um grande filme. A trama é desenvolvida rapidamente e relatada com normalidade. A interdependência entre os picos de ação e as cenas habituais dá a sensação de que a angústia vivida pelos bandidos é real. Aliás, mostrar que situações do dia-a-dia podem, de repente, se transformar no clímax é um dos pontos fortes do autor.

Cães de Aluguel não é um filme longo. A produção prende o espectador durante 99 minutos, mas de uma forma não habitual, já que a trama é desenvolvida por capítulos. O grande lance é que essas partes não seguem ordem cronológica. É como se o diretor colocasse o meio no começo e o início no fim. Tarantino faz isso, e o mais surpreendente, é que ele consegue bolar um final surpreendente.

Quem espera assistir a um tema policial que remete a reflexões sobre violência urbana se decepcionará com Cães de Aluguel. O filme é indicado para aficionados por diversão, humor negro e temáticas sobre o submundo.

Trailer de Cães de Aluguel (Reservoir Dogs, em inglês)

Um clássico para assistir a dois

2010-06-08T17:00:00.000-07:00

Mesmo na era dos avanços tecnológicos , algo que luta para não sair de moda é o romantismo. É possível ver, mesmo com grande dificuldade, cavalheirismo e expressões “suspirantes” de afeto e carinho entre homens e mulheres.

Lembrando de momentos que fazem o coração das meninas palpitar e a perna dos homens tremerem, o filme ideal para o dia dos namorados é sem sombra de dúvidas “Orgulho e Preconceito”. Além de ser uma história ambientada no século XIX, a trama relata a vida de duas pessoas que sobrepujaram as diferenças sociais em nome de uma linda história de amor. A determinada, teimosa, porém amorosa Elizabeth Bennet (Keira Knightley, de "Piratas dos Caribe"), mantém uma relação de ódio e amor com Mr. Darcy (Matthew MacFadyen, de "Enigma"), cavalheiro rico, porém muito arrogante, que chega a sua cidade. Ela uma moça pobre, pertencente a uma família de cinco irmãs solteiras que buscam o casamento perfeito. Ele um jovem orgulhoso e herdeiro de uma fortuna inigualável faz parte de uma família conservadora e preconceituosa. Um encontro casual dos dois mundos opostos, que marca o início do romance mais elogiado pela crítica nos últimos anos.

É impossível destacar pontos negativos. O filme simplesmente é agradável aos olhos, ouvidos e coração. E não poderia ser diferente; com mais de milhões de exemplares no mundo inteiro a obra literária da escritora britânica Jane Austin, arrebatou o coração uma legião de fãs e críticos, desde 1813, época em que o livro, que deu origem ao filme, foi publicado. O sucesso foi tamanho que o livro Pride and Prejudice (Orgulho e Preconceito) não demorou para ser adaptado às telas de cinema.

O amor impossível, a valorização dos status/poder e o valor da família são pontos acentuados no filme. Uma excelente produção e as interpretações são tão marcantes, que fica quase impossível depois de assistir não se espelhar na corajosa Elizabeth e se apaixonar pelo sensível Mr. Darcy. Para muitos telespectadores este é um romance tão marcante e bonito, que chega a ser inspirador. Para as mais sonhadoras, que idealizam o desejado e não distante “príncipe encantado” vale a pena ter esse filme na prateleira. Garanto que o pó não vai chegar nem perto dessa fantástica produção, afinal, será impossível assisti-lo somente 10 vezes.

Aliás, o filme faz uma crítica a sociedade contemporânea, assunto discutido por muitos sociólogos, a valorização do ter sobre o ser. Isso fica muito explícito com as dificuldades enfrentadas pelos protagonistas para viver esse amor visto como impossível, por causa das lacunas sociais que os dividem.

Orgulho e Preconceito não tem cenas picantes, nem termos xulos, sendo um filme inesquecível. Indicado ao Oscar, conta com um elenco impecável, uma direção de arte admirável e uma trilha sonora marcante. Esse, com certeza, proporcionará aos corações apaixonados um momento único.

Postado por Ingrid Rolemberg

A fé de Eli no mundo pós-apocalipse

2010-06-01T17:47:00.000-07:00

Marcela Souza

Mais uma história apocalíptica? Não. O Livro de Eli vai além das histórias que tematizam a vida após o tão temido fim do mundo.

No que diz a respeito a como serão os dias na Terra pós-apocalipse, ele se parece com todos os outros, realmente: cidades devastadas e destruídas, ruínas, caos, pouquíssimas pessoas ainda vivas, violência e vandalismo liberados, etc. Tudo o que já vimos, lemos, ouvimos e assistimos sobre o assunto.

Um ponto interessante que, raramente, se vê em outros filmes é a questão da água. Nesse longa, essa fonte de vida imprescindível a todos os seres vivos é mostrada como seria se o mundo acabasse: escassa, preciosa, rara, capaz de causar grandes guerras entre quem a possui e quem a quer possuir.

Tirando isso, o filme tem um enredo diferente. Como o próprio nome diz, O Livro de Eli tem um protagonista importante, além de Eli, sua acompanhante Solara e o tirano Carnegie: um livro. Durante todo o decorrer da história, o nome do livro não é citado, mas o telespectador sabe de qual obra se trata: a Bíblia.

Por conta desse livro e da história que é contada, eu classifico esse filme como não pertencendo ao gênero de ficção, ou drama, ou aventura. É uma história de fé. De crenças, de esperança. Não falo de religião, embora a Bíblia pertença aos adeptos da fé cristã. A meu ver, se trata mais da fé em si, do fato de se acreditar realmente em algo que não se vê, mas que se sabe ser verdade.

Notei, de maneira subliminar, traços característicos do Cristianismo. Eli é um peregrino, um homem solitário, corajoso, destemido, que viaja sozinho pelo mundo de devastação com uma intenção em mente: levar o livro que carrega há 30 anos até um lugar sagrado. Chamo o lugar de sagrado não por que ele é, de fato, mas por ser um local que Eli acredita ser onde Deus o mandou levar o livro. Para o protagonista (e é o que dá a entender toda a história), essa obra é a única coisa capaz de salvar a humanidade. Salvar no sentido de trazer novas esperanças, de ensinar ao povo como recomeçar. É a luz no fim do túnel.

Eli é como o Noé. Por uma promessa de Deus, nada pode acontecer a ele enquanto não cumprir a sua missão. Ele é praticamente invencível. Luta mais do que um samurai, vence mais de 20 homens de uma única vez sem um único arranhão, é baleado e não morre. É um "protegido de Deus".

Por essas e outras, esta é uma história de fé e confiança. Sei que muitos espectadores, ao assistir, discordarão. O filme pode ser considerado religioso, fantasioso, impossível. Mas eu acho que depende da visão: para os que creem que a fé é capaz de tornar qualquer um invencível, é a história ideal.

Acima de tudo, O Livro de Eli é um belo filme, com uma bela fotografia: quase não há cores nas cenas. Tons de cinza fazem o cenário do longa. Uma história de perseverança com tons sombrios, como o mundo retratado. Por sinal, uma bela característica dada pelos irmãos Allan e Albert Hughes, conhecidos por seus filmes violentos e cheios de cenas de ação.

Os diretores gêmeos estrearam no mundo das telonas na década de 90, e o último longa da dupla foi Do Inferno, em 2001. O filme tinha um belo toque misterioso e requintado, trazendo um tema já conhecido pelos amantes do cinema. Talvez por isso não tenha obtido muito sucesso entre o público, mesmo tendo como protagonista o incomparável Johnny Depp.

Aliás, os diretores voltam à cena trazendo na bagagem mais um astro: Denzel Washington. Dispensaria comentários, por mais uma excelente atuação. No entanto, valem a pena algumas palavras. O ator não deixa a desejar – mostra mais uma vez por que é considerado um dos melhores e mais tradicionais atores de Hollywood.

Eli ganha as marcas dos personagens de Denzel, o que lhe cabe como uma luva: sério, corajoso, o típico machão acima de qualquer suspeita. E, claro, com aquele ar de homem rústico espetacular, que não se dá a chorumelas.

Uma grande surpresa aguarda no fim do filme. Este sim é o ápice, a grande sacada dos diretores e o que torna a história muito melhor do que se pode imaginar. O filme, no seu desenrolar, é um, e no final se torna outro. Excelente, mesmo. Paradigmas religiosos à parte, só pelo final já vale a pena assistir.

Um Robin Hood carrancudo e introvertido

2010-06-01T17:34:00.000-07:00

Bruna Rossifini
Se você espera ver em Robin Hood o lendário homem que roubada dos ricos para dar ao pobres, dê meia volta e escolha outro filme. O velho e conhecido Robin, vestido de verde, com chapéu de pena e cercado de seu bando, não é o herói retratado no filme de Ridley Scott.

A trama conta a história do arqueiro Robin Hood, integrante do exército do Rei Richard. Após a morte do rei, Robin segue um caminho diferente com seus três amigos. No meio da jornada, o arqueiro se vê envolvido em uma promessa de entregar a coroa de Richard ao seu irmão, John, ao mesmo tempo em que irá seguir seu rumo ao condado de Notthingham para entregar a espada de um dos guerreiros do exército do rei.

O ator Russel Crowe assume de maneira séria o papel do arqueiro e o transforma num sujeito carrancudo. O que mais me deixou chocada foi exatamente a escolha do diretor pelo ator para encarnar o protagonista. Pensem comigo: se o filme conta o início e desde então Robin já tinha aquela idade, quer dizer que ele virou lenda nos pouquíssimos anos seguintes que ainda tinha vigor físico? Não quero nem pensar nas sequências deste filme, com Crowe barrigudo se escondendo pela floresta e realizando as emboscadas para saquear os ricos.

Robin Hood deixa a desejar, apesar dos ares de uma milionária superprodução épica, da produção muitíssimo bem cuidada, da bela fotografia e dos cenários grandiosos. Entretanto, quem viu a publicidade feita pela Universal Pictures, com certeza, esperava algo melhor do que foi mostrado.

Parece inevitável a comparação deste longa-metragem com Gladiador ou Cruzada. Todos são filmes épicos do mesmo diretor, Ridley Scott. Crowe e Scott trabalharam juntos no sucesso de critica e público Gladiador (2000). Já tendo ambientado várias dessas produções utilizando uma cenografia e fotografia do mesmo estilo, em épocas parecidas, todas medievais, com todas suas guerras e lutas, é inevitável que haja certas semelhanças.

O diretor Scott limita-se a repetir o mesmo estilo visual que já havia experimentado em Gladiador e Cruzada. Prova disso é a contratação do diretor de fotografia John Mathieson, que trabalhou nos dois filmes citados.

Isso não quer dizer que o filme seja 100% ruim, mas o principal teaser anunciava um épico ultra violento, com foco no Robin, arqueiro do exército do Rei Ricardo, em volta das Cruzadas. Esse era um dos filmes mais esperados de 2010, mas o produto vendido não foi o mesmo anunciado.

A desfigurada Alice de Tim Burton

2010-06-01T17:23:00.000-07:00

Thâmara Malfatti

Eu tentei escrever sobre outro filme. Juro. Mas há um mês estou remoendo minha insatisfação com Alice no País das Maravilhas versão Tim Burton.

Sempre gostei muito de Alice. Os dois livros de Lewis Carroll (No País das Maravilhas e Alice Atrás do Espelho) vivem no meu imaginário desde criança, apesar de eu pensar que não são obras para os pequenos. O primeiro livro foi escrito em 1865, e o fantástico dele é sua atemporalidade. Uma narrativa cheia de simbologias e “surrealidades” que, na verdade, vivemos em nosso mundo “real”.

O fato é que até mesmo o clássico desenho da Disney (1951) corresponde mais às minhas expectativas. Acompanhem meu raciocínio: a história de Alice já é genuinamente sombria – quem não conhece, que pesquise na Internet sobre o autor e a obra. Aí a Disney encomenda uma nova versão ao diretor Tim Burton. Relembremos seus filmes: o belo Edward Mãos de Tesoura, o melancólico A Noiva Cadáver e o carniceiro Sweeney Todd, do barbeiro que faz torta de gente.

Ok, foi a Disney que encomendou. Ok, tinha intenção de ser um blockbuster para a massa, de qualquer nacionalidade, entender e gostar. O que eu esperava? Alice + Tim Burton = um filme misterioso, sombrio e que aproveitasse e ressaltasse as características excêntricas e surreais dos personagens. Mais força, mais personalidade. Daqueles filmes que você frita no cinema, chega em casa, dorme, sonha uma história muito louca, acorda e pensa: caraca, por que não aproveitaram a Alice desse jeito antes?

Só não precisavam desfigurar o conto. A nova versão não passa de mais uma historinha de aventura.

Também não precisava ser na levada do jogo American Mcgee’s Alice, no qual a história realmente dá medo, a Alice é vingativa e segura uma faca.

O roteiro adaptado por Linda Woolverton (roteirista de A Bela e a Fera e O Rei Leão), é bem chato e cansativo. Tim Burton considera sua versão uma mistura de contos de fadas com história de terror. Já Linda tem outra opinião: “É uma continuação; uma história revisionista, ou melhor, um exemplar do nonsense cinematográfico”, disse à revista norte-americana Script. Ah-ham...

A decepção começa com a mocinha que faz Alice (Mia Wasikowska), totalmente apática, com apenas uma expressão do começo ao fim do filme. A história ameaça engrenar quando a personagem, agora com 19 anos, vai ser pedida em casamento. Logo aparece o famoso coelho branco, mas é como se não aparecesse. Aquele coelho apressado que conhecíamos, que representa a agonia, o estresse e a luta constante que temos com o tempo (atual, não?), não fede nem cheira, mal olha no relógio, nem parece atrasado. Para resumir, ela logo cai num mundo de computador beeem fake, e os personagens, em vez de surreais, são falsos, seguindo a linha do coelho.

Johnny Depp faz o chapeleiro maluco e, mesmo quando nada contra a maré, não decepciona. Pena que não o aproveitaram melhor. Helena Boham-Carter faz a Rainha Vermelha e Anne Hathaway interpreta a irmã boazinha, a Rainha Branca. Escolhas ótimas, elas temperaram um pouco mais o filme, mas não salvaram a direção.

O filme vai passando e você vai esperando que o final melhore a situação. Então... É possível lembrar que tudo nessa vida pode piorar. O final não convence nem uma criança de seis anos. Uma luta com um dragãozinho malfeito e a volta para o mundo real só não são mais chatos que a lição de moral insossa que Alice direciona aos humanos em seu noivado furado.

O que achei estranho é que as críticas sobre Alice no País das Maravilhas, antes do filme sair, falavam muito bem da versão. Só que depois que o longa estreou, as críticas mudaram, quase todas viraram negativas. Parece que a campanha publicitária e as críticas pagas já não eram mais necessárias, nem convincentes.

Antes Tim Burton tivesse sido repetitivo, como o acusam. Seria bom ter sua assinatura de volta. O filme poderia até ser menos bonito, menos colorido, mas que fosse mais inteligente e criativo. Comercial ou não, com restrições ou não, Burton poderia ter feito coisa melhor.

E não me venham mais com 3D! Essa onda Avatariana está me pondo doente.

Veja as versões de Alice ao longo do tempo:

1903:

1933:

1985:
1988: http://www.youtube.com/watch?v=C5wHMgTPF-s

A bizarra versão de 1988 (o que é esse coelho???):

1999:

2010:

Querido John. Mas querido mesmo

2010-05-25T16:03:00.000-07:00

Beatriz Dias

Um perfeito água-com-açúcar, meninas. Uma bela história de um homem que cresceu forçado a ser o mais forte, e com os anos viu-se obrigado a deixar sua armadura cair, meninos.

Seja você homem ou mulher, o filme Querido John (EUA, 2010), é interessante.

Cheguei à sala de cinema com a impressão de “mais uma história de amor”. Um homem, muito bonito por sinal (aproveitem meninas, belas imagens), apaixona-se em um verão por uma garota da cidade grande. Até aí, nenhuma novidade. Em qualquer bom filme de romance, a novela é a mesma. Ele, do exército americano. Ela, futura professora, com seu sonho de ajudar crianças com necessidades especiais. O fim é previsível. A história de amor, comum.

O que diferencia esse filme dos demais é o relacionamento que John Tyree (Channing Tatum) tem com seu pai. Uma relação silenciosa e distante, devido à ausência da mãe. Savannah Curtis (Amanda Seyfried), além de um ‘amor de verão’ para John, une pai e filho e permite que uma relação que há anos era inexistente voltasse a tornar-se forte.

O filme foi tirado de um livro de Nicholas Sparks, autor também de Diário de uma Paixão, lançado em 2004 – e que, não por acaso, é em minha opinião e na do jornalista Larry King a melhor história de amor dos últimos anos.

Embora Nicholas Sparks seja um eterno apaixonado, e suas histórias belíssimas, falta-lhe um pouco mais de criatividade. Várias cenas dos dois livros – e, portanto, dos filmes feitos a partir deles - são semelhantes. Em alguns momentos, como as do jantar depois que os casais se reencontram depois de alguns anos distantes, são basicamente as mesmas. As cartas que enviam uns aos outros, durante o tempo em que são forçados a ficar separados... sempre a mesma coisa.

Nada disso tira a qualidade do filme. Os atores são muito bons, me convenceram. Amanda Seyfried, também conhecida por seus últimos trabalhos como Garota Infernal e Mamma Mia, além de atuar, canta e faz parte da trilha sonora na canção Little House. Boa voz.

Channing Tatum, ator jovem, teve seu primeiro sucesso dançando nas telas em Ela Dança, Eu Danço, de 2006. Depois, começou a fazer filmes como G.I. Joe, sempre como o fortão. Querido John mostrou o lado sensível desse homem tão... apresentável. Um protótipo de homem que só existe em filmes.

O final, não contarei. Mas como na maioria das histórias de amor, quando as luzes do cinema se acenderam, minha sensação de surpresa... igual a zero. Em todo caso, há outros fatores que tornam Querido John um filme especial. Ah sim, leve um lenço. Nunca se sabe qual parte te tocará mais.

A adaptação que acabou em decepção

2010-05-18T06:57:00.000-07:00

Mariana Rodrigues

Levar para o cinema a antiga fórmula do musical da Broadway é uma estratégia que tem tudo para dar certo. O público já está garantido e a história já está aprovada. A Noviça Rebelde, Amor Sublime Amor, Grease e tantos outros comprovam a força das adaptações de musicais.

Pois é, não sou nenhuma novata em musicais, não me incomodo com pessoas que saem cantando do nada e acho totalmente normal que todos os figurantes também saibam cantar e dançar. Nenhum preconceito contra os musicais é responsável pela decepção que é Mamma Mia! E sei que não sou a única.

O musical usa as canções do grupo sueco ABBA, que foi sucesso na década de 70, e conta a busca de Sophie, interpretada por Amanda Seyfried, para descobrir quem é seu pai e conhecê-lo dias antes de seu casamento. Isso sem que nenhum deles saiba e tudo feito pelas costas de sua mãe, interpretada por Meryl Streep. Entre os possíveis pais da garota estão Colin Firth, Pierce Brosnan e Stellan Skarsgard .

Então é só escalar um elenco com grandes nomes e as músicas do ABBA que fizeram sucesso e está tudo resolvido. A adaptação de Mamma Mia! chegou às telas levou uma multidão ao cinema chegou a quase 30 milhões de dólares nos três primeiros dias de exibição. O sucesso realmente chegou, mas a qualidade não passou nem perto.

A direção é da estreante Phyllida Lloyd, que foi a responsável pela produção da peça. Por causa da experiência prévia nos palcos e a falta de experiência nas telas é possível relacionar os exageros na versão cinematográfica. O filme peca do começo ao fim na fotografia pobre, no enredo mal construído, nas coreografias e nas atuações dignas novela mexicana.

Nem mesmo a presença da conceituada de Meryl Streep, é capaz de salvar. Aliás, suas cenas são as mais sofríveis de assistir. É constrangedor para quem assiste e com certeza também são para ela, que conta com recorde de indicações ao Oscar. Tudo que eu conseguia pensar, enquanto assistia ao seu festival de caretas era qual tipo de apuros ela estava passando para fazer esse papel. Minhas hipóteses ao fim do filme foram que ela pode ter sido chantageada ou estava devendo um grande favor. Só assim posso voltar a dar alguma credibilidade para Meryl.

Mesmo assim, o único indicado ao Framboesa de Ouro, premiação dos piores filmes, foi Pierce Brosnan. Admito que me debati e ainda não superei o fato de ver 007 cantando pela Grécia, mas minha esperança se manteve (em vão) até o fim do filme graças ao trio masculino. Tive que desvincular um pouco do filme e me lembrar das outras interpretações em blockbusters como de Colin Firth em, O diário de Bridget Jones e do australiano Stellan Skarsgard em Piratas do Caribe .

Como os atores não foram dublados nas músicas, a voz que está lá nas músicas é deles mesmo. É eu sei o que você pensou. Mas, se até os integrantes do ABBA deixaram essas músicas irem a público e se eles não tem vergonha da sua própria falta de afinação, que sejam felizes e divirtam-se com o karaokê trash.

Mesmo com todas as falhas, o filme arrecadou US$ 600 milhões e existem planos para uma continuação. Essa, sem músicas do ABBA

O ideal para assistir ao filme é ir sem a intenção de pensar nos detalhes que fazem um enredo coerente, fazer o possível para não se indignar com a falta de rumo na história e não criar grandes expectativas de um bom final.

Do meu ponto de vista, Mamma Mia! é o ideal para comparações futuras sobre o nível de qualidade de outros filmes. Por enquanto, continua imbatível como o pior.

Não. Eu não quero ir ao cinema

2010-05-11T06:09:00.000-07:00

Nathália do Lago

Melhor que fazer crítica DE cinema é fazer crítica DO cinema. DOS cinemas, na verdade. Generalizada, mesmo. Não existe, para mim, maior passeio de índio do que ir ao cinema. Pior ainda no fim de semana.

Sábado à noite. Posso ir a qualquer lugar, fazer qualquer coisa. Por que cargas d’água eu iria enfrentar uma fila que Deus manda, pagar uma fortuna por uma pipoca mega-salgada ou completamente sem sal (impressionante como eles nunca acertam no sal) e me encher de celulite tomando litros e litros de refrigerante?

Juro que gosto de assistir a filmes. Gosto mesmo. Mas não troco, por nada nesse mundo, o conforto do meu sofá, ou o aconchego do meu edredon, por aquelas poltronas cheias de ácaros. Nem que me paguem! Fora que, graças à minha rinite, ar condicionado não é algo muito bem recebido pelo meu nariz. São duas horas, ou mais, de espirros, olhos vermelhos, irritação e inquietação.

Sim, como se não bastasse, sou incapaz de passar mais de 15 minutos sentada, quietinha, olhando para a tela. Vai por mim, sou uma péssima companhia para se ir ao cinema. Sabe aquela brincadeira, “se eu não durmo, ninguém dorme”? Pois é, mais ou menos assim. Não assisto e também não deixo ninguém ver o filme.

E quer coisa mais angustiante do que querer fazer xixi bem no meio do filme? Dá aquela sensação de que, exatamente naqueles cinco minutos da ida ao banheiro, o mocinho vai finalmente beijar a mocinha, o crime vai ser desvendado ou, ainda pior, o mistério revelado. Aí, você fica lá, se contorcendo, esperando o momento oportuno, o que parece ser o menos importante. Pronto, é agora. Passa toda desajeitada pelos vizinhos de poltrona, desvia com todo cuidado das pernas das pessoas e desce as escadas morrendo de medo de tropeçar no escuro. Quando volta, bingo! Perdeu a cena crucial, o auge do filme.

Ou, pior! Você está todo envolvido com a trama, completamente dentro do filme. É agora que o herói vai vencer o vilão e - tchanã! - o celular de algum dos muitos desconhecidos ao seu redor começa a tocar. O estranho vai desligar logo aquela campainha irritante, certo? Errado. A bonitona da cadeira de trás não só demora para encontrar o aparelho em meio àquela bagunça interminável que nós sabemos ser a bolsa de uma mulher, como ainda começa a fofocar com a amiga minutos a fio.

É, ouvir é um ato involuntário. De repente, você já descobriu que o encontro da moça, na noite anterior, foi um fracasso e que ela está no cinema com o ex, tentando, quem sabe, um “vale a pena ver de novo”.

Começa a passar os créditos finais. Ah, os créditos. Finalmente, os créditos! Quem estava descalço, põe os sapatos. A menina descabelada agora tenta, inutilmente, dar um jeito nas madeixas rebeldes. Os recém-namorados, já não sem tempo, se desgrudam. Luzes acesas, é hora de ir para casa. Delícia, minha gente. Já no estacionamento, sempre descubro que esqueci de dar o tíquete para carimbar no guichê dos ingressos. Incrível como eu nunca lembro e tenho que voltar lá. Ah, muita tortura para uma pessoa só.

Há quem diga que a imagem da tela do cinema não tem comparação. Que o áudio, então, nem se fala. Pois eu já acho que o custo-benefício nem de longe compensa.

Quem lê, pensa que ir ao cinema é uma tortura. Em muitos casos, é mesmo. O que me consola é que, se eu sou “crica”, tem gente no mesmo nível de intolerância. Ou ainda mais.

Acredite se quiser. Além dos problemas apontados por mim anteriormente, Bruno Mazzeo conseguiu achar mais argumentos para você pensar, assim como nós, que cinema é um saco!

Gran Torino, um filme pra macho chorar

2010-05-04T15:19:00.001-07:00

Roseli Nascimento

Clint Eastwood dispensa apresentações. Para quem gosta de bons filmes, com certeza já se arrepiou com sua cara de mau e sua voz rouca em O último Golpe ou mesmo se emocionou e chorou baldes em Menina de Ouro. Seja dirigindo ou atuando nos filmes, não tem pra ninguém, ele é o melhor mesmo.

Em Gran Torino não é diferente. Além de uma atuação profunda, como sempre, Eastwood também dirige o filme. Contando a história de Walt Kowalski, um veterano de guerra preconceituoso e xenofóbico, o filme retrata a vida de um homem que acabara de perder sua esposa e se vê, pela primeira vez em anos, sozinho. Sua família, principalmente seus filhos, o quer longe, internado em um lar para idosos. Sempre mal humorado, o personagem repele todo tipo de afeto que lhe dispensam. Até mesmo do padre da comunidade, que prometera à sua falecida esposa que cuidaria de Walt.

Gran Torino é um filme americano, produzido e dirigido por americanos. Querendo ou não recai na mesma história de que os Estados Unidos é o melhor lugar do mundo e que todo cidadão é extremamente patriota e no fim, se torna herói. Lá no fundo, você sempre acaba vendo uma bandeira americana hasteada e balançando, de uma maneira até poética. Assim como em Guerra ao Terror, O Resgate do Soldado Ryan, Apocalypse Now, ou qualquer filme, que mesmo não sendo de guerra, como Independence Day, Impacto Profundo, 2012, traga a figura caricata do americano que acaba salvando o dia. Porém, além desse panorama, Gran Torino retrata o amor através da coragem e da honra. Apesar de não fugir muito desse clichê de herói de guerra e de que Klint Eastwood é mesmo um “cabra macho pra caramba”, o filme é por horas até engraçado, mesmo com piadinhas preconceituosas e sujas.

É uma lição para aqueles que acham que sabem tudo e que rótulos definem as pessoas. Mostra que, para julgarmos, é preciso conhecer as pessoas. Ou melhor, mostra que não temos o direito de julgar.

Gran Torino segue a linha de guerra / drama e profundidade / sofrimento de Cartas de Iwo Jima, continuação do longa metragem A conquista da Honra.

Para uma prévia do filme:

Drama de Christiane F. ainda choca

2010-04-20T16:50:00.000-07:00

Anna Balvetti

Christiane Vera Felscherinow, 47 anos, alemã. Também conhecida como Christiane F. Em 1978, ficou conhecida mundialmente, quando sua história foi publicada em um livro autobiográfico intitulado, em português, Eu, Christiane F. 13 anos, drogada e prostituída, do original Wir Kinder vom Bahnhof Zoo, que traduzido ao pé da letra seria Nossas crianças da estação Zoológico, local onde a menina costumava se drogar e se prostituir.

Veja na foto abaixo a mais recente aparição de Christiane, em 2008, numa entrevista para a TV alemã, e ao lado, ela aos 15 anos

Com o sucesso do livro e a comoção da opinião pública causada pelo drama vivido pela jovem, o diretor Ulrich Edel resolveu transformar a história de Christiane e dos jovens de Berlim em filme, em 1981.

Impactante, frio e duro. Apesar de possuir poucos diálogos, o filme retrata fielmente as principais passagens do livro, como a primeira picada de heroína de Christiane, o cold turkey (síndrome de abstinência) e a prostituição dos jovens que acontecia na cidade. Ilustra, também, a morte da jovem Babsie, que foi manchete nos principais jornais alemães por ser, na época, a mais nova vítima da droga (ela tinha 14 anos).

Com um elenco jovem, o filme ainda conta com participação do cantor David Bowie, que era admiridado por Christiane e que, no livro, aparece num show na Sound, famosa danceteria de Berlim. Veja a participação de Bowie no filme, cantando a canção Station to Station:

Apesar de ser um bom filme, ele deixa de fora fatos importante do livro, que complementam a história, como a infância de Christiane e o começo com as drogas mais “leves”, além da busca incessante da mãe da jovem por um local onde possa tratar a filha. Na época, não existiam clínicas de reabilitação/desintoxicação apropriadas para se tratar uma criança.

O filme acaba sendo mais impactante que o livro por conta das imagens sem censura, utilizadas – acredito – para chocar as pessoas sobre o real efeito das drogas. Apesar disso, faltou uma discussão sobre o assunto. O diretor Ulrich Edel se limita a mostrar os estragos da droga, mas não chega a ser um filme moralista, e sim realista, o que faz com que seja um bom produto cinematográfico, pois prende a atenção.

A versão em DVD do filme pode ser encontrada em bancas de jornal, ou nas locadoras. Vale muito a pena. Christiane F. não sai de moda. Assim como – infelizmente - as drogas que a história mostra.

Para os pais, que assistam ao filme como um sinal de alerta. Para os adolescentes, que vejam no que pode dar uma simples “experiência”.

Uli Edel também dirigiu Corpo em Evidência (1993), com a cantora Madonna, e foi escalado para dirigir o primeiro episódio de OZ – A Vida é uma Prisão, exibido pelo canal aberto SBT. Além disso, fez O Pequeno Vampiro (2008) e dirigiu no início deste ano uma biografia sobre o rapper alemão Bushido.

Atualmente, Christiane, ainda vive, porém perdeu a guarda recentemente do filho de 11 anos em 2008, após uma recaída pela heroína. por ser pega usando drogas pesadas novamente em uma recaída. Veja no link abaixo como ela está hoje:

http://vids.myspace.com/index.cfm?fuseaction=vids.individual&videoid=32370899&searchid=6c2bcccf-f757-4e72-ae17-387fadacd333

Disney finalmente descobre a cultura negra

2010-04-13T05:42:00.000-07:00

Outro dia passei em frente a uma escola de Santos e vi uma garotinha negra abrir um sorriso lindo ao exibir sua mochila e lancheira novas, ilustradas com o mais novo clássico da Disney, o desenho A Princesa e o Sapo. Identifiquei naquele sorriso a minha felicidade quando fui assistir ao desenho, ano passado, no dia do meu aniversário, 11 de dezembro. Para mim, foi um presente. Passei a infância tendo que me conformar em ser a Jasmini ou a Pocahontas nas brincadeiras. Não tenho ascendência árabe e não sou índia, sou negra e queria a minha princesa.

Brenda M. S. M. Duarte

Identifiquei naquele sorriso a minha felicidade quando fui assistir ao desenho, ano passado, no dia do meu aniversário, 11 de dezembro. Para mim, foi um presente. Passei a infância tendo que me conformar em ser a Jasmini ou a Pocahontas nas brincadeiras. Não tenho ascendência árabe e não sou índia, sou negra e queria a minha princesa.

O longa A Princesa e o Sapo, apesar de ser marcado pelo retorno da animação feita à mão, como em Cinderela e outros clássicos, e não fazer referência à cultura pop como os desenhos atuais, cai na tendência contemporânea de colocar “bichinhos” como personagens principais.

Por isso, acredito que o desenho decepciona como entretenimento. Sinceramente, eu gostaria de ter visto a Tiana como princesa por mais tempo. Ela passa mais da metade do filme como sapo. No entanto, socialmente, a primeira princesa negra da Disney trouxe inclusão e uma linda mensagem, que propõe a valorização do amor e da amizade, em detrimento da aparência física.

É um conto de fadas adaptado à cultura negra. A referência não se resume à cor da pele. Ela é pensada desde a trilha sonora, embalada pelo jazz, até a elaboração das personagens. No caso, uma sacerdotisa vodu é a fada madrinha.

A vida imita a arte ou a arte imita a vida? Essa é uma boa pergunta para filosofarmos. Nesse caso, até a chegada de Tiana, a arte não imitava a vida real. As garotinhas afrodescendentes do mundo eram simplesmente ignoradas. Será que precisou o presidente dos Estados Unidos ser negro para Hollywood enxergá-las?

Enfim, a linha de produções étnicas da Disney, que conta com uma chinesa (Mulan), árabe (Jasminmi) e índia (Pocahontas) proporcionou àquela menina que eu vi na entrada da escola, mais identificação com esse mundo mágico.

Manicômio.DOC - A fraqueza da loucura

2010-03-30T05:22:00.000-07:00

O longa-metragem brasileiro Bicho de Sete Cabeças (2001) é um objeto cortante empunhado contra as idéias prontas e as vendas que a sociedade insiste em colocar nos olhos. Sem rodeios, a diretora estreante Laís Bodanzky apresenta a realidade cinza de um manicômio com mais de 400 pacientes domesticados por pílulas, vítimas de um sistema de saúde mal administrado e corrupto. Neto (Rodrigo Santoro) se torna mais um prontuário desse hospital manicomial quando seu pai, Wilson (Othon Bastos), encontra um cigarro de maconha no bolso da camisa do jovem. A partir desse momento, o menino que andava de skate pelas ruas de São Paulo e subia em prédios para pichar muros com os amigos passa a se arrastar pelos corredores do hospital, obrigado a tomar tranqüilizantes, mesmo sem ter sido diagnosticado pelo psiquiatra.

Nathália Geraldo

O longa-metragem brasileiro Bicho de Sete Cabeças (2001) é um objeto cortante empunhado contra as idéias prontas e as vendas que a sociedade insiste em colocar nos olhos. Sem rodeios, a diretora estreante Laís Bodanzky apresenta a realidade cinza de um manicômio com mais de 400 pacientes domesticados por pílulas, vítimas de um sistema de saúde mal administrado e corrupto.
Neto (Rodrigo Santoro) se torna mais um prontuário desse hospital manicomial quando seu pai, Wilson (Othon Bastos), encontra um cigarro de maconha no bolso da camisa do jovem. A partir desse momento, o menino que andava de skate pelas ruas de São Paulo e subia em prédios para pichar muros com os amigos passa a se arrastar pelos corredores do hospital, obrigado a tomar tranqüilizantes, mesmo sem ter sido diagnosticado pelo psiquiatra.

A adaptação de Neto ao novo grupo de “loucos” é pontuada pela mudança de fisionomia. São poucas as cenas em que ele aparenta estar bem, elemento estratégico do roteiro para que o rosto ainda inocente de Rodrigo Santoro não seja uma imagem fixada na memória do espectador.

A história seria só mais uma representação ficcional se não fosse fruto da autobiografia Canto dos Malditos, de Austregésilo Carrano Bueno. O roteiro, extremamente fiel aos fatos, narra o sofrimento do escritor nas clínicas psiquiátricas, passando por momentos de tortura e surtos irreparáveis. Austregésilo, que morreu em 2008, foi um dos maiores militantes da Luta Antimanicomial no Brasil e, junto com o filme de sua vida, provocou mudanças e chamou atenção para a forma de tratamento psiquiátrico no País.

O elemento-chave do filme é a fotografia com ares de documentário. A câmera explora os muitos cantos do pátio, dos quartos e dos corredores do hospital. Quando ela para, mostra uma seqüencia de enquadramentos de internos jogados pelo chão, o olhar perdido de Neto, o desespero com gosto de indiferença daqueles que já perderam a razão.
Para entender a denúncia documentada no filme, é preciso ficar atento à expressão corporal dos pacientes, às frases cortantes ditas pelo pai, à impotência da mãe e, mais do que tudo, à personalidade de Neto, tão comum aos adolescentes. Esses foram elementos decisivos para Bicho de Sete Cabeças conquistar vários prêmios nacionais e internacionais, entre eles sete troféus no Festival de Brasília (2000), nove estatuetas em Recife (2001) e prêmio de Melhor Filme no 10º Festival de Cinema e Cultura latinoamericana em Biarritz, França (2001).

A trilha sonora do filme também é uma ferramenta importante para a construção da narrativa e do personagem principal. Em um cálculo exato de André Abujamra e Arnaldo Antunes, os sons e as canções entram pesados quando Neto não quer falar. O pensamento dele voa pelas letras quase literais e pelas melodias rápidas e viscerais sobre seus anseios, medos e obsessões.
Aliás, compartilhamos esses sentimentos o tempo todo com o personagem. A certeza que fica durante cada segundo do filme é a de que a loucura enfraquece. Muitas vezes, é a razão da sujeira, do abandono e da transformação de homens em meros corpos perambulantes. Quando se tem uma família desestruturada com um pai severo e uma mãe às voltas com seus próprios problemas, então a fragilidade é muito mais latente.

Com roteiro de seu marido Luiz Bolognesi, Laís Bodanzky fez uma linda estréia, aplaudida pela crítica por resgatar o papel da arte na luta contra os males sociais. Do público, as palmas vão para a coragem e a segurança em mostrar a incapacidade humana de lidar com questões psicológicas, transformando-as facilmente em um bicho de sete cabeças.

Confira trechos do filme:

Para a "Terra do Nunca"

2010-03-23T16:51:00.000-07:00

Não há como negar - ele era o Rei, ele é, ele sempre vai ser. Assisti ao filme/documentário tão comentado e aguardado e, como toda fã, não pude conter a emoção. Uma única palavra para o que assisti: BRILHANTE. No entanto, todo o espetáculo é mais um dos cenários da tão amada "Neverland" de Michael Jackson - vai ficar guardado na "Terra do Nunca", pois nunca irá acontecer realmente. "This Is It" não é um filme só para quem gosta de MJ. Fãs ou não, vale muito a pena conferir. Se não for pelo astro, que seja pelo maravilhoso espetáculo que ele proporciona. É inimaginável o tamanho dos shows que nunca irão acontecer. Os efeitos, as encenações, todo o material utilizado, as novas versões dos maiores sucessos, tudo tem o tamanho e a proporção da alma de MJ.

Marcela Souza

Tudo tem a proporção de seu sucesso, de sua fama.

Todo o show é digno da realeza - digno do Rei.

MJ acompanha de perto todas as filmagens, os ensaios dos bailarinos, decide como serão feitas as apresentações, escolhe os timbres, as notas, participa ativamente de cada mínimo pedacinho do espetáculo.

É impossível não se emocionar com "I'll be there" e "Earth Song". Aliás, pra quem for assistir, atentem para a fantástica apresentação e o grand finale de “Earth Song” - se esses shows viessem a acontecer, acredito que esse seria um dos momentos mais lindos e emocionantes. Também não tem como não se balançar na cadeira do cinema vendo a nova versão de "Thriller", "Smooth Criminal" (particularmente a minha preferida), a coreografia já conhecida e amada de "Beat It" e os passos imortais de "Billie Jean". Aliás, a roupa que Michael usaria em “Billie Jean” estava sendo projetada por cientistas (surpreendente!).

Segundo críticas, MJ movimenta mais os braços do que as pernas durante os ensaios, e que usa playback algumas vezes. Ora, não é preciso justificar isso como "antecedentes da morte". O homem tinha 50 anos! Não são todos os homens de 50 que passam meses, mais de 12 horas por dia, dançando, cantando, pulando e suando como Michael. É perfeitamente justificável que ele movimentasse menos o corpo e a voz, até porque ele mesmo disse várias vezes durante os ensaios que precisava poupar sua voz e corpo, afinal os shows estavam próximos e ele precisava se "guardar" para o grande espetáculo. Se ele soubesse que aquele seria o mais próximo que chegaria da apresentação, com certeza teria feito ainda mais. Porque o que ele fez não foi pouco - que o digam a equipe que trabalhou com ele que, mesmo depois de horas, sentavam todos em frente ao palco para acompanhar MJ cantar seus maiores sucessos, eufóricos e saltitantes.

Pode-se imaginar como a equipe, principalmente os bailarinos, selecionados dentre milhões de sonhadores aspirantes, se sentiram quando ouviram a maldita notícia.

– Bom dia, pessoal, e aí, vamos começar o ensaio de hoje?

– Não, hoje não vamos ensaiar, não vai haver mais show.

– Como não?

– MJ está morto.

Não é possível calcular o que se passou entre aquelas pessoas, que além de estarem dando a própria carne para fazer daquele espetáculo algo inesquecível, ainda eram (e são) fãs incondicionais do Rei do Pop. Nem vale a pena calcular, seria apenas mais uma cena triste.

A sensação, na saída do cinema, é de mágoa. Chateação, emoção, mas principalmente, muita raiva, mesmo. Toda aquela maravilha inenarrável, todo o trabalho, a dedicação... para nada. Aquele fascínio todo nunca chegou a acontecer, nunca vai acontecer. Se os ensaios já foram verdadeiros shows, o oficial então nem se pode sonhar.

É doloroso ver a tela do cinema se apagar, ao som de "This Is It". E ali ficar todo o restante da trajetória de um ídolo mundial, amado e odiado, mas inegavelmente inesquecível e insuperável.

Aplausos... é pouco demais.

Ele era o Rei, ele é, ele sempre vai ser.

É isso.

O poder maquiado

2010-03-23T06:57:00.000-07:00

Alienígenas, poder bélico, e um alto nível de patriotismo, esses são ingredientes básicos que fizeram o filme transformers estourar nos cinemas de todo mundo. Em meio a robôs gigantescos e também uma pitada de comédia, algo nos bastidores do filme se relacionava com o cenário nacional da época.

Optimus Prime ditava as regras ao conglomerado exercito americano, enquanto chefes de estados se tornaram refém de Megatron um dos vilões do longa. Naquele momento a passividade e a submissão do até então poder bélico americano ruía refletindo a vida da sociedade.

Os efeitos especiais, a música, fotografia, caras, bocas e corpos malhados foram um atrativo essencial para cair no gosto mundial. O enlatado então foi um sucesso.

A atriz Megan Fox impecável ajudou, com sua beleza e corpo escultural, a dar a pitada final no contexto geral do filme.

O povo americano, com seu orgulho arranhado, deleitou em suas próprias fantasias diante uma realidade cruel. Era o suficiente para tentar erguer a cabeça e continuar. Acho que por lá as coisas funcionam dessa maneira.

A potência americana então estava explícita a pedido do então presidente George W. Bush. Aquele que mais parecia o MAD das revistas dos anos noventa e que, porventura, desertou e não serviu o exército americano. Porque tanto patriotismo então se ele não é chegado nas questões que envolvem ações militares?

O filme Transformers cumpriu o seu papel. Mostrou pro mundo inteiro que é capaz de destruir alienígenas, mas incapaz de cuidar de seu próprio quintal.

Hugo da Silva

Um Sonho Possível. Será?

2010-03-09T17:06:00.000-08:00

Um Sonho Possível (The Blind Side) é um daqueles filmes que você acha que não vai virar no começo. E se estiver em casa, olha para a cara de quem está ao seu lado e pergunta: Quer assistir outro? Mas não tire, fique mais um pouco e veja como ele é surpreendente. De repente ele te pega de uma forma incrível no meio da história e você não consegue mais sair.

Juliana Fernandes

Um Sonho Possível (The Blind Side) é um daqueles filmes que você acha que não vai virar no começo. E se estiver em casa, olha para a cara de quem está ao seu lado e pergunta: Quer assistir outro? Mas não tire, fique mais um pouco e veja como ele é surpreendente. De repente ele te pega de uma forma incrível no meio da história e você não consegue mais sair.

Esse poderia ser mais um filme que relata a difícil vida de um jovem negro americano da periferia dos Estados Unidos, mas não é. O longa, baseado na obra literária de Michael Lewis, conta a trajetória do jogador de futebol americano Michael Oher e não deixa dúvida de que o esporte é um meio de superação para muitos.

Uma família rica e branca abre as portas de casa para um jovem pobre e negro morar. É a partir desse contraponto que se desenvolve o enredo. Michael agarra essa ajuda com unhas e dentes, e isso basta para que seu talento venha à tona e ele se torne um dos melhores quarterbacks do futebol americano.

Estrelado por Sandra Bullock, no papel que rendeu a ela o Oscar de melhor atriz, o filme é um daqueles que te faz sentir melhor por viver em um mundo onde existem pessoas dispostas a fazer o bem. Só que esse excesso de otimismo pode render críticas, pois simultaneamente a película trata de assuntos complicados, como racismo e pobreza nos Estados Unidos, de uma forma simplória. Não fosse baseado em uma história real, poderíamos dizer que a direção exagerou na dose de bondade.

A interpretação de Quinton Aaron (Michael Oher) é fantástica. Apesar de ser um personagem quase mudo e triste, suas expressões do começo ao fim do filme deixam claros seus sentimentos, como se ele realmente não precisasse falar para demonstrar seus pensamentos. Será difícil esquecer aquele olhar por um bom tempo.

Uma das coisas que chamam atenção é a ausência de uma boa trilha sonora, por mais triste que fosse, para dar um toque a mais no drama e marcar presença no filme.

O diretor John Lee Hancock parece gostar de filmes nesse estilo, pois segue a mesma tendência de Desafio do Destino (2002), história também real sobre Jim Morris, um jogador de baseball que lesionou o ombro em um acidente, e consegue se recuperar com a ajuda de seus alunos. No quesito bondade e superação, Hancock já provou que consegue impressionar.

O lançamento no Brasil, previsto para este mês, tem tudo para fazer sucesso por sua trama que mistura superação, boa vontade e bondade, ingredientes básicos para provocar rios de lágrimas em alguns e tocar o coração de outros.

Acredito que esse é mais um daqueles longas que vamos ver e saímos da sala com a sensação de que podemos mudar o mundo. Infelizmente, a dose é superficial e essa vontade logo passa.

E o Oscar de melhor animação vai para...

2010-03-09T17:01:00.000-08:00

Como falar bem da Pixar nos dias de hoje sem cair no lugar comum? A cada ano, a cada filme, o estúdio de animação mostra a todos sua carreira de constante superação. Na Pixar, o que parece interessar é somente o desafio de quebrar as regras, de criar algo novo e reinventar os conceitos pré-estabelecidos do que seria um filme feito para a família. Desde os primeiros curtas-metragens, o estúdio cria histórias e personagens memoráveis.

Em 2008, com o lançamento do ousado e belíssimo WALL•E, muitos acharam que esse talento tinha alcançado o ápice. Mas, ao assistir Up – Altas Aventuras no cinema, não só certifiquei que a opinião era errada, como me surpreendi também. A primeira animação a abrir o Festival de Cannes e também vencedora do Oscar 2010 nas categorias melhor animação e melhor trilha-sonora, mereceu o destaque conquistado.

O filme se tornou a segunda maior bilheteria do estúdio, atrás apenas de Procurando Nemo, com US$ 292 milhões nos Estados Unidos, e US$ 723 milhões mundialmente. O longa-metragem é o segundo do diretor Pete Docter (o primeiro foi Monstros S.A.) e também o décimo-primeiro filme da Disney a ser apresentado em Disney Digital 3-D.

E se o mercado cinematográfico quer sagas vampirescas e robôs gigantes, a Pixar apresenta uma dupla totalmente inusitada: Carl Fredricksen, de 78 anos, e Russell, de apenas 8. O primeiro é um amargo viúvo, aposentado e vendedor de balões. O segundo, um alegre e esforçado escoteiro. Na aventura, ambos voam juntos (sem outras opções) para a América do Sul, em uma casa amarrada por milhares de balões coloridos.

Para dar uma ideia do que a animação reserva além do trailer (que ao assistir você vai constatar que é muito mais do que a apresentação), o filme de Docter e Bob Peterson (co-diretor) começa com uma seqüência divertida mostrando um momento importante da infância de Fredricksen. Em seguida, uma montagem com cenas de toda a vida do personagem, até a sua velhice, é passada sem falas, apenas com uma trilha sonora de fundo. A montagem é um dos momentos mais bonitos e tristes que já vi em uma animação (só a magnífica sequência já vale a compra do ingresso).

Aliás, está aí uma coisa em que a Pixar vem se aperfeiçoando: a habilidade de compor momentos de drama e humor em um ritmo perfeito. Em Up, tudo flui de forma natural. E o humor, acaba por corrigir uma das críticas feitas ao WALL•E: a falta de piadas (no novo longa sobram risadas).

Para a versão dublada, o destaque fica com a voz de Chico Anysio. Depois do primeiro minuto, o telespectador se esquece do humorista e ouve simplesmente o Sr. Fredricksen. Para ser sincera, não consegui selecionar mentalmente outra pessoa para este papel: Chico se encaixa perfeitamente nele.

Nos aspectos técnicos, a animação também é impecável. Ao invés de fazer coisas saltarem no rosto do telespectador, o 3D foi muito bem utilizado pela Pixar, como uma forma de dar beleza ao filme. Com o efeito tridimensional, as paisagens fantásticas mostradas na animação parecem seguir por quilômetros dentro da telona, além de proporcionar uma fotografia perfeita em inúmeras cenas.

Importante ressaltar também os detalhes na composição dos personagens. Os traços quadrados do rosto de Fredricksen representam sua personalidade antiquada, rígida. Assim como o gordinho Russel, que se apresenta adorável, e o carismático cachorro Dug, cuja aparência é um contraste total com os demais cães do desenho e a dublagem faz acreditar que se cachorros falassem...seria desse jeito.

Aborto, morte, velhice, sangue. Situações que exigem certa maturidade para a compreensão humana são mostradas na animação com devido peso e atenção. Mesmo as crianças conseguindo ter uma ideia da transformação e do drama que o filme tenta passar, os temas fazem de Up um filme mais adulto - que justifica a escolha para a abertura de Cannes.

Para o desfecho, a cena de Fredricksen com o “Livro de Aventuras” consegue envolver o telespectador. Além de provocar lágrimas suficientes para encharcar o balde de pipoca, a imagem dá a sensação perfeita de encerramento à história.

Enfim, Up - Altas Aventuras é uma obra divertida, triste, realista e, acima de tudo, uma belíssima animação, em que palavras não fariam justiça à história de Carl Fredricksen. Talvez esse mérito caiba única e exclusivamente à Pixar.

Bônus

Assim como os curtas One Man Band e Geri’s Game (que até resultou em uma premiada reprodução brasileira) fizeram grande sucesso ao anteceder os desenhos da Pixar, o Parcialmente Nublado faz o mesmo em Up. Nesta nova história, descobrimos que as cegonhas buscam os bebês (de toda e qualquer criatura) nas nuvens, que geram recém-nascidos como mágica. E como em toda regra há sua exceção, nem todas as nuvens são perfeitas. Esse é o caso de Gus, uma simpática nuvem cinza, parcialmente nublada, que gera “perigosas” criaturas, enquanto as demais criam os mais fofos bebês e filhotes. Para conhecer a história dos curtas da Pixar clique aqui.

Um filme para ouvir

2010-03-09T16:29:00.000-08:00

Transformar o velho em vanguarda. Esse é o perfil do cinema americano nos anos 2000. Numa época em que a padronização dos blockbusters formatou a criatividade de diretores e o gosto do público, releituras de clássicos, como a “Fantástica Fábrica de Chocolate”, e histórias épicas, como “Tróia”, viram apostas para o mercado. Seguindo a tendência, a diretora Julie Taymor, até então desconhecida, lançou em 2007 a cronologia beatlemaníaca “Across the Universe”. Aparentemente, mais um musical repetitivo e chato para leigos, como os da Broadway, mas ao som de rock ‘n’roll.

Seguindo a tendência, a diretora Julie Taymor, até então desconhecida, lançou em 2007 a cronologia beatlemaníaca “Across the Universe”. Aparentemente, mais um musical repetitivo e chato para leigos, como os da Broadway, mas ao som de rock ‘n’roll.

Quem já assistiu ao filme sabe que a primeira impressão não é a que fica. A grande atração de “Across The Universe” é resgatar os momentos que inspiraram os Beatles a compor as músicas mais regravadas de todos os tempos. São detalhes que poucos conheciam até agora.

O início

O filme começa bem. Mostra a diferença gritante entre o cenário cultural dos Estados Unidos, a terra da mocinha, e da Inglaterra, de onde vem o protagonista. A música Hold Me Tight é tocada em ambos os países, com cortes entre os versos. Enquanto na América a canção é acompanhada de metais e coreografias, os subúrbios ingleses executam a mesma composição, mas com amplificadores de distorções quentes valvuladas e rockn’roll.

No entanto, quem espera ver figurinos da época ficará decepcionado. Para conquistar o público, a diretora trocou as roupas sem graça dos anos 60 por peças que fariam sucesso em qualquer semana de moda atual. Isso não é de se espantar, afinal, apesar do filme ser cultuado por pseudo-intelectuais, a trama é comercial.

Velhas canções como você nunca ouviu

I Want You So Bad (Te quero demais). A frase soa adolescente para quem não viveu a guerra do Vietnã. Uma nova geração de fãs descobrem em “Across the Universe” que, na verdade, o vocalista deste hit, She’s so Heavy, é na verdade o ícone mais conhecido da América, Tio Sam. Neste caso, substitua garotas apaixonadas por jovens militares rumo à morte.

Outra sequência que descreve o propósito do filme é a de All You Need is Love, quando os personagens afrontam a polícia de Nova York ao tocar no terraço de um edifício. Esse episódio pode lembrar a última apresentação pública dos Beatles, com a música Get Back.

A diferença é que, ao mostrar a luta entre artistas e autoridades, os bastidores ganham papel principal em “Across the Universe”. Conheça as histórias dos nomes mais cantarolados de todos os tempos - Jude, Prudence e Lucy, entre outros - e descubra episódios incríveis por trás das músicas dos Beatles. Aliadas ao vídeo, as músicas ganham um novo sentido. Após assistir aos vídeos abaixo, você nunca mais ouvirá os clássicos da banda da mesma forma.

Ordem Cronológica

De fato, “Across the Universe” não é um filme para quem seleciona fases dos Beatles. A trama se desenrola no ritmo e estilo que a banda popularizava nos anos 60. Hippie, mocinho, psicodélico, caipira, romântico... O filme só agrada quem curte todos os álbuns.

Faltas de Cartão Vermelho

É impossível agradar a gregos e troianos. Ainda mais quando se fala do vasto universo dos Beatles, grandes hits ficam de fora. Entre eles: Michelle, Help, In My Life, Daytripper, Sun King, Here Comes the Sun.

Sinopse

O inglês Jude (Jim Sturgess) decide partir de Liverpool para os EUA em busca de seu pai. Lá ele conhece Max (Joe Anderson), um estudante rebelde. Torna-se seu amigo e se apaixona por sua irmã, Lucy (Evan Rachel Wood).

Esta por sua vez, acaba se envolvendo com emergentes movimentos de contracultura, da psicodelia aos protestos contra a Guerra do Vietnã. Em meio às turbulências da época, Jude e Lucy vão passar por situações que colocam sua paixão em choque (em momento algum os Beatles são citados no filme).

Superação sem clichês

2010-03-09T16:01:00.000-08:00

Rose Marques

Filmes de superação formam um filão lucrativo na indústria cinematográfica. Roteiros melodramáticos, trilha sonora tocante e astros carismáticos garantem lágrimas e a sensação de se ter tido uma “lição de vida” ao sair da sala. O Jardim Secreto, Jack¸ Meu Nome é Rádio, À Espera de um Milagre, Um Prova de Amor - a lista pode seguir infinitamente. São filmes que conquistaram espaço nos corações de espectadores em todo o mundo, mas não, necessariamente, uma obra de arte. Apenas entretenimento. Tire todos os ingredientes da receitinha hollywoodiana convencional, e será que ainda é possível um belo filme de superação? O Escafandro e a Borboleta mostra que sim.

Lançado em 2007, o filme é baseado em uma história real. Jean-Dominique Bauby (uma interpretação memorável de Mathieu Amalric) tem 43 anos, é um famoso editor da revista Elle e um reconhecido bon vivant. Após sofrer um derrame cerebral, Bauby passa a viver em uma cama de hospital, tendo que enfrentar uma paralisia rara, que lhe permite apenas o movimento do olho esquerdo. A limitação o obriga a aprender a se comunicar piscando o olho. De letra em letra, ele forma palavras, frases, um livro. Sua obra é expressão do mundo que criou para sobreviver.

O roteiro, assinado por Ronald Harwood, é baseado no livro autobiográfico de Jean-Dominique Bauby. A fidelidade ao texto original é garantida por conta do recurso da narração em off feita pelo personagem principal. Seria clichê, se não fosse a direção primorosa de Julian Schnabel. A escolha dos ângulos e os movimentos de câmera acompanham o olho esquerdo de Bauby, garantindo cenas ora poéticas, ora angustiantes. A originalidade do recurso acerta em cheio e comove, sem sentimentalismo barato.

Não à toa, Schnabel, diretor de Basquiat - Traços de uma vida (1996) e Antes do Anoitecer (2000), levou em 2008 dois Globos de Ouro (melhor filme estrangeiro e melhor direção), o prêmio de melhor diretor e o Grande Prêmio Técnico no Festival de Cannes. Além disso, O Escafandro e a Borboleta foi indicado ao Oscar nas categorias melhor diretor, fotografia, edição e roteiro adaptado.

O filme é, sim, uma lição de vida. Mas acima de tudo é uma grande lição de cinema.

Veja a entrevista com o diretor Julian Schnabel falando sobre O Escafandro e a Borboleta:

O primeiro épico sangrento de Mel Gibson

2010-03-02T06:19:00.000-08:00

"Coração Valente" (Braveheart) é um drama de 1995, dirigido por Mel Gibson, baseado em fatos históricos do final do século XIII, quando a Escócia vivia sob as ordens do rei inglês Eduardo I.

O filme, que a príncípio tem o objetivo de narrar o desejo escocês de conquistar a independência da Inglaterra, tem seu ponto alto quando os exércitos rivais se enfrentam em batalhas sangrentas. A história ganha impulso depois que o guerreiro William Wallace perde a esposa, Murron, assassinada na noite de núpcias por soldados ingleses e resolve fazer vingança com as próprias mãos.

Mel Gibson já havia dirigido o filme "O Homem Sem Face", em 1993. Porém, a produção não arrancou muitos suspiros do publico e ficou pouco conhecida.

"Coração Valente" é o oposto de sua produção anterior. Recheado de efeitos especiais e com uma megaprodução, o longa está entre as melhores obras produzidas na década de 90. No ano de 1996, o filme conquistou cinco estatuetas no Oscar. Os prêmios de mais destaque foram os de Melhor Filme e Direção. Completando a lista de prêmios, "Coração Valente" recebeu os Oscars de Melhor Edição de Som, Fotografia e Maquiagem.

Além das marcantes batalhas campais entre ingleses e escoceses, o filme conta com uma ótima trilha musical. Sob a regência de Lon Bender e Per Hallberg, o filme conquistou o Oscar de Melhor Edição de Som e foi indicado entre os filmes de melhor trilha sonora em 1996.

Mel Gibson teve uma atuação impecável como protagonista do guerreiro Wallace e merecia ter conquistado o Oscar de melhor ator daquele ano. Porém, Nicolas Cage, com sua atuação em "Despedida em Las Vegas" (Leaving Las Vegas), foi quem conquistou o prêmio. Injustamente, Gibson não foi indicado para esta categoria.

"Coração Valente" mostra o lado guerreiro de Wallace, que após ver seus pais serem assassinados pelo exército inglês, é criado pelo tio, longe da sua terra natal. Anos mais tarde, volta à Escócia e lidera um grupo de camponeses na árdua luta pela independência da nação.

A intenção de Mel Gibson, que além de diretor interpreta o guerreiro Wallace, é mostrar os dias de combate na batalha de Stirling Bridge, e contar a história do herói que liderou os camponeses no nascimento do Estado escocês.

Como diretor, Gibson voltou a fazer sucesso com o filme "A Paixão de Cristo" em 2004. Porém, a produção não obteve os mesmos prêmios que a biografia de William Wallace. No ano de 2007, Gibson dirigiu "Apocalypto". Mais uma vez, o filme não atingiu o sucesso de suas produções anteriores.

A obra é perfeita para os adoradores de filmes de ação, romance e drama. O filme é um épico de 177 minutos e tem em seu elenco, além de Gibson, Catherine McCormack, Patrick McGoohan e
Sophie Marceau.

Assista ao trailler original do Coração Valente:

Quer um amigo, compre um cachorro

2010-03-02T06:12:00.000-08:00

Felipe Mendonça

O filme Marley e Eu é uma comédia com uma puxada para o drama. É baseado no Best Seeler Marley & Eu: a Vida e o Amor ao lado do Pior Cão do Mundo (em inglês Marley and Me: Life and Love with the World´s Worst Dog) escrito pelo jornalista norte-americano John Grogan.
A história é narrada em primeira pessoa, John Grogan (Owen Wilson) relata boa parte de sua vida durante o filme, mas especificamente os 13 anos em que Marley está presente em sua vida. A narrativa começa com o casamento de John com Jenny (Jennifer Aniston), vendo a vontade de sua esposa de ter filhos, ele segue o conselho de seu amigo Sebastian (Eric Dane) e compra um cachorro para se “preparar” para ser pai.

A partir daí o filhote de labrador de 5 kg se transforma em um grande cachorro de mais de 40 kg. Batizado de Marley, em homenagem ao cantor de reggae Bob Marley, o labrador transformará a vida do casal em um verdadeiro inferno e o filme em uma grande comédia.

David Frankel dirigiu o filme tentando repetir seu outro sucesso, O DiaboVeste Prada, de 2006. Curiosamente, as duas produções são baseadas em Best Seller, o que mostra uma facilidade de Frankel para fazer virar sucesso filmes baseados em livros.

Lançado no dia 25 de Dezembro de 2008, Marley e Eu estabeleceu um recorde de Natal nas bilheterias. Foram estimados US$ 14,75 milhões em seu primeiro dia de exibição, superando o recorde anterior obtido por Ali em 2001, que arrecadou US$10,2 milhões. O sucesso de Marley e Eu nas bilheterias superou até o inicio da “febre” de Crepúsculo.

Foram utilizados 22 labradores diferentes para interpretar Marley durante seus 13 anos de vida e as filmagens ocorreram em diversos lugares, inclusive no Sun Life Stadium.

O apelo sentimental que é feito durante o filme faz lembrar outros filmes relacionados a cachorros, como Resgate Abaixo de Zero. A idéia do filme era mostrar que o amor entre o cão e seu dono pode ser igual ou maior ao amor entre dois seres humanos, nesse ponto, o filme foi muito bem sucedido.

O filme tem grande apelo para emoção, apostando na máxima de que quem quer um amigo, compra um cachorro. Com isso essa comédia com um toque dramático conseguiu prender a atenção do público, com risos e lágrimas até o final.

Assista o trailer dessa comédia dramática.

A Outra vez

2009-11-10T15:12:00.000-08:00

Juliana Ferro Fernandes

A maioria dos filmes de romance mostra que amor e ódio andam sempre juntos, e no filme “A Outra” a história se repete até o final. Repleto de situações que envolvem ousadia e traição, o elenco principal é formado pelos atores Eric Bana, Natalie Portman e Scarlett Johansson. A história é baseada no livro “A Irmã de Ana Bolena”, que foi publicado no ano de 2002 pela autora Philipa Gregory.

O filme mostra a história que acontece na Inglaterra em meados do século XV, a trama começa com um escândalo envolvendo o Rei Henrique VIII, que rompe vínculos com a igreja Católica, e torna-se o primeiro rei da história a ter um divórcio decretado.

O longa tem duração de quase 2 horas e, apesar de cansativo, relata de forma envolvente uma história repleta de traições e aventuras amorosas. O ator Eric Bana interpreta o Rei Henrique VIII, e mesmo no papel de ator principal, não tem postura forte perante as câmeras, tornando sua presença apagada nas cenas marcantes com as irmãs Bolenas.

No decorrer do filme muitas histórias são esquecidas no caminho, no início a família Bolena aparece o tempo inteiro e quando menos esperamos, eles desaparecem sem explicações. O romance perde muito tempo mostrando a intensa disputa entre as irmãs, as cenas das atrizes Natalie e Scarlett são tristes e com muitas brigas e lágrimas.

O figurino dos atores é impecável, apesar de ser aparentemente pesado, o elenco encena perfeitamente com as roupas de época. A produção dos cenários também não ficam a desejar, repleto de detalhes as cenas acontecem sem falhas.

O elenco infantil cresce repentinamente no romance, e sem muitas explicações as crianças aparecem e nada é contado. A intensidade e rapidez que é mostrado no filme levam o público até o final, “A Outra” tem algumas falhas ao relatar a história, pois muitas cenas começam e não termina. A única parte que fica clara é o final, pois não deixa dúvidas sobre o que aconteceu.

Bertolucci revisita a contracultura

2009-11-10T14:13:00.000-08:00

Isabela Pêgas

Os Sonhadores (The Dreamers) é um drama dirigido por Bernardo Bertolucci, baseado no romance The Holy Innocents (Os Inocentes Sagrados), de Gilbert Adair.

O filme fala sobre um período histórico importante para a França, e mostra cenas da revolução cultural de maio de 1968 que, na época, começou com várias greves estudantis em Paris, após confrontos com o governo e a polícia.

Outro filme dirigido por Bertolucci, O Último Tango em Paris, lançado no início dos anos 70, já mostrava cenas chocantes (sodomia) para a época. Após 30 anos, o diretor parece tentar novamente impactar o público com de imagens de sexo (incesto).

A diferença entre os dois filmes está na profundidade dos personagens. Em O Último Tango em Paris, é abordado o aspecto psicológico do protagonista, que vive angustiado com o recente suicído da esposa e procura um relaciomento sexual sem envolvimento afetivo. Já, em Os Sonhadores, os protagonistas procuram novas experiências como uma forma de se libertarem dos padrões da época, buscando sua liberdade pessoal.

A bela trilha sonora conta com músicas dos grandes nomes do rock da época. Com Janis Joplin, Jimmi Hendrix e The Doors, entre outros, o diretor tenta captar a idéia da revolução cultural e política no filme.

Os Sonhadores mostra o lado romântico, que é a paixão de Matthew, Isabelle e Theo pelo cinema, e como eles imitam a arte (ao longo da história, tentam reproduzir cenas de filmes).

A intenção de Bertolucci é destacar o clima revolucionário, de mudanças políticas, sociais e culturais, mas o que fica em primeiro plano é a experiência dos três jovens, que se isolam em casa durante três meses, indiferentes ao que acontecia nas ruas de Paris.

Para quem gosta de filmes com muita sensualidade, Os Sonhadores é uma obra bem apropriada, pois mostra todas as características do polêmico cineasta Italiano.

Assita ao trailer do filme

Aos 50 anos, jovem como nunca

2009-10-27T17:20:00.000-07:00

Márcio Garoni

Poucos filmes marcaram tanto uma geração como Os Incompreendidos (Les Quatre Cents Coups, 1959). A película, considerada uma das maiores da história do cinema, continua tendo muito a dizer à juventude, 50 anos após sua primeira exibição.

O filme foi a estreia do cineasta francês François Truffaut em longas-metragens, aos 25 anos na época. Aficionado por cinema, iniciou a carreira do outro lado das trincheiras: como crítico. Com o apoio do crítico e teórico André Bazin, começou a escrever na revista Les Cahiers du Cinéma.

Junto com colegas como Jean-Luc Godard, Claude Chabrol e outros, os jovens atacaram a velha escola francesa de se fazer cinema, propondo uma nova forma: a Nouvelle Vague, nova onda que propunha um cinema autoral, em que a obra seria de responsabilidade de uma única pessoa (o diretor), com grande liberdade para transgredir regras até então consideradas sagradas. Neste contexto, Os Incompreendidos, de Truffaut, e Acossado, de Godard, são considerados os primeiros filmes da onda.

Um pouco da temática do filme já é entendida pelo título: traduzido literalmente do francês, “Os Quatrocentos Golpes”, é um termo equivale a algo como “pintar o sete”, em português.

É contada a história de Antoine Doinel, garoto de 13, 14 anos que não consegue se adaptar às regras impostas pela sociedade: desafia o professor, discute com colegas de classe, não se entende com os pais, furta, põe fogo na casa ao erguer um altar para Balzac, é levado a um reformatório...

As desventuras de Doinel acabam sendo um resumo da infância do próprio Truffaut. Quando criança, ele foi criado pelos avós, já que o pai havia morrido e a mãe não o queria. Mais tarde, com a morte da avó, passou a viver com a mãe e o pai adotivo, que lhe deu o sobrenome e nada mais. Por conta disso, tornou-se mau aluno na escola e praticou pequenos delitos, como furtos. O diretor nunca assumiu a autobiografia de Os incompreendidos, mas foi inegável o mal-estar que causou aos pais, que se viram retratados no filme.

A característica autobiográfica do personagem foi tão marcante neste primeiro filme que Doinel, interpretado por Jean-Pierre Léaud tornou-se o alter-ego de Truffaut: em um curta-metragem (Amor aos 20 Anos) e em outros três filmes (Beijos Proibidos, Domicílio Conjugal e Amor em Fuga), o ator interpretou o mesmo personagem, em um intervalo de 20 anos, uma história de parceria até hoje inédita na história do cinema mundial.

E o filme não seria o mesmo sem Jean-Pierre, o ator que deu a cara à Nouvelle Vague. Com apenas 15 anos na época, seu rosto congelado no final do filme, misto de abandono e esperança, marcou gerações e encantou públicos de todo o mundo.

A grandeza de Truffaut e Os Incompreendidos foi reconhecida logo de cara: no Festival de Cannes, o filme abocanhou o prêmio da crítica, arrancando comentários elogiosos da grande maioria, que já sabia que o filme marcava história.

A partir da infância de Antoine Doinel, o cinema dava novos passos para a valorização do autor. A Nouvelle Vague e o próprio Truffaut ainda trariam outras obras-primas, como Jules e Jim, e o movimento influenciou inúmeros diretores, como Glauber, Almodóvar e Polanski. Mas nenhum filme disse com tanta propriedade o que disse Os Incompreendidos, um grito de liberdade que até hoje, 50 anos depois, ecoa na cabeça de quem o assiste.

A vingança de uma mente brilhante

2009-10-27T17:16:00.001-07:00

Xenda Amici

Filmes de guerra hollywoodianos parecem ser feitos todos com a mesma fórmula: efeitos visuais surpreendentes, casais apaixonados separados pela fúria dos ataques inimigos e, principalmente, fidelidade à história contada nos livros didáticos. Tudo isso na era A.T (Antes de Tarantino – perdoem-me o trocadilho, mas o diretor norte-americano é um divisor de águas).

Rei dos longos diálogos nonsense com inúmeras referências à cultura pop e expert em violência gratuita, Quentin Tarantino realiza, em Bastardos Inglórios, o sonho de vingança não só de uma pessoa - como em Kill Bill – mas de todos os judeus vitimizados, diretamente ou não, pelas atrocidades do exército alemão, comandado pelo ditador Adolf Hitler

É gratificante - e ao mesmo tempo hilário - ver como um grupo de soldados americanos judeus, os Bastardos, lavam a honra da comunidade judaica dando aos alemães o troco na mesma moeda. Em meio a escalpos e pressões psicológicas, os judeus sanguinários, encabeçados pelo tenente Aldo Raine (Brad Pitt), conseguem preocupar os líderes do Terceiro Reich ao armarem uma operação terrorista em uma noite em que Hitler e seus aliados assistem a uma pré-estreia de um filme sobre a Segunda Guerra Mundial.

Bastardos Inglórios não é, definitivamente, um daqueles filmes de guerra em que saímos do cinema depressivos porque nos comovem com a morte do mocinho e a tristeza de sua amada indefesa. As trapalhadas do grupo de judeus em busca de vingança e o final antológico (morro de vontade de contar o desfecho, mas pouparei o leitor que ainda não assistiu ao filme), dão uma sensação de alívio e missão cumprida, como se os nazistas tivessem aprendido a lição que mereciam.

Vingança deste quilate só poderia ter saído da mente brilhante e indecifrável do mestre Tarantino. Salve Tarantino! Obrigada por dar a nós, cinéfilos, a esperança de que o cinema do século XXI pode ir muito além das histórias politicamente corretas e cheias lições de moral.

Assista ao trailer de Bastardos Inglórios:

A verdade é engraçada

2009-10-27T15:52:00.001-07:00

Lilian Palopoli

Os filmes de comédia romântica estão em alta há algum tempo, nem sempre inovando, mas retratando as histórias de uma perspectiva nova. O gênero está sendo reformulado nos últimos anos, o humor nunca esteve tão presente, mudando o conceito que comédia romântica é um filme ‘água com açúcar’, recheado de clichês previsíveis.

A guerra dos sexos é a abordagem do filme ‘A Verdade Nua e Crua’ com Katherine Heigl (‘Ligeiramente Grávidos’, 2006) como Abby Richter e Gerard Butler (‘300’, 2007) como Mike Chadway. O filme retrata a história de uma produtora de TV com currículo invejável que está com problemas nos índices de audiência de seu programa. Embora bem sucedida profissionalmente, quando o assunto é namoro, ela é um desastre, e está sempre na busca do homem perfeito. Com a ameaça de seu programa ser retirado do ar Abby se vê obrigada a trabalhar com Mike Chadway, um recém-contratado que promete revelar a todos a mente masculina em seu quadro ‘A Verdade Nua e Crua’. Apesar de Abby não gostar de Mike num primeiro momento, ela enxerga nele a solução dos problemas da emissora e acaba se apaixonando.

Os risos começam quando Abby se depara numa situação constrangedora com seu vizinho, um bonito médico que ela acredita ser o homem perfeito. Admitindo não levar jeito para relacionamentos ela pede ajuda à Mike para conseguir fisgar o seu homem perfeito.

Katherine Heigl e Gerard Butler dão um show a parte, estão divertidissímos. Ela confirma sua qualidade como atriz interpretando essa produtora de TV cheia de sí e sem jeito com homens, a típica solteirona. Seu protagonismo em comédia romântica está cada vez melhor, superando sua atuação em ‘Ligeiramente Grávidos’. Gerard mostra toda a sua versatilidade no papel de Mike, conseguindo fugir do estereótipo de filmes de ação como a do personagem que o marcou nas telas dos cinemas, o Rei Leônidas de ‘300’. Gerard arranca muitos risos nas cenas em que é rude falando a “verdade nua e crua”.

A verdade com certeza é o trunfo do sucesso dessa comédia romântica. No filme é relatado algumas das mil teórias masculinas sobre mulheres e relacionamentos, coisas que até então as mulheres desconheciam ou não acreditavam que fosse realmente da maneira exibida no filme (a obra desmitifica qualquer idéia de homem perfeito). Tudo isso acontece sob a ótica perspicaz do diretor Robert Luketic.

‘A Verdade Nua e Crua’ estreou no Brasil em setembro de 2009 e, segundo o Sindicato dos Distribuidores do Rio de Janeiro, já levou ao cinema mais de 1 milhão de pessoas. Bom tema, excelentes atores, verdade do cotidiano de forma escachada é a receita perfeita para prender todos do começo ao final do filme, e sair com as bochechas doendo de tanto rir.

Confira alguns trechos do filme.

Promessa de um Deus carioca

2009-10-27T15:21:00.000-07:00

Raphael Andrade

Quem, por mais brasileiro que seja, iria imaginar que um dia o País poderia sediar as Olimpíadas? Assim como essa esperança se tornou realidade graças a ele, presidente Lula, a mesma fé agora pode ser transferida ao Oscar. Que, assim como os jogos olímpicos, o Brasil nunca conseguiu trazer para casa.

A história do País na concorrida premiação começou bem. Mesmo como favorito em 1963, já que havia conquistado a Palma de Ouro, na França, o filme O Pagador de Promessas conseguiu ser indicado a melhor filme estrangeiro, mas perdeu a valiosa oportunidade para a película francesa Sempre aos Domingos, de Serge Bourguignon.

Se com O Pagador de Promessas, reconhecido por sua qualidade, o Brasil não obteve sucesso, quem dirá agora, com indicações que beiram – para não falar o ridículo - a falta de preparo para produções de qualidade. Fator que só prova que o País se encontra perdido quando o assunto principal é a sétima arte.

Tentativas não faltaram. O drama de Central do Brasil, de 1998, não surtiu efeito. Talvez, com o pensamento de ficar mais próximo do prêmio, até uma co-produção EUA/Brasil foi criada, em O Beijo da Mulher-Aranha, de 1985, mas, qual foi o resultado desta mistura? Mais um fracasso.
Tentamos com a malandragem brasileira no mundo da bola em Uma História de Futebol e com a miséria contada à balas em Cidade de Deus que, mesmo sem trazer o Oscar criou uma certa esperança em outra produção brasileira chamada Tropa de Elite. Este causou frisson entre os brasileiros, com seus tapas e sua gritaria, porém, nem ao menos rodou na telona norte-americana.

É fácil pensar que é difícil competir com a elite do cinema de ação, ao menos nos quesitos explosão e efeitos especiais – duas “qualidades” de Hollywood que logo vêm à cabeça – mas a questão não é a qualidade dos outros, mas sim a falta da nossa.

Resta ao País, sede das Olimpíadas de 2016, se revestir da mesma convicção ao pensar a próxima edição do Oscar. E, se Deus quiser, já que ele demonstrou ser brasileiro, ou pelo menos carioca, assim como a escolha para as Olimpíadas parou o Rio de Janeiro, haja também um “Salve Geral” que pare São Paulo novamente.

A pureza do cinema francês

2009-10-13T17:57:00.000-07:00

Bruna Romão

A qualidade do cinema francês sempre chamou muito a atenção. Pode-se perceber a diferença dele, principalmente, para as mesmices do cinema americano. São filmes que mostram com mais convicção uma história, do começo ao fim. Não é à toa que alguns cinemas de Santos, como o Espaço Unibanco, investem nessa opção.

Não são muitos os filmes franceses que chegam ao Brasil, mas um dos mais recentes – lançado em 2008 na França e Alemanha - chama atenção. É Há Tanto Tempo que te Amo (Il y a longtemps que je t’aime), do diretor Philippe Claudel.

A história se passa em Paris e, ao invés de mostrar o amor entre um casal convencional, aborda o sentimento entre duas irmãs. Mesmo depois de vários anos, o amor de sangue permanece, apesar das dificuldades enfrentadas por uma delas - que são esclarecidas no final e deixam o espectador emocionado.

O filme mostra com clareza situações que são possíveis de acontecer com qualquer pessoa. Mais que isso, permite que as pessoas imaginem as situações como se elas mesmas resolvessem. Nenhum detalhe passa despercebido, devido ao tipo de interpretação realística.

Filmes como esse permitem ver dentro de cada um dos personagens. As atrizes Kristin Scott Thomas e Elsa Zylberstein conseguem se colocar dentro de seus papéis, e nunca são menos que intensas e verdadeiras.

O cinema francês, atualmente, é considerado o mais dinâmico da Europa. Ele começou a ser reconhecido e ganhar popularidade no ano passado. Missão Babilônia, com o ator Vin Diesel, foi o filme francês de maior sucesso no Brasil, vendendo mais de 10,1 milhões de ingressos em 40 países. Esse número, como os de outros filmes que também fizeram sucesso, como Busca Implacável e Carga Explosiva 3, mostram a capacidade que o cinema francês tem de lançar produções que podem competir com filmes americanos de ação.

O que fica perceptível é o impacto cada vez maior do cinema francês entre o público brasileiro, que antes não se interessava em explorar outras culturas, justamente por estar acostumado com filmes americanos, e que tinha preconceito, julgando filmes de qualquer outra nacionalidade como sendo de difícil assimilação, mesmo sem conhecer. Se hoje, depois de muitos anos, filmes franceses já competem com os americanos, quem sabe eles não possam substituir a produção de Hollywood e se tornar os preferidos em todo o mundo?

Na onda do cinema

2009-10-13T17:48:00.000-07:00

A união do cinema com o surf já ajudou a divulgar vários estilos de filmes. Seja em documentários, romances e tantos outros tipos de filme, sempre que o surf é retratado já bate aquela fissura dos amantes do esporte para pegar uma ondinha.
Mas uma reclamação recorrente dos surfistas é a falta de espaço em grandes salas para a exibição de filmes nos quais o surf é o astro principal. Pelo menos na cidade de Santos esse problema acabou. Agora, toda quarta-feira o Cine Roxy exibe o Projeto Cine Surf. Ele tem como proposta unir os amantes do cinema e do surf, exibindo semanalmente o que há de mais novo em se tratando de filmes, nacionais e internacionais, relacionados ao surf.
O crescimento dos surf movies, como também são conhecidos, pode ser facilmente observado no Brasil. Nos anos 60, o primeiro filme de surf a passar por essas bandas foi o famoso Endless Summer, que acabou definindo o gênero e matando a vontade de inúmeros surfistas que antes nunca sonhariam em ver os mares havaianos.

Em 1967 o surfista carioca Paulo Roberto foi surfar no Havai e voltou com alguns filmes super-8 que havia feito por lá. As sessões, transmitidas para a galera do Arpoador, tiveram impacto muito grande entre os surfistas da época.

O colunista da Fluir Ricardo Bocão descreveu em uma de suas colunas o efeito que essas gravações tiveram naquele pessoal. “Todos os surfistas do Rio tinham pirado no cinema com Endless Summer, mas foi só. Qualquer imagem em movimento, além da televisão (que não exibia surf de jeito nenhum), teria que ser exibida através de projetores de filmes. Raras eram as pessoas que tinham um em casa, mesmo os de 8 mm ou super-8. Raras também eram as pessoas que tinham uma câmera super-8 e filmavam regularmente. Mais raras ainda eram as que apontavam suas lentes para o mar para filmar surf. Não existia filme de surf no Brasil” ( a coluna pode ser lida na íntegra no site da Fluir).

A qualidade do gênero também evoluiu muito desde aqueles tempos de super-8 com o Paulo Roberto. Em filmes mais atuais, como o badalado Surf Adventures 2, de Daniel Filho e Cadu Rodrigues, cineastas brasileiros começaram a utilizar câmeras super 16 mm - algumas instaladas no bico das pranchas para tentar passar para o espectador as mesmas emoções que o surfista tem sobre a onda - tentando assim melhorar a experiência do público com o filme.

O surf, como cultura, passa uma filosofia de harmonia e prazer entre a relação homem-natureza e é ela que vale a pena ser transmitida por filmes de qualidade também no cinema. No Brasil, os surf movies tiveram um crescimento exponencial, tendo em vista a bilheteria de filmes como Surf Adventures, Billabong Odissey e Riding Giants.

Mas esses filmes representam a grande minoria entre as produções do gênero. Alguns deles, sucessos de bilheteria, sequer chegaram a ser exibidos em cinemas da cidade.

Imagine então quantos filmes mais modestos e de qualidade só podem ser vistos em DVD? Por essas e outras, o projeto Cine Surf em Santos deve ser comemorado e divulgado por todos os amantes da 7° arte e, é claro, do surf.

Um louco nada engraçado

2009-10-13T17:08:00.000-07:00

Vinícius Domenique

Parecia garantia de sucesso fácil apostar numa história que contasse os bastidores das celebridades, como no sucesso de bilheteria o “Diabo Veste Prada” (2006) que conquistou mais de 300 milhões de dólares e duas indicações ao Oscar. Mas “Um louco apaixonado” (2009) não conseguiu retratar para o cinema o sucesso que foi o livro “Como fazer inimigos e alienar pessoas” do jornalista britânico Toby Young, da revista Vanity Fair.
No filme Toby Young é Sidney Young (interpretado pelo comediante Simon Pegg), um intelectual britânico que vive uma relação de amor e ódio com o mundo das celebridades. Sidney é dono e editor de uma revista inglesa sem sucesso, que ao contrário das outras, detona a mídia pela forma que é obcecada pelas “estrelas” do cinema. Mas a vida de Young muda radicalmente quando recebe uma proposta de Clayton Harding (numa interpretação pífia de Jeff Bridges) para trabalhar na principal revista sobre celebridades dos Estados Unidos.E nesse mundo cruel e sádico norte-americano, que o diretor Robert Weide registra a saga do intrépido Sidney Young.
Por fazer as mesmas apostas de outras comédias românticas, onde o espectador já está preparado para um final feliz, que “Um louco apaixonado” não corresponde às expectativas depositadas no filme. Já que no meio da história, ao invés de aprofundar o debate sobre o uso de drogas por celebridades, numa cena em que Sidney fica entre sua amiga e sua paixão, uma estrela do cinema que diz que fica excitada ao usar cocaína, o diretor resolve não seguir adiante com essa tema que é bastante conhecida, até por nos brasileiros que vimos algumas de nossas estrelas de novelas, como Fabio Assunção, sofrerem pelo uso de drogas.
Uma das poucas histórias realmente necessárias mostradas no filme, e talvez esse mérito deva ficar com Simon Pegg e sua forma de atuar, é a forma como revistas apelam para o ilusório da população, apostam essencialmente em matérias publicitárias, valorizando os astros e estrelas.
No meio dos clichês encontrados no filme e nas fracas interpretações, duas exceções merecem elogios, Kirten Dunst e sua meiga Alison Olsen e Simon Pegg com seu Sidney Young, que mesmo com toda veia cômica do ator sofre pelo fraco texto. Já Megan Fox é o principal ponto negativo do filme. Sua personagem é quase que uma autobiografia: não agrega nada a história, sempre fria e sem conteúdo, apelando apenas para sua beleza.
Por todos esses problemas apresentados “Um louco apaixonado” arrecadou apenas 17 milhões de dólares, não conseguindo nem pagar a produção do filme, certamente um dos maiores fracassos do ano.

Confira o trailer oficial do filme:

Emoção e diversão para aliviar o estresse

2009-09-01T18:17:00.000-07:00

Maria do Socorro Souza

Há quem diga que não há nada mais relaxante do que ir ao cinema e assistir a um daqueles filmes do gênero comédia. Aqueles mais conhecidos como “água com açúcar”. No geral, eles apresentam uma história nada original, mas acabam cativando o público pela maneira como retratam o romance, despertando a emoção.

Talvez por isso, as bilheterias estejam cada vez mais apostando no gênero. É como se as fantasias de um ‘mundinho perfeito’ despertasse o interesse do público. A combinação parece perfeita. É a verdadeira mistura do engraçado com o emotivo.

Ao mesmo tempo que desperta a capacidade de perceber e apreciar coisas cômicas, engraçadas ou divertidas, o gênero quase sempre desperta a comoção. Quem nunca ficou comovido, ou mesmo abalado com uma história bem contada, apesar do desfecho engraçado? Um exemplo é a comédia romântica ‘E Se Fosse Verdade’, dirigida por Mark Waters. O filme tem duração de 1 hora 35 minutos e nesse pouco tempo consegue prender a atenção do público que em meio às gargalhadas, acabam se emocionando com a história bem representada pelos atores Reese Whiterspoon , Mark Ruffalo. A comédia é baseada no livro "If Only It Were True" (Se apenas isso fosse verdade...), de Marc Levy. Durante a divulgação do filme, ele foi informado que a produção custou US$ 60 Milhões.

Além desse, diversos outros filmes que retratam o humor despertando a emoção estão lotando as salas de cinema. Apesar de nem sempre conseguir agradar, o gênero continua atingindo o objetivo dos diretores e superando a expectativa do público. Principalmente quando falamos de humor. Para muitos, as grandes tragédias estão tão presentes no mundo real que para esquecer um pouco os problemas, nada mais relaxante do que ver um filme de comédia, onde tudo é ‘água com açúcar’.

O filme “Ele não Está tão a fim de você” com Drew Berrymore (que estrelou “Como se fosse a Primeira Vez”, um dos melhores filmes do gênero) e a atriz que é garantia de sucesso, Jennifer Aniston, liderou a bilheteria na América do Norte em sua estréia, atraindo 80% do público e arrecadando 27,5 milhões de dólares, de acordo com a distribuidora do filme, a Warner Bros.

Atualmente a comédia de maior sucesso de bilheteria é Bruno, com Sacha Baron ( o mesmo ator de Borat), e é um "falso-documentário". A comédia estreou nos cinemas americanos e canadenses com muito sucesso, superando a première de Borat (2006).

O filme estreou no Brasil dia 31 de julho 2009, liderando e batendo qualquer comédia e muitos filmes de ação e suspense. Derrotou a animação A era do gelo 3 (2º lugar) e Transformers (3º lugar), segundo sites de cinema.

O Mundo das Armas

2009-09-01T18:00:00.000-07:00

Dennys Marcel

Há uma arma no mundo para cada 12 pessoas. A preocupação de Yuri Orlov (Nicolas Cage) no filme O Senhor das Armas é como ele pode armar as outras 11. É com essa objetividade que a personagem inicia o filme. Ele se questiona de modo pragmático sobre como pode ganhar dinheiro no melhor que sabe fazer, ou seja, vender armas.

O filme começa de uma forma diferente. Nos créditos iniciais, é mostrada a trajetória de uma bala, desde o início, na indústria, até ela ser transportada para outro local do mundo (no caso, a África) e logo depois chegar à arma de uma pessoa. A viagem da bala termina onde menos se espera, na cabeça de uma criança.

Yuri foi ainda jovem para os EUA, junto com a família. Ele deixou a Ucrânia à procura de uma vida melhor. Seu grande sonho era se casar com a linda modelo Bridget Moynahan (Ava Fontaine), que aparecia nos outdoors da cidade, mas para isso necessitaria de dinheiro.

Seus pais mantinham um restaurante, mas sua verdadeira habilidade era outra: armas. Essa mercadoria era vendida a qualquer um que pagasse o que era pedido, não interessava para quem, ou para que seriam usadas. Afinal, como ele diz várias vezes no filme, ele é apenas um representante do governo americano no ramo bélico. Se não vender, outros venderão.

O filme é feito de frases de efeito. Como quando Yuri diz que não negocia mais com Osama Bin Laden, apenas porque os cheques dele voltavam. Quando ele é preso pelo agente da Interpol Jack Valentine (Ethan Hawke), narra tudo o que irá acontecer nos próximos minutos. Isso tudo olhando nos olhos do agente de forma debochada e irônica, dentro de uma sala de interrogatório. E claro, quem tem o poder sempre sabe as cartas que tem nas mangas.

O escritor e diretor do longa, Andrew Niccol, culpa os americanos e seu estilo de vida supostamente perfeito pela ambição do protagonista em ter tudo, sem se preocupar com os meios e apenas pensando no fim. Ele critica o modo de vida americano, mostrando que não há diferença entre os mafiosos do Leste Europeu e dos EUA. Todos eles têm apenas um objetivo, ganhar dinheiro de qualquer forma.

Em outro momento surpreendente do filme, um ditador africano, cliente de Yuri Orlov, utiliza uma das armas do mostruário para matar um dos seus empregados a sangue frio, apenas por diversão. Nesse momento, Yuri reage abismado, incrédulo com o que viu, e diz de forma dura: “Agora esta arma está usada, não vou poder mais vendê-la. Você terá que comprá-la”.

O filme também mostra a ética dos sem-ética. Yuri Orlov tenta rejeitar cocaína como pagamento por um carregamento de armas para um traficante colombiano. Ele chega a explicar ao traficante que “apenas” vende armas, e que não quer se misturar com uma atividade tão suja quanto traficar drogas. Após levar um tiro do traficante, muda de idéia e aceita a droga.

Nesse momento, começa um segundo drama dentro do filme. O irmão de Yuri foge de seu alcance e só é achado dias depois, quase tendo uma overdose. A situação do irmão deixa explícita a linha tênue que há entre traficantes de drogas e usuários.

Assim como começa com uma frase de impacto, o filme termina dizendo que os únicos cinco membros permanentes do Conselho de Segurança da ONU são os cinco maiores fabricantes de armas do planeta. Haveria interesse em haver paz no mundo?

Comandos em Ação – Imaginação sem Limites

2009-09-01T17:38:00.000-07:00

Felipe Santos

Saído de um mundo de imaginação sem limites, os G.I. Joes (no Brasil, Comandos em Ação) emergiram da fantasia das crianças e mergulharam fundo na ficção do planeta Hollywood.

Os Comandos em Ação assumiram uma nova briga nas telas do cinema. A selva fora trocada pelas enormes estruturas das grandes cidades. Durante os 135 minutos de filme, uma batalha futurística movimenta intensamente G.I. Joe: A Origem de Cobra.
G.I. tem como tradução soldado raso, ou praça. Essa expressão veio de uma sigla que era carimbada em todas as caixas que pertenciam ao governo norte-americano(Government Issue - ítem do governo). Na época da Segunda Guerra, para demostrar que o soldado era como um “ítem do governo”, os sargentos chamavam assim seus subordinados.
Joe é o nosso Zé, quando usado de maneira imprecisa e pejorativa, como fulaninho, por exemplo. Juntando os dois nomes temos soldado Zé, ou simplesmente um soldado qualquer.
Não há pausa para respiração. O ritmo é acelerado, mas ao contrário do que muitos imaginavam, o filme conta com um bom roteiro e história envolvente. Ora no passado, ora no futuro, o filme vai desenhando a história das personagens à medida em que altera as datas em que se passa a história. Mas nada absurdo. A defasagem no tempo em que se passa o enredo é de aproximadamente quatro anos.
O filme segue, de fato, uma linha infanto-juvenil. Os vilões têm características bizarras, como rosto queimado, tapa-olho e tudo o que possa sugerir a cara de um vilão de desenho animado. Tudo faz com que o as crianças delirem e com que o público jovem/adulto relembre o mundo em que vivia quando brincava com os inesquecíveis bonecos dos Comandos em Ação.
Um romance dá um clima de drama ao filme, à medida em que aumenta a trama em torno da origem do maior vilão dos Joes, o Cobra – esse sim, famoso entre os bonecos, é a personagem que mais se assemelha à imagem do brinquedo. O rosto de Cobra, escondido durante décadas atrás de uma máscara metálica que ocultava a face do boneco, é revelado no filme, assim como sua identidade. Mas nada que quebrasse o enigma do maior vilão da história dos Comandos em Ação.
Além de Cobra, outro sucesso entre a garotada faz jus a seu boneco e personagem dos quadrinhos. O ninja Snake Eyes dá um verdadeiro show de golpes e acrobacias, ganhando atenção principal entre os Joes.
Os efeitos visuais e as ações surreais das personagens do filme são justificadas pela criatividade do público que sentia que o filme era um pedacinho de cada um que sentava nas poltronas do cinema.
Mesmo para quem não é fã da saga dos bonecos, o filme vale a pena ser assistido. História boa, efeitos especiais fantásticos e muita ação fazem de G.I. Joe uma ótima atração.
O sucesso dos Joes é tão grande que a Marvel lançou, há muito tempo, uma série de revistas em quadrinhos que retratava a história dos boncecos do Comandos em Ação. Diversos desenhos e filmes também retrataram a história dos Joes.

Ficha Técnica

Adaptação de games. Melhor sem elas

2009-09-01T17:27:00.000-07:00

Raphael Andrade

Qual aficionado por jogos eletrônicos nunca se decepcionou com uma adaptação de um game para o cinema? Em Resident Evil, por exemplo, os fãs nunca tinham ouvido falar numa colméia até a história aparecer nas telas. Os mesmo em relação à “rainha vermelha” controlada por um supercomputador.

Ao perguntar aos simples amantes do jogo, a resposta é unânime: ninguém nunca viu nada disso no game. Assim como em Resident Evil, esse tipo de problema também se repete em outros sucessos, como Tomb Raider, onde aquele mundo rodeado de enigmas foi embora na adaptação para o cinema. Ou até mesmo em clássicos do passado, como Alone in the Dark, no qual todo o suspense em torno da história foi deixado de lado.

Mesmo após grandes decepções, consagrados produtores norte-americanos insistem na mesma desculpa: a de que a história tem que sofrer “pequenas” alterações para ganhar qualidade na telona. O problema é que a falta de fidelidade ao enredo, aliada à baixa qualidade de produção, comprometem as apostas dos fãs de jogos em futuras adaptações, como é o caso de World of Warcraft, previsto para ser lançado em 2011.

Com mais de 11 milhões de assinantes em todo o mundo, o game é um sucesso consagrado desde os anos 90, quando teve início a trajetória do game. Atualmente, a aposta dos gamers, apesar das decepções, está nas mãos do diretor Sam Raimi, responsável pela consagração da série Homem-Aranha nos cinemas.

Assim como os fãs de Warcraft, outros vivem a mesma apreensão, e a lista não é pequena. Ela inclui os fanáticos por Metal Gear Solid, God of War e Halo. Todos eles sabem que a tão prometida adaptação do game preferido para as telas de cinema pode, um dia, se tornar uma grande decepção.

Esses gamers têm uma única boa adaptação a seu favor, e ela se chama Silent Hill. O filme consegue retratar, com total qualidade, detalhes que vão da trilha sonora, até a história e a arte do game.

Mas não esperem que games como Doom, Mortal Kombat, Street Fighter, Double Dragon, e diversos outros, de grande popularidade nos consoles, tenham, um dia, uma nova chance de virar sucesso também nos cinemas. A primeira versão já foi ruim o suficiente.

Dos livros, para as telonas

2009-09-01T17:10:00.000-07:00

Felipe Saúda

Que sucessos nas páginas dos livros constantemente vão parar nas salas de cinema todo mundo sabe. Isso não é uma novidade, nem uma tendência atual mas sim algo que já acontece a décadas no cinema mundial.
Mas aqueles que pensam ser fácil fazer uma adaptação de um Best-seller para o cinema estão enganados. O diretor tem alguns desafios como e de manter a história e retratar com fidelidade as informações trazidas no livro. Em resumo o diretor tem de entrar na mente do autor e fazer com que o filme dele se encaixe perfeitamente na linha ideológica traçada pelo autor do livro, o que definitivamente não é nada fácil.

Ao longo dos anos vários diretores se propuseram a encarar os desafios existentes em uma adaptação e recentemente vários filmes desse gênero não decepcionaram e conseguiram manter nas telas dos cinemas o sucesso de venda que obtiveram nas livrarias.
A trilogia Senhor dos Anéis do autor britânico John Ronald Reuel Tolkien virou sucesso nos cinemas mundial pelas mãos do diretor Peter Jackson. A trilogia Bourne do autor norte-americano, Robert Ludlum também foi campeão de bilheterias com suas versões adaptadas pelo também norte-americano Doug Liman.

Esses são apenas dois belos exemplos recentes de obras que foram sucesso de publico e critica tanto nas livrarias como nos cinemas. Os diretores conseguiram fazer a ficção descrita nas páginas dos livros virarem uma realidade admirada e aplaudida por centenas de milhares de expectadores nas salas de cinema de todo o mundo.

Nada se cria, tudo se copia

2009-09-01T16:38:00.000-07:00

Vitor Hugo Silva

O trabalho de um roteirista é, em resumo, criar uma história original que possa atrair os olhares dos executivos do cinema, ou adaptar um livro que tenha sido um best-seller, ou que tenha potencial de gerar um blockbuster.

Porém, nos últimos anos, o roteirista vem se tornando um coadjuvante nas produções, principalmente as hollywoodianas. Seja pela falta de boas idéias, seja pelos roteiros fracos que geram filmes que não atraem o público em geral, as grandes produtoras norte-americanas partiram para uma solução óbvia: copiar o que já fez sucesso.
Basta um filme europeu ou asiático obter críticas positivas e boa bilheteria pelo mundo para que os estúdios de cinema de Hollywood comprem os direitos da obra e, com isso, realizem o remake do filme. Foi o caso do terror espanhol REC! , que acabou virando Quarentena, e do coreano Oldboy, que recentemente teve os direitos adquiridos pelo diretor e produtor Steven Spielberg e será protagonizado por Will Smith.

Por falar em cinema coreano, o mercado asiático é o principal alvo dos remakes. Sem títulos originais de terror, os estúdios americanos partem para o outro lado do mundo buscando filmes de qualidade que agradem aos fãs do gênero. O Chamado, O Grito e Uma Chamada Perdida são alguns dos sucessos asiáticos que foram regravados e foram vistos com bons olhos pelo público nos Estados Unidos.

O problema é que a situação vem se agravando e parece não haver limites para as refilmagens. Os estúdios de cinema estão agora partindo para a “nova versão” de clássicos do próprio cinema norte americano. Após o decepcionante remake de Psicose, feita pelo diretor Gus Van Sant, agora é a vez de Os Pássaros ganhar uma versão mais “atual”. Os clássicos imortalizados por Alfred Hitchcock estão sendo expostos ao ridículo com versões que não condizem com o conceito de cinema desenvolvido pelo mestre do suspense.
Seja o original coreano, espanhol ou americano, a onda dos remakes parece não ter fim. Cabe a nós, amantes do cinema, decidir se iremos aceitar que os clássicos da sétima arte sejam destruídos pela ganância dos estúdios de cinema que visam única e exclusivamente o lucro, sem se importar com a opinião do público.

O que acontece em Las Vegas, fica em Las Vegas

2008-11-18T03:42:00.000-08:00

Marcella Filgueiras

A maioria das pessoas que gosta de comédias românticas é porque em algum momento da vida passou por uma história semelhante a que acontece neste tipo de filme. O trama “Jogos de amor em Las Vegas” é mais uma história que muitos se identificam. Afinal, quem nunca levou um “pé na bunda” de alguém? Ou quem nunca teve que ficar um tempo fora de casa, para mudar a rotina?

O ditado conhecido pelos jovens americanos “O que acontece em Las Vegas, fica em Las Vegas” é o tema que inspirou na criação do filme. Na comédia estrelada por Cameron Diaz e Ashton Kutcher , dois desconhecidos vivem uma noite de loucura, bebedeira na cidade de Las Vegas, para comemorar os ganhos em apostas nos cassinos. No dia seguinte, em meio à ressaca descobrem que estão casados. Com isso, o casal faz de tudo para reverter a situação, mas no decorrer da história acabam se apaixonando.

A história em si não é nada original, mas afinal, qual comédia romântica é? No fundo, o filme é mais um besteirol americano, mas a única coisa que o diferencia é a boa atuação dos personagens que se consagram pelas boas piadas e pela química entre eles.

Trama

O filme começa quando a “patricinha” Joy (Cameron Diaz), que trabalha no mercado financeiro, prepara uma festa surpresa para o marido e no mesmo dia leva um fora do noivo na frente de todos os amigos.Com isso, resolve “afogar as mágoas” na cidade de Las Vegas.

Paralelamente, o imaturo Jack (Ashton Kutcher) é demitido pelo próprio pai, dono da empresa onde trabalha, e por isso segue rumo à Las Vegas, a fim de buscar um alívio, para suportar a humilhação.

Por conta de uma falha no sistema dos computadores do hotel, ambos os personagens ficam hospedados no mesmo quarto. Isso, gera uma série de brigas e confusões, que acabam em uma noite regada de muita bebida e jogos em cassinos. O problema maior acontece, quando Joy acorda com uma aliança de casamento.

O resultado é um filme muito engraçado, com um final previsível como todos que gostam de comédia romântica aguardam.

Assista o trailer do filme:

As duas faces do cinema

2008-11-18T03:17:00.000-08:00

Matheus Tagé

Filmes policiais são, na maioria das vezes, interessantes. “As duas faces da lei” não fica para trás, muito pelo contrário, o filme entra de cabeça na categoria ‘interessantes’. Com dois dos maiores ícones do cinema, Robert de Niro (Thomas Cowan) e Al Pacino (David Fisk) como dupla policial de Nova York prestes a se aposentar, a obra não podia ser menos do que boa.

A procura de um serial killer de criminosos que o tempo todo se esconde atrás de um dos policiais, a narrativa se passa através de um depoimento do até então principal suspeito, Robert de Niro, que durante o filme todo foi realmente bastante suspeito. Seu jeito, suas atitudes e seu temperamento agressivo fazem dele o candidato mais indicado.

Por outro lado, seu parceiro, de senso de humor apurado, e irônico, Al Pacino, faz questão de encobrir De Niro sempre que as pistas do caso apontam para ele. A relação dos dois personagens é muito peculiar de filmes policiais, onde a sintonia entre os parceiros é evidente. A história é interessante, mas não chega ao nível dos atores. Com uma dupla assim o filme podia ter sido bem mais explorado.

O final do filme só não é tão surpreendente para os que prestaram atenção nas pistas deixadas pelo assassino. A historia mostra um assassino frio e inteligente, que só é pego quando falha, e não por acertos dos investigadores. Após um erro crucial, um sobrevivente do assassino delata a face do homem que até então estava limpando a cidade dos bandidos. É aí então que o segredo é revelado e já não havia como voltar atrás.

É a segunda vez que os dois contracenam juntos, e a terceira que fazem parte do mesmo filme. Em “O poderoso chefão 2” os dois atuam, mas não chegam a contracenar, só em “Fogo contra fogo” que tivemos a oportunidade de assisti-los em ação juntos.

Juntar os dois atores é mais do que uma boa idéia, é covardia. Desde o início já se sabia da qualidade do filme só pelos contratados. Embora alguns não tenham gostado do filme, isso não deve ser levado em consideração, pois muitos também não gostaram de Rambo IV, e para ambos os filmes a alegação foi a mesma: devia ter duração maior.

Confira o trailer do filme:

Bossa nova e futebol na casa da Mãe Joana

2008-10-21T05:52:00.000-07:00

Ana Fernanda Espinosa

Quem curte ir ao cinema deve ter percebido que nos últimos anos há mais filmes brasileiros em cartaz. Contando com maior incentivo e considerável destaque, inclusive no cenário internacional, o cinema feito no Brasil passa por um ótimo momento. O número de salas de exibição destinadas às produções nacionais ainda não chega à metade das reservadas às estrangeiras, mas há filmes para os gostos mais variados.

No gênero comédia e com elenco “global”, Casa da Mãe Joana, com direção de Hugo Carvana, conta a história de quatro amigos que moram juntos e só pensam em curtir a vida sem trabalhar – Paulo Roberto (Paulo Betti), Juca (José Wilker), Vavá (Pedro Cardoso) e Montanha (Antonio Pedro). Entre os vários problemas que acontecem, chega a mãe de Paulo Roberto e a filha de Juca para passar um tempo com eles. Assim, a confusão está formada, e os amigos procuram várias maneiras de dar a volta por cima.

Apesar dos ótimos atores, o roteiro deixa a desejar. Muitas cenas parecem não ter sentido. Poderia ter sido aproveitada melhor a participação da Juliana Paes, que aparece apenas como imaginação de Montanha. E assim como não poderia deixar de ser num filme feito no Brasil, o nu feminino não foi esquecido.

E em ano de aniversário da bossa nova, um filme que aborda o assunto e traz um repertório cheio de sucessos da época não poderia vir mais a calhar. Os Desafinados, de Walter Lima Jr., é focado no ar de encantamento e inocência que combina com o estilo musical da fictícia Banda Rio Bossa Cinco, que nos anos 50 reúne os personagens principais do filme, interpretados por Rodrigo Santoro, Ângelo Paes Leme, Jair Oliveira, André Moraes e Selton Mello.

Os cinco amigos – quatro músicos e um cineasta – têm em comum o espírito aventureiro, a paixão pela música, e a vontade de tocar no Carnegie Hall, a famosa casa de shows de Nova York. Lá conhecem a musa inspiradora da banda, Glória (Claudia Abreu). O filme ganha ritmo com a volta dos músicos para o Brasil, quando uma aparente época de prosperidade no cenário cultural dá lugar à repressão militar. Paralelamente à história da banda nos Estados Unidos e às mudanças decorrentes dessa experiência, os personagens aparecem nos tempo atuais se reunindo para gravar um documentário. A produção do filme é caprichada, tanto nas locações estrangeiras quanto na reprodução de época.

Linha de Passe, dirigido por Walter Salles e Daniela Thomas, mostra o drama de quatro irmãos. O mais novo não conhece o pai, e a mãe (Sandra Corveloni) está grávida de um quinto filho, também de pai desconhecido. No elenco, o único não-estreante na tela grande é Vinícius de Oliveira, que trabalhou com Salles em Central do Brasil. As atuações são marcantes, tanto que Sandra Corveloni ganhou o prêmio de melhor atriz no Festival de Cannes deste ano.

Essa família vive na Grande São Paulo e é formada por uma empregada doméstica, um aspirante a jogador de futebol, um motoboy, um crente e um caçula rebelde. Essas personagens criam um leque de possibilidades para um bom drama. A mãe e cada irmão, em seu universo, em sua realidade e em seu sonho, enfrentam seus dramas pessoais, procurando uma saída sem interferir um na história do outro. O filme passa mensagens e derruba lágrimas apenas na hora certa, sem apelar para o sentimentalismo.

Fazendo rir ou se emocionar, as produções brasileiras têm encontrado seu espaço no cenário nacional, ainda que alguns filmes entrem em cartaz com menos destaque. O importante é que quem gosta do cinema feito no Brasil, seja de um determinado gênero ou não, hoje encontra opções. São poucas, não ocupam muitas salas e nem ficam tanto tempo em cartaz, mas estão marcando território.

Colaboração de Juliana Villa Real e Laís Souza

Comédias ‘lost in translation’

2008-10-14T06:16:00.000-07:00

Ciro Hamen

Por que uma comédia meia-boca como ‘Jogos de Amor em Las Vegas’ faz 950 mil espectadores no Brasil, enquanto um filme de humor um pouco mais "inteligente", do tipo ‘Superbad’ , "apenas" 350 mil? Não deve ser porque o público daqui prefere ver Cameron Diaz fazendo o papel de mulher fútil e desagradável e Ashton Kutcher bancando o panaca, ao invés de dois policiais se divertindo no carro, e dando cavalo de pau com um menor de idade ao som de ‘Panama’, do Van Halen. O motivo provavelmente é a barreira cultural. Não a de língua – essa é superada por dublagens e legendas -, mas a cultural mesmo.

É interessante notar que o filme de Diaz e Kutcher fez uma bilheteria nos Estados Unidos de US$ 80 milhões. Já ‘Superbad’ superou de longe essa marca, chegando a bater na casa dos US$ 120 milhões. Ao redor do mundo (para não ficar só no Brasil), ‘Jogos de Amor’ foi incomparavelmente melhor. Prova de que não é preciso muito background cultural para entender (e dar risada com) uma boa briga de casal. Constatamos que um é mais ‘entendível’ do que o outro e fácil de agradar a gente de diferentes raças, cores e credos.

Curiosamente, a maioria desses longas ‘intraduzíveis’ é produzida ou dirigida por Judd Apatow, um americano de Nova York que no currículo tem, além de ‘Superbad’, ‘Ligeiramente Grávidos’ e ‘O Virgem de 40 Anos'. Apatow é especialista na criação de filmes cheios de referências à cultura pop e com piadas que dificilmente alguém em Portugal ou na Croácia entenderia. Seus lançamentos mais recentes, ‘Forgetting Sarah Marshall’ (que saiu nos EUA em abril de 2008) e ‘Pineapple Express’ (que estreou em agosto) não têm previsão de aparecerem por aqui tão cedo. O atraso se dá, muito provavelmente, pelo fato de seus filmes não se darem bem fora da América do Norte. O motivo é que eles ficam ‘perdidos na tradução’, ou ‘lost in translation’, como diz o título do filme de Sofia Coppola, de 2003 (ironicamente traduzido para o português como ‘Encontros e Desencontros’ ), no qual os protagonistas não se entendem muito bem com a cultura japonesa.

Mas como para toda a regra há uma exceção. ‘Juno’ pode ser considerado uma dessas, já que foi um verdadeiro fenômeno de bilheteria no mundo inteiro – chegando, inclusive, a ficar uma semana no topo do ranking brasileiro. O filme, mesmo não tendo o dedo de Apatow, foi escrito por Diablo Cody, uma roteirista megapop, que enche a obra de piadas hiperamericanas, no mesmo estilo do autor de ‘Superbad’.

Há dois anos, Cody lançou o livro Candy Girl, relato de suas experiências como stripper, e ali já podíamos perceber o potencial popular da escritora. Em suas páginas, ela listava as melhores músicas para se despir na frente de uma platéia. Entre as preferidas estavam Weezer, AC/DC e Lit. É a prova de que a mistura de cultura pop com inteligência pode vender (e até chegar ao Oscar).

Títulos - Que os títulos dos filmes são traduzidos de maneira aparentemente bizarra, para quem entende um pouco de inglês, isso não é nenhuma novidade. Para citar alguns exemplos, ‘El Caballero de la Noche’ é o nome em espanhol do novo filme do Batman, ‘The Dark Knight’. Em português, o que foi traduzido quase que literalmente, como ‘O Cavaleiro das Trevas’, soou muito ‘macabro’ para o mercado mexicano, como se estivessem vendendo um filme de terror. Optaram pelo nome mais light.

Essas pequenas mudanças acontecem, pois esses filmes nunca são vendidos igualmente. ‘O Agente 86’ (‘Get Smart’), por exemplo, é apresentado como ‘O Espião é Capaz ou Não?’ (em Taiwan), ‘Espião Confuso’ (na China) e ‘Agente Smart: Casino Totale’ (Itália). Para cada mercado, um título. Para cada país, uma idéia.

Colaborou Milcia Escobar

O fim da trilogia de Zé do Caixão

2008-10-07T16:10:00.000-07:00

Gabriel Uchida

Mulher saindo de dentro de um porco, cabeçada afundada em tonel de baratas, ratazana colocada na vagina, homem pendurado por ganchos de aço enfiados nas costas e sangue, muito sangue. O leitor com um mínimo de cultura nacional sabe que isso tudo só pode ser visto no filme de uma pessoa, o ícone do terror tupiniquim: Zé do Caixão. Depois de "À Meia-Noite Levarei sua Alma", de 1964, e "Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver", de 1967, a trilogia do personagem de José Mojica Marins está completa com o filme "Encarnação do Demônio", lançado neste ano.

A terceira parte desta obra é marcada pela saída de Zé do Caixão da cadeia, onde permaneceu por 30 anos. Em liberdade, o coveiro retoma a busca pela mulher capaz de gerar um filho perfeito, e assim dar continuidade ao seu sangue. Mais velho, mas não menos malvado, o personagem percorre a cidade de São Paulo enfrentando o que for preciso para conseguir seu objetivo, sem economizar sangue e crueldade.

"Encarnação do Demônio" chega aos cinemas com duas diferenças fundamentais das demais obras de Zé do Caixão. O orçamento do filme foi de R$ 1,8 milhões. "Ensaio sobre a Cegueira", de Fernando Meirelles, foi lançado na mesma época e contou com U$ 25 milhões. Ou seja, José Mojica teve a disposição um valor baixo, mesmo dentro da média nacional que também é pequena. Contudo, o orçamento da última parte da trilogia foi muito superior aos demais filmes do diretor.

Para filmar "À Meia-Noite Levarei Sua Alma", por exemplo, José Mojica vendeu móveis e objetos pessoais. Outra diferença é que este é o primeiro filme lançado desde que o diretor "ganhou" o status de "cult" pelo público e imprensa. Antigamente os filmes de Zé do Caixão eram apenas um "trash" dentro do desvalorizado cinema nacional. Hoje, qualquer produção do diretor é esperada e muito comentada. Mesmo com toda a expectativa criada, "Encarnação do Demônio" surpreende e vai direto para a lista dos filmes nacionais obrigatórios para quem quer falar de cinema.

Outro nome fundamental da história cinematográfica brasileira é Glauber Rocha. O baiano idealizava o filme de diretor, não de ator. Ou seja, se fosse por alguém, o público deveria assistir a uma película pelo diretor e sua qualidade, não apenas para ver um rostinho bonito e conhecido. Os filmes de José Mojica Marins sempre foram assim, de diretor.

Neste último, contudo, é preciso lembrar que o impacto foi ainda maior também porque teve a colaboração de uma equipe de craques. André Abujamra, ex-Karnak e que também trabalhou em "Carandirú" e "Bicho de Sete Cabeças", e Márcio Nigro assinam a trilha sonora, tão chocante e pontual quanto o áudio de Laranja Mecânica, de Stanley Kubrick. A fotografia é muito bem cuidada por José Roberto Eliezer, um dos profissionais mais premiados nesta área no país. A montagem ficou com o indiscutível Paulo Sacramento, que trabalhou em "Amarelo Manga" e dirigiu "O Prisioneiro da Grade de Ferro". Os figurinos foram criados por David Parizotti, com uma ajuda do também "cult" Alexandre Herchcovitch.

Se ainda restam dúvidas em porque assistir "Encarnação do Demônio", dirigido e escrito por José Mojica Marins, vale lembrar que se trata de uma figura que é um marco no cinema brasileiro, totalmente comprometido em criar filmes de estética nacional, sem se importar em copiar o que é feito em Hollywood ou em mudar para conseguir um público maior. Zé do Caixão é uma referência. Em uma palavra, a melhor definição de "Encarnação do Demônio" é: essencial.

Uma mensagem de Zé do Caixão para quem ainda pensa em não ver o filme:

Colaborou Arthur Godioso
Fotos: Divulgação

O pornô e a dita dura

2008-09-02T16:14:00.000-07:00

Alessandra Gouveia, Natasha Garcia e Ruy Marques

O cinema brasileiro enfrentou momentos de tensão durante os anos de chumbo, quando grande parte dos atores e diretores sentiram na pele o poder castrador da censura imposta com mais rigor a partir da instauração do AI-5, um flagrante ataque à liberdade de expressão no País.

Como a ditadura militar assumiu um caráter nacionalista, o cenário da cinematografia nacional sofreu um grande golpe, principalmente a florescente corrente do Cinema Novo, de características político-ideológicas de esquerda e que contrariava o poder constituído.

Com o reconhecimento internacional da produção cinematográfica do Cinema Novo, outros gêneros, como a pornochanchada, surgiram como paliativo diante da opressão cultural imposta pelo Estado e, simultaneamente, para se opor à contracultura de diretores como Glauber Rocha e Ruy Guerra, entre outros.

A pornochanchada teve início na década de 70, durante a ditadura militar, quando os cinemas brasileiros tinham cotas de filmes nacionais a serem exibidos. A produção era baseada nos pastelões italianos da época. Um dos motivos para ter recebido este nome foi exatamente por misturar a comédia com o pornô.

A maior parte das produções vinha da Boca do Lixo, uma região paulistana recheada de inferninhos e bordéis. Eram filmes produzidos com baixo orçamento, mas que lucravam muito, porque atraiam milhares de espectadores.

Esse estilo é muitas vezes rotulado como alienador e alguns acadêmicos defendem que o Governo incentivou este gênero – por meio de subsídios da Embrafilme - para desviar a atenção das perseguições políticas que ocorriam na época.

No entanto, a pornochanchada também representava um momento que a sociedade vivia - o auge da liberação sexual, principalmente com o surgimento da pílula anticoncepcional e o fortalecimento do movimento feminista.

Para a classe artística, foi uma maneira de se manter os profissionais trabalhando e driblar as perseguições dos militares, sofridas por atores que antes resolveram se aventurar pelo Cinema Novo.

Muitos atores (inclusive alguns globais) iniciaram a carreira na pornochanchada. A diva Vera Fischer foi alçada ao posto de estrela com o filme A Superfêmea.

Mas foi David Cardoso, cuja presença era sinal certo de bilheteria, que se consagrou com esse gênero. Durante anos ele representou o estereótipo do “verdadeiro” macho brasileiro.

Nomes como os de Sônia Braga, Antonio Fagundes, Nadia Lippi e Reginaldo Faria figuraram nos créditos de muitos desses filmes. Até mesmo Xuxa, eterna rainha dos baixinhos, teve sua participação no imaginário erótico da audiência brasileira, atuando em Amor, Estranho Amor, um soft porn dirigido com classe por Walter Hugo Khouri.

Ouça agora o podcast Pornografia e Feminismo.

Coringa, o verdadeiro Cavaleiro das Trevas

2008-08-19T06:58:00.000-07:00

Matheus Tagé

Eles são maus. Às vezes são tão maus que nem mesmo os heróis podem com eles. Mas os vilões do cinema já não são os mesmos de antigamente. Hoje, são muito mais do que mera escada para os heróis aparecerem. A ponto de não saber quem é a personagem principal.

Isso se torna óbvio no novo filme Batman. Ou será do Coringa? Antes que nós assistíssemos ao filme, as opiniões de quem já havia visto eram esclarecedoras. As pessoas mal sabiam o nome do ator que interpreta o Cavaleiro das Trevas. “Christian alguma coisa ..”, era o que se ouvia.

Por vezes, parecia que o falecido Heath Ledger, ator eternizado por 10 coisas que Odeio em Você, Casanova e O Segredo de Brokeback Mountain, fazia o papel de Bruce Wayne. Mas não devemos criticar Christian Bale, afinal ele é um ótimo Batman, embora George Clooney tenha mais charme para o papel.

O fato é que, dessa vez, foi o vilão quem roubou a cena. O Pingüim feito por Danny de Vito tinha problemas psicológicos por causa da infância. A Mulher-Gato interpretada pela lindíssima Michelle Pfeiffer também havia sofrido um acidente que a tornou má e a fez adquirir suas habilidades felinas.

Mas e o Coringa? Ele sempre foi o pior de todos, o mais sacana, o mais inescrupuloso e repugnante. Pior, ele nem tinha motivo para ser tudo isso. Era só um psicopata. Como conseguiu ser um personagem tão “querido”? Isso nem mesmo o mestre Jack Nicholson pôde fazer. Quando o ator interpretou o Coringa, o que mais queríamos ver era o Batman - na época feito por Michael Keaton - acabar com ele.

Em O Cavaleiro das Trevas, o que se deseja, quando o filme termina, é ver o próximo episódio com o Coringa. E, é claro, interpretado por Heath Ledger. É uma pena que a carreira do ator tenha sido interrompida tão prematuramente. Isso leva a uma pergunta: se ele estivesse vivo, o sucesso do Coringa seria o mesmo? Até que ponto a morte de Ledger colaborou para a percepção favorável do público em relação à personagem?

O ator sempre teve atuações dignas de aplausos, mas é inegável que a morte de Heath Ledger deu um toque especial ao Coringa. Um especialista em papéis que se pareciam com ele próprio, o australiano teve em Batman – O Cavaleiro das Trevas a primeira e última chance de mostrar que é capaz de fazer algo diferente. E foi bem-sucedido. Mais até que o próprio Jack Nicholson.

Ledger merece o título de precursor de um novo estilo. O Coringa do ator pode vir a gerar uma nova tendência. A era dos vilões mais carismáticos que os próprios heróis. Daqui para a frente, eles serão a nova cara do cinema. Uma cara bem feia, mas atraente.

Colaborou Marcella Filgueiras

Mais uma vez, Simon Pegg

2008-06-03T18:03:00.000-07:00

Raphael Diegues Pimentel

Filmes ingleses são engraçados. Não precisam de piadas forçadas, comédia pastelão ou apelo sexual. Embora, claro, tudo isso ajude. Filmes feitos na terra da rainha geralmente conseguem ter graça por eles mesmos, pelo estranho sotaque de seus atores, ou pelo intrínseco humor das pessoas daquelas bandas.

Simon Pegg consegue juntar esses fatores em seus filmes, e mesmo não possibilitando aquelas risadas que fazem doer o maxilar, consegue deixar os espectadores satisfeitos depois de duas horas. Foi assim em diversas séries inglesas, em Todo Mundo Quase Morto, filme que pinçou o ator do pote dos desconhecidos, e em Hot Fuzz, nos quais formou, junto com Nick Frost e o diretor Edgar Wright, parcerias extremamente positivas para a nova geração do humor inglês.

Lançado há pouco no Brasil, Maratona do Amor (Run Fatboy Run) consagra mais uma vez o carismático Pegg que, junto com o ex-Friend David Schwimmer, faz um trabalho divertido, durante os 100 minutos de filme. Sendo esse o segundo encontro de Schwimmer e Pegg – o outro foi em Big Nothing, de 2006 – Maratona do Amor, mesmo sendo um trabalho inferior aos anteriores do ator britânico, é certeza de dinheiro bem gasto, seja no cinema ou na hora de alugar.

Dennis Doyle (Pegg), o personagem principal, é um homem comum de Londres, com seu trabalho comum e vida comum, sem nenhuma pretensão. A única talvez seja reconquistar a mãe de seu filho, que ele abandonou no altar no dia do casamento. Para isso, ele resolve correr a Maratona de Londres e reconquistar sua amada. A história não apresenta novidade no roteiro, podendo ser chamada até de clichê, mas nem sempre ser clichê é ruim.

Apoiado por um elenco de bons atores, Pegg extrai da essência de seu vagabundo Dennis o que há de mais brando em humor, com a ajuda de seu amigo e primo da mulher de seu filho, Gordon, interpretado por Dylan Moran, também presente em Todo Mundo Quase Morto. Uma surpresa, sem dúvida, é o quase bonachão Mr. Goshdashtidar, válvula de escape para as tiradas mais engraçadas do filme.

Outros que também participam do filme são Thandie Newton, como a mulher, namorada e mãe do filho de Dennis, que não atrapalha, mas também não acrescenta muito ao filme; e o multifacetado Hank Azaria, dono da voz de diversos personagens de Os Simpsons, e que também já teve a oportunidade de trabalhar com Schwimmer nos áureos tempos de Friends.

Por fim, Maratona do Amor não é um clássico e nem tem aspirações a tanto. Como o mundo não é feito só de clássicos, mas também de filmes que cumprem seu objetivo de nos entreter durante os raros momentos livres, neste quesito Simon Pegg passa com louvor.

Assista ao trailer:

Cinema on the radio

2008-06-03T17:47:00.000-07:00

Telmo Toledo

Para quem gosta de cinema, as trilhas sonoras são um atrativo à parte. Existem trilhas que reproduzem o clima do filme, lembrando cenas marcantes, como é o caso do longa Natural Born Killers (Assassinos por Natureza), de Oliver Stone. Além das músicas que embalam a história de Mickey e Mallory Knox, o CD Music From and Inspired By Natural Born Killers traz ainda diálogos célebres da obra-prima de Stone.

A trilha sonora dos assassinos começa com a voz soturna de Leonard Cohen, com Waiting for the Miracle, passando para o grunge do L7 (Shitlist). O CD conta ainda com músicas de Patti Smith, Cowboy Junkies, Bob Dylan e Nine Inch Nails (Trent Reznor, por sinal, é o autor da seleção das músicas), entre outros.

Algumas músicas são pano de fundo para diálogos memoráveis. Eu recomendo: Back in Baby’s Arms, na voz de Patsy Cline; Juliette “Knox” Lewis comprovando seu sex appeal ao cantar Born Bad, de Cissie Cobb; e Leonard Cohen cantando The Future, música que toca no melhor final de filme que conheço.

Outra trilha sonora que é tão boa quanto o filme é a que embala o longa de estréia de Cláudio Assis, Amarelo Manga, produzida por Lúcio Maia e Jorge du Peixe, ambos da Nação Zumbi. Precisa dizer mais alguma coisa? Como diria o personagem de Jonas Bloch no filme, "Du caralho, du caralho, du caralho”!

Os Dust Brothers adicionam profundidade ao filme-manifesto Fight Club (Clube da Luta), de David Fincher, com uma viagem de efeitos eletrônicos. É impossível não lembrar do filme ouvindo Homework, Psycho Boy Jack, Marla, Space Monkeys e Finding The Bomb. Who Is Tyler Durden?

Everybody Be Cool. Todas as músicas da trilha sonora do filme From Dusk Till Dawn (Um Drinque no Inferno), de Robert Rodriguez (e Quentin Tarantino no roteiro) são boas. Tem ZZ Top, Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, Tito & Tarantula, The Blasters e um Jimmie Vaughan inspiradíssimo. Tem o discurso do Chet (... come on in pussy lovers!). Tem ainda mais um pouco de Juliette Lewis. Tem também Salma Hayek. She’s Just Killing Me.

Dentre as inúmeras trilhas sonoras que merecem ser mencionadas, arrisco indicar também a trilha sonora do Godzilla do Roland Emmerich, que tem uma seqüência fodida: Come with Me, com Puff Daddy e Jimmy Page; Deeper UnderGround, do Jamiroquai; e No Shelter, do Rage Against The Machine.

Quer experimentar? Aperte o play e feche os olhos...

Muito além de um plano perfeito

2008-06-03T17:33:00.000-07:00

Tatiane Paulina

Dia normal em Nova York e um ousado assalto a banco feito por quatro pessoas vestidas com uniformes de pintor, no movimentado banco Manhattan Trust. Em poucos minutos elas controlam o local, para executar um assalto planejado em detalhes. Após, a notícia ser divulgada, chegam ao local os detetives Keith Frazier (Denzel Washington) e Bill Mitchell (Chiwetel Ejiofor), que têm a missão de convencer o líder dos bandidos, Dalton Russell (Clive Owen) a desistir do assalto.

Em O Plano Perfeito, os detetives trabalham com o capitão John Darius (Willem Dafoe) e esperam que a situação seja resolvida rápido. Porém, não contavam com a frieza e a inteligência de Russell, que parece estar sempre um passo à frente das ações da polícia. Enquanto isso, o dono da rede de agências bancárias (Robert Bizik) tem um segredo que não pode deixar escapar, e contrata Madeline (Jodie Foster) para certificar-se que ele não fugirá juntamente com os bandidos.

Russel é um ladrão esperto, e numa cela conta o início do roubo ao banco. Mas, aos poucos dá para perceber que não é o dinheiro o seu interesse, e que o roubo tem outro objetivo, e o pior é que nem a vítima se queixa. E, é justamente o segredo do banqueiro. Esse detalhe faz toda a diferença. Não é um assalto que pode ser copiado, simplesmente porque o diferencial é esse conhecimento específico.

A cena que caracteriza esse assalto é durante um diálogo de Russel e uma criança (filha de uma vítima), sobre um jogo de videogame bem violento, no qual o menino marca mais pontos se matar mais negros e traficar mais drogas. Ambos estão sentados sobre notas de cem dólares, que não serão roubadas e que servem como banquinhos.

É fácil de perceber que ninguém é perfeito, porque todos possuem segredos e mentiras, e não há heróis nem bandidos. Todos querem levar o seu ou se safar no final, do operário até o prefeito da cidade: a corrupção está em todo lugar.

Há inteligência suficiente para misturar cinema de entretenimento, onde todo plano de assalto é inteligente, divertido e prende, com o cinema de verdade, que serve para chamar a atenção e criticar as pessoas.

A edição é rápida e dinâmica, sem exageros. O diretor também fez a escolha certa, em colocar cenas que aconteceram depois do assalto durante o filme. Dando maior agilidade, não prolongando demais o final, mostra cada um dos reféns, mesmo esses com papéis menores, mas com personalidade. Há planos de vídeo muito bonitos e o uso da música de forma ativa fez com que alguns momentos ganhassem mais importância, dando um efeito interessante às cenas mais tensas.

Os diálogos são deliciosos, alguns deles intraduzíveis. Como na cena em que o policial Keith convida o criminoso Dalton para tomar uma cerveja no bar em frente ao banco e ele recusa, dizendo que está tentado ficar longe de “bars”. A palavra é a mesma para “bares” e “barras” de uma prisão. É um filme de prejulgamentos, e mostra que árabes, negros e habitantes da Europa Oriental, reféns e assaltantes também são culpados, até que se prove o contrário.

O filme delicia o público com seu sarcasmo. Não faltam situações de humor, mesmo quando satiriza situações de racismo. Como por exemplo, um indiano que se enfurece quando é confundido com um árabe, e se acalma ao ser lembrado de que consegue tomar um táxi em Nova York com mais facilidade do que os outros. São duas horas e dez minutos que passam voando. Com inteligência, ritmo, sátira, crítica, humor, tensão e ótimas interpretações.

Confira o vídeo:

Uma fábula do cotidiano

2008-06-03T16:51:00.000-07:00

Nathalia Matos de Paula

Com um roteiro que foge da linguagem de Hollywood, o filme francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain já foi assistido por mais de vinte milhões de pessoas em todo o mundo.

O jeito meigo e a fisionomia que se assemelha à clássica personagem dos filmes infantis de Walt Disney, Branca de Neve traz a idéia de que o filme será um conto de fadas lúdico ou mais uma simples comédia romântica em que a mocinha sonhadora vive à procura de um par ideal. Essa impressão é pura ilusão.

Recheado com humor sarcástico que já é visto logo no início da trama, pode desagradar alguns telespectadores, principalmente, os mais tradicionais que não apreciam esse tipo de ironia. No início, tudo leva a crer que Amélie será uma mulher amargurada devido a infância conturbada. Mas, com o decorrer do filme, a história muda de rumo.

Assim como toda princesa de conto de fadas, Amélie vivida pela atriz Audrey Tautou teve uma infância muito problemática e no mínimo esquisita, marcada pelo suicídio da própria mãe e de seu peixe de estimação. Além disso, o pai nunca demonstrou afeto ou carinho. Talvez por isso, toda vez o pai, que era médico, a tocava a fim de realizar exames no coração, a jovem palpitava de felicidade e emoção, pois era a única forma de afeto que conhecia.

É indubitável que os telespectadores mais convencionais não são atraídos por esse tipo de enredo. Alguns podem até se sentirem ofendidos, os ingleses principalmente, com algumas cenas.

O filme tem uma narrativa ímpar que o difere dos demais filmes ao apresentar os personagens com suas manias, visões de mundos e trejeitos peculiares o que acrescenta ao filme um certo dinamismo e leveza.

Embora o enredo seja simples, baseado em minúcias do cotidiano corriqueiro, é apresentado com muitos detalhes pelo cenário colorido e diversificado. Pode-se dizer que o filme é redondo pois existe uma harmonia entre enredo, direção de arte, sonoplastia e fotografia. As cores vibrantes e vivas são um encanto à parte e parecem se comunicar com o espectador. O autor utilizou um modo distinto e envolvente de contar os prazeres humanos com ares parisienses.

Do roteirista francês Jean-Pierre Jeunet, O fabuloso Destino de Amélie Poulain recebeu dois prêmios no BAFTA, nas categorias: melhor roteiro original e melhor desenho de produção. E foi indicado em outras sete: melhor filme, melhor diretor, melhor atriz (Audrey Tatou), melhor filme estrangeiro, melhor fotografia, melhor trilha sonora e melhor edição.

Guardada as devidas proporções, pode-se dizer que O Fabuloso Destino de Amélie Poulain é como o Corinthians: ou você o ama e o cultua ou o odeia com todas as forças.

Confira o trailer:

Se Stalin soubesse, puxava-lhes as orelhas

2008-05-20T18:15:00.000-07:00

João Pimenta

Realizado por David Cronenberg e escrito por Steven Knight, Senhores do Crime (Eastern Promises) foi rodado em Londres e contou com um orçamento de US$ 25 milhões, alcançando a indicação para o Oscar de melhor ator pelo papel de Viggo Mortensen.

Anna Khitrova (Naomi Watts) é uma jovem solteira que trabalha como parteira num hospital no norte de Londres. Na noite de Natal, uma menina de 14 anos, de origem russa, morre durante o parto, deixando a parteira com o bebe e um diário nas mãos. Em busca da linhagem da criança, Anna tenta decifrar o diário que se acha redigido em russo. Este escrito contém segredos da Vory V Zakone, uma organização criminosa que remota aos tempos dos gulags siberianos, e acaba por colocar a jovem como alvo da organização.

A personagem central do filme acaba por ser o capanga russo Nikolai (Viggo Mortensen), encarregado de vigiar Anna. Discreto e frio, Nikolai revela-se uma personagem homérica, que se descobre membro da FSB (antiga KGB) e que salva Anna, entregando a Irmandade.

Mas o roteiro de Steve Knight está longe de ser uma melosidade. David Cronenberg gere com mestria os simbolismos de identidade da máfia russa e a sua forma de atuação. As tatuagens, os atos sexuais, os homicídios impiedosos aparecem em todos os momentos cruciais do longa metragem como uma subtrama que acaba por tornar efêmero o papel de Anna, para o qual é chamada a atenção do espectador no inicio do filme.

Elegante, grave e pausado, filmado em tons escuros, o filme irrompe periodicamente em sangue e cenas brutais de duração curta. A realização de Senhores do Crime simboliza mesmo a forma de ação das máfias do Leste Europeu: nem um tiro é disparado durante o filme, as vitimas são degoladas em questão de segundos, tudo limpo e eficaz, e as coisas voltam à mesma monotonia.

Depois do boom de gangsta movies nos anos 70 e 80, nos quais se inscrevem clássicos como O Poderoso Chefão (The Godfather), de Francis Ford Coppola; Os Bons Companheiros (Goodfellas), de Martin Scorsese, e Era Uma Vez na América (Once Upon a Time In America) de Sergio Leone, o gênero estava a precisar de um upgrade. As máfias sicilianas e napolitanas já eram. Depois da queda da URSS, as máfias do Leste entraram com força na Europa, controlando o tráfico de armas e o sexo. É um novo submundo, onde o cinema tem muito que explorar. A imagem do gangster clássico registrado para sempre pelas representações de Joe Pesci, De Niro e Marlon Brando dão agora lugar ao russo impassível, calmo e sereno, mas brutal e eficaz.

O filme da nossa vida

2008-05-20T17:59:00.000-07:00

Ivo Felipe

Em dias de frio, nada melhor do que pegar um cinema, do lado da pessoa amada, comer uma pipoca e comentar as cenas e as falas que mais chamaram atenção. Criticar atuações, trilha sonora, cenas, fazer de tudo para que aquele instante seja o mais marcante possível. Momentos em que você está concentrado em um roteiro que não faz parte da sua vida. Ou faz? Quantas cenas ou personagens nos fazem pensar, automaticamente, parece alguém que conheço? Já devo ter falado isso umas 1.345 vezes. E olha que eu assisti a uns 1.348 filmes.

É impressionante como sempre queremos achar algo que nos é familiar nos filmes. Sejam personagens iguais ao nosso tio, ou pai, irmã, ou a nós mesmos. Falas que gostaríamos que fossem as nossas. Músicas que adoraríamos que fossem nossas. Roteiros que amaríamos, caso fossem sobre nossa vida. E o que é melhor e mais importante, filmes marcam época.

Como não lembrar daquela terça-feira depois da Tela Quente que apresentou Curtindo a Vida Adoidado? Todos os alunos adolescentes queriam matar aula, pegar o carro dos pais e sair cantando Twist and Shout por aí. E quando a vinheta da Sessão da Tarde anunciava Os Goonies? Era loucura, frisson, todos tinham um amiguinho desprovido de beleza que era apelidado de Slot. Filmes realmente mexem com a imaginação das pessoas.

Lembro-me como se fosse hoje do desejo insano e desesperado dos fãs do Homem Aranha. Eles estavam loucos por ver a versão do cinema daquele que é um dos maiores heróis dos quadrinhos de todos os tempos. Viram a primeira versão e hoje em dia nem ligam para as continuações. E ainda insinuam que o cinema acabou com a mística do super-herói.

O cinema não acaba com nada. Muito pelo contrário. Constrói vidas, imaginação, mundos. Discordo daqueles que afirmam que livros, ou histórias em quadrinhos, jamais deveriam passar para as telonas. O cinema é a imaginação daqueles que se dão ao luxo de não querer imaginar e deixam para que outros façam isso por eles. O cinema é a arte que envolve todas as artes e exatamente por isso é completo. Pinturas, encenação, músicas, tudo isso está em um bom longa metragem.

Vamos imaginar um mundo sem filme. Tentou? Veio um filme em sua cabeça de quando você era criança e assistia Loucademia de Polícia ou Esqueceram de Mim? Pois é, não dá. Filmes fazem parte da história de todos e todos, como público, fazem parte – ou não – da história de um filme. E assim o mundo segue, cheio de universos imaginários que podem ser aqueles que imaginaremos como o nosso amanhã.

Gossip Girl: Porque fofocar nunca foi tão divertido

2008-05-20T15:43:00.000-07:00

Camila Rodrigues

“Por onde ela andou? É a Serena! E quem sou eu? Este é um segredo que eu jamais contarei. Você sabe que me ama! Beijos e abraços...”, Gossip Girl.

Imagina que você é uma pessoa da alta sociedade de Nova Iorque. Junte uma pitada de amigos riquinhos, casas luxuosas, compras em lojas e restaurantes caros e uma educação acadêmica no prestigiado colégio de Upper East Side. Agora, visualize a sua melhor amiga retornando à cidade após anos estudando na Europa. Como se não fosse o bastante, uma "garota fofoqueira" criou um blog em que conta todos os escândalos que acontecem na alta sociedade nova-iorquina. Desinteressante? Nem um pouco! Ainda mais quando se trata do seriado Gossip Girl.

Baseado no livro de Cecily von Ziegesar, Gossip Girl é uma série de, até o momento, nove livros lançados no Brasil. Como no livro, o seriado é desenvolvido a partir de uma garota fofoqueira que em seu blog conta os escândalos que os adolescentes de Upper East Side se envolvem diariamente. Tudo começa quando Serena Van Der Woodsen (interpretada por Blake Lively) retorna à Nova Iorque após ter passado alguns anos estudando em um colégio na Europa. Acontece, que a antiga melhor amiga de Serena, Blair Waldorf (Leighton Meester) não enxerga mais a pobre Serena como sua melhor amiga. Os anos em que se mantiveram distantes, fez com que Blair guardasse mágoas da ex-melhor amiga que viajou de repente, sem nem ao menos se despedir dela. Sem Serena por perto, a menina Waldorf transformou-se na garota mais popular de Upper East Side, tornando-se completamente independente da presença de Serena Van Der Woodsen.

Vale recordar, que levando em conta que Gossip Girl é baseado no livro de Cecily von Ziegesar, muitas mudanças foram feitas para que o enredo passasse das páginas à telinha. Contudo, seria hipocrisia dizer que essas mesmas mudanças, apesar de um tanto quanto grosseiras, melhoraram, de certa forma na boa qualidade do seriado.

Vendo por este ângulo, Gossip Girl assemelha-se bastante ao seriado The O.C. Admito, que a princípio, achei-os extremamente parecidos. Por exemplo, Serena Van Der Woodsen namora Dan Humphrey (Penn Badgley), um garoto de situação econômica inferior a da namorada, que estuda em Upper East Side, graças a obtenção de uma bolsa de estudos. Dan enxergava Serena como a garota perfeita (isso não é parecidíssimo com Marissa Cooper e Ryan Atwood?) e quando finalmente, em um passe de mágicas, os dois começaram a namorar, Serena, que era uma garota rebelde, passa a se comportar como uma boa menina.

Acreditem, as semelhanças acabam por ai! Como relatado no começo deste post, a anônima blogueira espalha na Internet fofocas que deixam os adolescentes atônitos. De alguma maneira (seja através de mensagens SMS's, e-mails, ou aquilo que ela mesma tenha presenciado), tudo é relatado pela menina dos boatos. Os jovens ficam alvoroçados, sempre à procura de novos mexericos. Entretanto, alguns segredos continuam muito bem guardados e ao decorrer dos episódios, descobre-se alguns lados das histórias dos personagens que ainda não vieram à tona.

Gossip Girl não fala apenas de romances mal resolvidos, ajuda mútua entre melhores amigos, ou invejas. O seriado aborda questões que, em alguns momentos, podem ser vivenciados por pessoas comuns como eu, você, seu primo, sua namorada. Gossip Girl mostra que independentemente da faixa etária, as pessoas estão dispostas a sacrificar tudo e todos por um reconhecimento exagerado da sociedade. Evidência, que drogar-se é mais comum do que imaginamos e que não é preciso ser pobre para se tornar usuário (novidade!). Intrigas acontecem todo o tempo e é preciso tornar-se mestre nas saídas rápidas. E por fim, que o homossexualismo precisa ser mais discutido.

Nesta primeira temporada, a cada novo episódio, novas descobertas vêm à tona. A cada semana, a roleta da fortuna gira e o prêmio é conquistado por uma pessoa diferente.

E se mesmo com todos estes motivos vocês ainda acham que não vale a pena assistir ao seriado, tudo bem, eu deixo passar... fala sério, a quem quero enganar? Assistam, pois além das roupas mais lindas, as casas mais luxuosas, as pessoas são exageradamente lindas, de deixar qualquer um com inveja.

Assista ao trailer Oficial de Gossip Girl

“Homem de Ferro”, consumismo passivo

2008-05-20T04:24:00.000-07:00

Isabel Carvalhaes

Com o orçamento de 186 milhões de dólares a editora Marvel que detém os direitos autorais da maioria dos personagens em quadrinhos, entra com tudo no mercado cinematográfico (até então dominado pela Sony) com o filme “Homens de Ferro”. A Paramount fica apenas com a distribuição. A edição faz com que os espectadores sintam-se desconfortáveis ao ver cortes de cenas repentinas sem a menor cerimônia e constrangimento.

O filme conta a história de um playboy americano, mulherengo e patriota que está sempre com um copo de uísque na mão, Tony Stark interpretado pelo ator alcoólatra, viciado em cocaína e crack que passou longo período preso e desempregado, Robert Downey Jr. O ator volta a Hollywood em grande estilo e sem dúvida para provar o seu talento.

Apesar disso, é uma pena que os heróis das histórias em quadrinhos que são referências para tantas crianças, dêem esse exemplo de caráter para as essa sociedade aguçada pelo o consumismo americano.
Mesmo assim, o filme é um sucesso e a criançada não pensa em outra coisa a não ser comprar os bonecos vendidos nas lojas Burguer King. Aliás, o personagem faz questão de frisar seu gosto por esse tipo de alimentação nada saudável.

O personagem Tony Clark é herdeiro das indústrias Stark fabricante de armas de alta tecnologia. Ele sofre um acidente no Afeganistão é ferido por suas granadas que alojam estilhaços em seu coração. Tony Clark é capturado por inimigos e levado para uma caverna. Lá, é colocado um super-dispositivo eletrônico em seu coração que lhe dá condições de sobreviver. Ele é obrigado a construir uma bomba devastadora, mas aproveita o arsenal para construir uma armadura de ferro que faz com que ele consiga fugir. A escolha do Afeganistão não é feliz e soa como um pedido de desculpas dos americanos à população mundial. Mais uma vez, os americanos se colocam em posições de vítimas de guerrilheiros terroristas do terceiro mundo.

Os efeitos especiais avançados são a melhor parte do filme, principalmente na seqüência em que o “Homem de Ferro” é perseguido por dois caças. Além da trilha de primeira qualidade com uma boa safra de heavy-metal, começando com o poderoso “Back in Black” do ACDC.

É claro que o herói resolve salvar o planeta e é claro que há vilões querendo matá-lo e que “O Homem de Ferro” consegue resolver tudo no final e como todo herói se envolve emocionalmente com uma linda mulher, sua assistente Virginia Pepper interpretada por Gwyneth Patrol.

Para quem é apenas um receptor passivo e sem falta de ideais que consome e importa tudo da sociedade americana, “Homem de Ferro” é uma boa diversão.

Assista o trailer do filme:

Eles salvam as bilheterias

2008-05-16T13:40:00.000-07:00

Podcast elaborado por Bruna Indalécio, Renan Rocha e Rogério Brandão.

Antes de Partir: "Boa pedida com a namorada"

2008-05-13T17:42:00.000-07:00

Arthur Godioso Moreira Pinho

Raramente um filme consegue fazer uma mistura de comédia e drama tão boa quanto em “Antes de partir”. E para fazer isso com perfeição foram gastos US$ 45 milhões; e ótimas atuações de dois símbolos; para esse filme não havia ninguém melhor que Jack Nicholson e Morgan Freeman, dois atores que dispensam apresentações. O eclético Nicholson já brilhou em filmes de suspense (O iluminado), aventura (Batman), ação (O lobo), comédia (Melhor é impossível) e drama (Laços de ternura). Morgan Freeman também não faz feio; já fez comédia (O todo poderoso), ação (A soma de todos os medos), também participou de um filme do homem-morcego, em 2005, brilhou no suspense ‘Seven, os sete pecados’ e no dramático Amistad. Seriam necessárias muitas linhas para contar a história de ambos no cinema.

Em ‘Antes de partir’, Nicholson é Edward Cole, um homem rico, dono de uma rede de hospitais nos Estados Unidos, e que por toda a vida foi um homem ranzinza que teve mais inimizades que amizades, dizem que todo velho fica meio chato, Nicholson interpreta esse ‘velho pentelho’. Cole é solitário, possui somente a companhia de seu braço direito, o jovem Thomas. Carter Chambers (Freeman) é a antítese humana de milionário, é um humilde mecânico, casado e pai de família, e que diferente de Cole tem uma vida alegre, cercado de pessoas que o amam.

O destino dos dois se cruzam, quando os dois descobrem que estão com câncer em fase terminal em um dos hospitais da rede de Cole. Como os dois sabem que não têm chances de sobreviver, resolvem aproveitar a vida e fazem uma lista com coisas que gostariam de fazer antes da morte chegar. Na lista estão incluídas algumas atividades como: andar de moto na muralha da China, praticar skydiving, safári, entre outras. Durante essas atividades, e uma volta ao mundo, eles acabam criando uma amizade muito forte.

A mensagem que o filme passa é realmente essa, fazer com que as pessoas aproveitem a vida ao máximo, até o último dia. Mesmo pessoas tão diferentes, podem construir amizades tão sinceras e verdadeiras, por mais que enfrentem algumas dificuldades e intrigas (como Cole e Chambers no filme). Essa mensagem é tão explícita para quem assiste o filme, que mesmo quem não conhece os dois atores, têm a certeza que Nicholson e Freeman são grandes companheiros fora das telas também.

Em suma, é uma história que não é nota dez na originalidade (pois só pelo nome já sabemos o fim do filme), mas que com certeza envolve o espectador, desde o homem mais frio (que curte ação, suspense e uma boa comédia) à mulher emotiva (que também gosta de comédia e de drama). Destaque para os diálogos e para a mistura de drama e comédia, que faz com que o público literalmente chore e ria, às vezes de uma vez só. Se você tem uma namorada que adora chorar no cinema, Antes de Partir é uma boa pedida, e se você é um namorado que não dispensa uma boa comédia, também não pode perder esse filme; agora se você não gosta de rir e também não chora, pode rugir.

Curiosidades sobre o filme:
O roteirista Justin Zackham concluiu o roteiro de Antes de Partir em 2 semanas, e já tinha pensado em Morgan Freeman para interpretar Carter Chambers. O diretor Rob Reiner e Morgan Freeman, surgeriram que Jack Nicholson fosse contratado para ser o intérprete de Ed Cole.
Os dois atores rasparam a cabeça para atuar no filme, que é o 2° em que o Rob Reiner e Jack Nicholson trabalham juntos. Antes eles já haviam feito ‘Questão de honra’, em 1992.

Alfonso Freeman, que interpreta Roger Chambers (filho de Carter) também é filho de Morgan Freeman na vida real.

Confira o trailer:

Vale tudo para pagar a faculdade?

2008-05-13T16:02:00.000-07:00

Vânia Monique

“Quebrando a Banca”, é um filme baseado no livro Bringing Down the House, que conta a história real de um grupo de estudantes do MIT (Massachusetts Institute of Technology). A equipe lucrou milhões em cassinos de Las Vegas, tudo através dos conhecimentos de matemática e trabalho de equipe. Grandes golpes atraem a curiosidade e o imaginário dos telespectadores, tanto que outros filmes como “Onze Homens e um Segredo” e “Rain Man” também apostaram com sucesso no mesmo estilo.

O filme é da Sony Pictures que sem perder tempo comprou os direitos e passou a história de livro mais vendido para um roteiro de filme intrigante, aventureiro e campeão de bilheterias.
Com um orçamento estimado em 35 milhões de dólares, o filme arrecadou mais de 60 milhões de dólares nos cinemas americanos.

Micky Rosa, interpretado pelo ator Kevin Spacey, é um professor da MIT, líder de um grupo de adolescentes gananciosos que, por meio da contagem de cartas, fazem grandes jogadas e arrecadam milhões nos cassinos de Las Vegas. O professor vê no seu aluno, Ben Campbell (Jim Sturgess), a oportunidade de melhorar qualidade do grupo e faturar milhões. Ben era tudo que o professor e líder do grupo queria, um aluno exemplar, superdotado e com uma capacidade enorme de concentração.

Para conseguir as grandes jogadas, o time de estudantes utiliza uma combinação de contagem de cartas conhecida como Black Jack 21 e trabalho em equipe. No começo, Ben relutou em participar do grupo, mas a vontade de cursar a faculdade de medicina em Harvard, aliada a dificuldade financeira e a paixão por uma das integrantes do grupo, Jill interpretada por Kate Bosworth levaram o estudante aos famosos cassinos.

A estratégia das contagens de carta não é ilegal, mas os riscos são altos e o desafio não é mais apenas manter a contagem numérica correta, mas também se manter um passo à frente do supervisor de segurança, já que a possibilidade dos cassinos perderem muito dinheiro com o grupo deixa indignado o consultor de segurança Cole Williams (Laurence Fishburne). Ele percebe a combinação e por meio das câmeras de segurança começa a perseguir Ben, o “geniosinho” que deslumbrado com a vida luxuosa deixa a concentração e a discrição de lado.

Os finais de semana como milionário sobem rapidamente à cabeça tornado-o cada vez mais descontrolado. A ambição toma conta do rapaz que esquece que seu objetivo inicial era apenas o dinheiro necessário para pagar o curso de medicina.

O público torce por Ben, para ele não ser descoberto, para ficar rico e poder pagar a faculdade. Afinal, ele é um bom garoto, mas agora com alguns problemas, ele mente, trapaceia e ignora os amigos. Será que vale tudo para conseguir um estudo? O importante é que o adolescente teve a chance de se redimir de suas falcatruas e refazer tudo de forma honesta e honrada. Em combinação com o consultor de segurança, Cole Williams, Ben arma uma última jogada, quebra banca, entrega o líder do grupo Micky Rosa e sai sem grana nenhuma.

E a faculdade? Como todo final feliz, o desfecho é totalmente previsível e o estudante é contemplado com uma bolsa de estudos. O roteiro possui uma história divertida, um ritmo dinâmico e todo o brilho de uma produção de Hollywood. O diretor Robert Luketic que também dirigiu “Legalmente Loira” consegue manter o filme em um bom nível, e deixar o telespectador atento durante os 123 minutos de cenas.

Trailer oficial

O shopping da violência

2008-05-13T15:36:00.000-07:00

Gabriel Uchida

No mesmo tabuleiro estão um sequestrador, um cirurgião plástico e um empresário. Para tornar o jogo mais interessante, coloca-se um político conhecido: Jader Barbalho. Está montado o cenário de como a violência se desenvolveu e foi absorvida pelo sistema brasileiro, assim como ocorre nos demais. Esta é a história de Manda Bala, um documentário de 2007 de Jack Kohn - diretor que nasceu em Nova York e é filho de mãe paulistana e pai argentino.

O filme desenha um verdadeiro ecossistema movido pela violência. Os políticos roubam e prejudicam o pobre, que vê no crime uma opção para a falta de dinheiro. O empresário, que está acima, mas ao alcance do pobre - embora tente a todo custo se distanciar -, é sequestrado e procura o cirurgião para reconstituir as partes do corpo perdidas na negociação. Como de costume, o sistema se apropria da situação, transformada assim em um novo mercado com variadas possibilidades de lucro. Este é o maravilhoso e moderníssimo shopping da violência, que tem desde cursos de direção defensiva a implantes de microchips com GPS sob a pele, passando também por serviços de segurança particular com grande potencial de fogo.

Manda Bala funciona não só pela temática atual. Há, também, câmeras rigorosas que fazem movimentos exatos e imagens fortes. Além disso, a trilha sonora não é algo separado e que caminha junto com o filme, mas sim parte integrante e fundamental do documentário. Destaque para a relação imagens/informações, que acontece de maneira rica e balanceada. Fora isso, a escolha das fontes é um grande mérito do diretor, que consegue desenhar uma linha cinematográfica surpreendente - a entrevista com Jader Barbalho, por exemplo, aparece a menos de vinte minutos do fim da película. Assim, o prêmio de melhor documentário no Festival Sundance de Cinema é apenas um detalhe.

Para quem já se esqueceu de Jader Barbalho, ele é um político de grande influência na Região Norte do Brasil. Como de praxe, é empresário e tem veículos de comunicação. E como acontece frequentemente, sua carreira política é tumultuada e seu destaque nacional foi conseguido unicamente por acusações de envolvimento em um esquema ilegal de desvio de verbas, desta vez da Superintendência do Desenvolvimento da Amazônia (Sudam). De maneira simples, a Sudam foi um projeto criado para desenvolver novos negócios na região amazônica. E de maneira vil, foram utilizadas empresas fantasmas, e portanto ilegais, para desviar dinheiro do projeto.

Tanto a figura do político como a do criminoso e a do empresário são genéricas. Isto é, não são personagens exclusivos do Brasil, assim como o ciclo e o mercado da violência existem por todos os cantos. Desta maneira, o filme é um retrato da sociedade atual, com foco na opressão realizada pela arma ou pela caneta, como diz o sequestrador. Manda Bala pode ser visto, na verdade, como um documentário do faroeste vivido diariamente nas ruas das grandes e também pequenas cidades.

Quem faz um lugar sem perdão?

2008-05-13T15:32:00.000-07:00

Beatriz Franco

O nome Capadócia remete a vários significados e histórias. Capadócia é uma região turca que fica a cerca de 700 km de Istambul e é um dos principais destinos turísticos do país. Já no Brasil, especialmente entre praticantes do catolicismo, da umbanda e do candomblé, o nome lembra a história de São Jorge, um guerreiro vindo de Capadócia que salvou uma princesa dos perigos de um dragão, em nome de Cristo.

No entanto, desde o dia 2 de março, a palavra Capadócia ganhou mais uma definição: um prédio cinza e vermelho que abriga mulheres mexicanas acusadas de serem criminosas, uma prisão feminina idealizada na série “Capadócia – Um lugar sem perdão”. Transmitida pelo canal a cabo HBO, o programa tem mostrado que não ficará atrás nos quesitos qualidade, conteúdo e mega produção, o que já é de praxe nos seriados da emissora como Mandrake e Roma.

O que diferencia Capadócia dessas outras produções, porém, é o fato da história do seriado mexer com o que todos os países têm de mais sujo: a corrupção política. Problema esse que quase fez com que o programa não saísse do papel. Gravado na Cidade do México, foram necessários cinco anos de negociações até que as filmagens fossem autorizadas pelo governo. Mas, ao que parece até agora, essa dificuldade inicial não inibiu os produtores nem o diretor Pedro Pablo que, na entrevista de lançamento do projeto já avisou “Tem que ter estômago”.

Apesar de polêmica, forte e violenta, Capadócia é como aqueles livros que você não consegue parar de ler, sempre querendo saber mais um capítulo, conhecer mais uma história e desvendar os mistérios de uma prisão feminina. Ao mesmo tempo em que prende a atenção pela vida das detentas e de todos os graus de relação alcançados por elas, a série revolta pelos entremeios políticos, burocráticos e corruptos pelos quais a jurista, vivida por Dolores Heredia, precisa passar para fazer da prisão um local humano e evitar que a reforma do sistema penitenciário idealizado por ela seja usada como fachada para o narcotráfico por políticos e juízes influentes do México.

Na realidade, para nós, brasileiros, e para a maioria dos latino-americanos, um tema como esse não deveria interessar e espantar tanto, afinal a corrupção política do nosso país está exposta diariamente em todos os jornais. Porém, ver com os próprios olhos, e em qualidade cinematográfica, como essas mentiras são pensadas e perceber o que passa pela cabeça dos magistrados faz com algumas dúvidas da nossa realidade sejam esclarecidas.

Apesar de ser fictícia e dar a impressão de que aquele tipo de história só poderia ser inventada, o mérito maior do seriado é fazer o telespectador pensar no que as suas atitudes podem influenciar em outras vidas. A escolha do nome Capadócia pode ainda não ter sido explicada, mas desde o começo da produção é possível entender quem faz com que a vida seja um lugar sem perdão.

Confira o Trailer:

Hollywood e a duvidosa arte da reciclagem

2008-05-13T06:38:00.000-07:00

Milcia Escobar

Remake. Essa é a palavra que, nos últimos anos, está em alta no vocabulário dos produtores mais gananciosos de Hollywood. A industria do cinema está literalmente refazendo os próprios filmes, e também os dos outros, em uma tentativa desesperada do lucro fácil.

Essa tendência da sétima arte – que de arte não tem nada, já que essas produções têm um único objetivo, o lucro – não tem preconceito com nacionalidade. Seja o filme espanhol, japonês, indiano ou inglês, ele tem potencial para ganhar uma versão americanizada.

A reciclagem dos filmes não é exatamente nova, mas a proliferação dos remakes nos últimos tempos pode ser apontada como um dos vários sinais da escassez de boas e originais idéias na meca do cinema. Refazer um filme é contar a mesma história novamente. História que normalmente tem a mesma abordagem e os mesmos detalhes do original. Ás vezes, as duas produções se diferem em alguns pontos, mas quase sempre a versão original é muito melhor.

Um dos gêneros mais visados para remakes é o terror. A falta de idéias novas para amedrontar o público faz os produtores hollywoodianos beberem da fonte asiática, por exemplo. Entretanto, a adaptação, nesses casos, nem sempre têm sucesso, pois os americanos se preocupam demais com os efeitos especiais e com respostas para todas as interrogações, esquecendo de montar o clima de tensão, tão essencial para qualquer bom filme de horror.

Produções consagradas norte-americanas também foram vítimas da picaretagem. Os clássicos O Massacre da Serra Elétrica e Horror em Amytiville tiveram seus remakes lançados há pouco tempo. As novas versões apresentam mais sangue e maquiagens mais assustadoras. No caso de O Massacre da Serra Elétrica, a graça é parecer trash, um filme de baixo orçamento, no qual o espectador não consegue ver com clareza as cenas.

Algumas vezes, os diretores dos novos longas conseguem elaborar uma roupagem diferente, e se o resultado não é superior ao original, conseguem ser tão bons quanto. É o caso de Viagem Maldita, remake do clássico de Wes Craven Quadrilha de Sádicos. O diretor francês Alexandre Aja tem a evolução da tecnologia a seu favor. Em 1977, Craven não contava com muitos recursos para enriquecer a maquiagem das personagens, tanto que chegou a contratar atores deformados na vida real para interpretar os monstruosos habitantes das colinas.

Outro que conseguiu se beneficiar com a maquiagem melhor foi o diretor Zack Snyder, em Madrugada dos Mortos. Se no original, Despertar dos Mortos, do grande mestre George Romero, havia uma crítica à sociedade consumista, a nova versão aposta no gore bem elaborado para agradar os fãs do gênero.

O tipo mais recente de picaretagem é o diretor refilmar seu próprio filme num intervalo relativamente curto de tempo. O picareta em questão é Michael Haneke, diretor alemão que em 1997 dirigiu o longa Funny Games. Em 2007, ele relançou o próprio filme na versão americana, agora contando com estrelas de Hollywood como Naomi Watts. Veja o trailer:

Até diretores renomados já beberam dessa fonte. Martin Scorsese é um deles. O diretor dos clássicos Taxi Driver e Touro Indomável fez os Os Infiltrados, uma adaptação do filme asiático Mou gaan dou em 2006. E até levou o Oscar! Os Infiltrados contava com a participação de um grande elenco, típica das grandes produções de Scorsese nos últimos anos.

Adaptar histórias sempre foi um dos pontos fortes de Hollywood. A princípio, pegar histórias emprestadas da vida real, ou de algum material previamente publicado, como livros e peças teatrais, não pode ser visto com maus olhos. Afinal seria ignorância esperar que uma indústria que deve produzir centenas de filmes por ano tenha somente idéias completamente originais.

Nem todos podem ser roteiristas como Charlie Kaufman (Quero Ser John Malkovich e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças) ou Wes Anderson (Os Excêntricos Tenenbaums e A Viagem de Darjeeling). As adaptações estão presentes em 9 entre 10 clássicos do cinema. Porém ao adaptar um livro, por exemplo, Hollywood está dando vida a uma história, trazendo-a para uma outra linguagem. Por isso, é até possível perdoar as inúmeras adaptações das histórias em quadrinhos.

Qual é o propósito de refazer uma produção aprovada, ou não, pelo público? A de ganhar mais dinheiro, claro. Mas até a picaretagem tem limites. Se as produções tiverem um intervalo considerável de tempo, os remakes podem levar, a uma nova geração, uma boa história com recursos mais sofisticados. Contudo, nem sempre essa é a proposta dos grandes estúdios. Eles investem com o intuito de ganhar mais dinheiro, sem se preocupar com a arte do cinema. Que, afinal, é o que interessa.

Experimentando o medo

2008-05-13T06:31:00.000-07:00

Milcia Escobar

Nos filmes de terror, o baixo orçamento nem sempre é sinônimo de má qualidade. Afinal, tudo que um bom filme do gêner precisa é construir um clima assustador que deixe o espectador se segurando na poltrona. O claustrofóbico horror espanhol REC (inédito no Brasil) é mais um exemplo de que monstros com efeitos os especiais das grandes produções não são os principais responsáveis pelos sustos nas platéias.

Tudo começa com a repórter Ángela (Manuela Velasco) e o cinegrafista Pablo (Pep Sais) acompanhando, para uma matéria de televisão, o trabalho do corpo de bombeiros na madrugada. Os bombeiros recebem um chamado de distúrbio entre os vizinhos em um condomínio em Barcelona e o que poderia ser mais uma daquelas matérias emocionantes sobre heroísmo se torna um pesadelo.

A proposta da dupla responsável pela direção do longa, Jaume Balagueró e Paco Plaza, é mostrar e explicar pouco o que está acontecendo. E, para isso, os diretores espanhóis acertam ao escolher o estilo da narrativa, em primeira pessoa. No melhor estilo de A Bruxa de Blair, o thriller conta com as rápidas movimentações da câmera, imagens fora de foco, tomadas longas e muita confusão. E é exatamente essa escolha que faz dele um verdadeiro experimento do medo. Não vemos nada além do que Pablo, o cinegrafista, está filmando, fazendo com que o espectador se sinta dentro do caos da situação.

É difícil fazer a sinopse sem entregar os pontos mais surpreendentes da história. O filme também tem elementos do Extermínio do diretor Danny Boyle (Trainspotting), como se pode ver um pouco mais em detalhe no trailer:

O longa tem uma produção muito realística, se é que podemos usar tal termo para qualquer filme de terror, contando com boas atuações. Se o trabalho da câmera em primeira pessoa é essencial para dar o clima certo ao filme, a interpretação de Manuela Velasco é igualmente importante. A câmera está, na maior parte do tempo, focada na atriz, que interpreta a repórter Ángela. Ela consegue usar a seu favor o que seria a princípio uma desvantagem: as limitações de um único ângulo da câmera. Seja em seus gritos, em sua respiração ofegante ou em seu tom de voz, as reações parecem ser espontâneas, de alguém que está transpirando medo.

Outros detalhes também enriquecem ainda mais tom de documentário. É apresentado ao espectador a fita bruta, sem edições, da matéria que Ángela está fazendo com os bombeiros. Por isso podemos ver alguns detalhes de bastidores, como a preparação para as entrevistas. A descontração dos primeiros minutos do filme é um bom contraste para o terror que as personagens estão prestes a presenciar. Momentos antes de entrarem no prédio, um dos bombeiros brinca com a repórter sobre o nome do quadro que ela está apresentando, Enquanto Você Dorme. "Mas então ninguém vai assistir?", questiona.

Apesar do baixo custo, a parte técnica da produção se sustenta. Os efeitos sonoros são muito bem utilizados e a maquiagem, quando exigida, não deixa a desejar em comparação com qualquer produção de Hollywood. Álias, esse surpreendente filme espanhol supera a grande maioria dos filmes produzidos na meca do cinema. E como era de se esperar, os picaretas produtores da terra do tio Sam já compraram os direitos para fazer um remake (Quarentine) hollywoodiano. E, como na tendência dos remakes de filmes asiáticos, o trailer (com lançamento previsto para esse ano) já tira toda a graça do original: o mistério sobre o que está ocorrendo (assista ao trailer e corra o risco de ver spoilers da produção original).

Para se ter uma idéia, a produtora do filme espanhol, a Filmax, escondeu o jogo ao lançar apenas a reação do público assistindo ao filme no lugar do tradicional teaser. Somente algum tempo depois foi lançado o trailer oficial. Será que os norte-americanos não entenderam a estratégia da produtora espanhola? É possível que não.

Os espanhóis mostram mais uma vez que sabem contar uma boa história de terror. REC, apesar de ser uma produção de baixo custo, prova que o espectador não precisa de histórias muito elaboradas para ter medo. O público, mais do que nunca, teme o desconhecido.

Um toque de vida em uma temporada morta de estréias

2008-05-13T06:21:00.000-07:00

Michelle Mayumi

Esta temporada das séries de TV norte-americanas exibidas pelo Warner Channel foi marcada por estréias pouco empolgantes. The Big Bang Theory é uma comédia com um grupo de cientistas e uma loira com pouca inteligência e muito corpo. É até engraçado, mas eu não ficaria em frente à TV esperando por uma nova temporada.

Gossip Girl, como o próprio nome diz, é uma garota cujas fofocas no mundo virtual afetam a vida real, divertindo um seleto grupo de estudantes de uma escola particular em Nova York. No fim, é uma espécie de Malhação mais sofisticada.

O que salva a temporada é a série Pushing Daisies. Ela estreou em abril e é uma mistura de gêneros que deu certo, pois recebeu três indicações ao Globo de Ouro 2008 – melhor série, ator (Lee Pace) e atriz em comédia (Anne Friel). Também pudera, seu criador, Bryan Fuller, já teve sucessos como Dead Like Me e participou de alguns episódios da série Heroes na primeira temporada.

Pushing Daisies oferece ao público realidade fantástica com toques de drama, comédia, policial e romance. A ficção e a fantasia ficam por conta do protagonista Ned (Lee Pace) e seu dom de tocar pessoas mortas e trazê-las à vida. No entanto (sempre há um porém), elas só podem permanecer vivas por um minuto. Mais do que isso, outra pessoa morre para restaurar o equilíbrio do universo. E se Ned tocar o ressuscitado pela segunda vez, a pessoa morre – agora, para sempre.

Também com esse toque mágico, a personagem de Lee Pace faz frutas estragadas se tornarem maduras e suculentas e ele acaba abrindo uma loja de tortas, chamada Pie Hole. Ned conhece o detetive Emerson Cod (Chi McBride) e eles começam a trabalhar juntos para desvendar homicídios e recolher as recompensas oferecidas pela solução das mortes misteriosas. Como? Ned toca os mortos e tem um minuto para fazer um interrogatório.

O romance fica por conta de Charlotte Charles (Anna Friel), apelidada de Chuck, que foi o primeiro amor de Ned. Separados quando crianças, o reencontro acontece em uma funerária. O único problema é que ela é um dos trabalhos de investigação – ou seja, um cadáver que precisa ser interrogado. Ela fica mais de um minuto viva e desenvolve uma relação afetuosa com o protagonista. Só que sem beijos, carinhos ou abraços. As demonstrações de afeto são intermediadas por um pedaço de plástico. E Chuck também começa a participar das investigações, inclusive as da própria morte.

Olive Snook (Kristin Chenoweth) trabalha para Ned no Pie Hole. Embora todas as outras personagens tenham momentos engraçados, ela traz o elemento da comédia, interpretando às vezes a típica loira burra. Olive também não tem medo de mostrar seus sentimentos por Ned. Ela dá indiretas e diretas sempre que tem a oportunidade. Quando fica triste por não ter seu amor correspondido, ela canta e a séria ganha ares de musical.

Um elemento importante que diferencia Pushing Daisies de outras séries é o narrador. A voz de Jim Dale dá o ritmo da história e ele pode até ser comparado a Deus, pois sabe o que vai acontecer, os pensamentos das personagens e o que elas fazem quando estão sós. A narração também ajuda a criar um clima de fábula, principalmente quando as falas têm rimas.

O figurino é fantástico, com uso interessantíssimo das cores. Por exemplo, Ned está sempre com roupas pretas ou escuras, o que remete à figura do anjo da morte e também aos problemas de relacionamento com as pessoas. Chuck está sempre com roupas de cores brilhantes, o que parece simbolizar a celebração do retorno à vida e sua abertura a novas experiências. Olive sempre usa roupas curtas com decotes, deixando a imagem de mulher insinuante.

Os cenários são cheios de cores vívidas. O necrotério, um lugar triste, geralmente retratado por um branco clínico, é pintado com listras brancas e vermelhas. A impressão é de que todos os elementos do set estão cheios de vida, como a grama, as flores e o céu limpo e azul, o que dá um bom contraste com o tema central da série, que é a morte.

Uma vantagem de Pushing Daisies é que mesmo não acompanhado os episódios religiosamente, o telespectador consegue entender tudos graças ao resumo do capítulo anterior e, em alguns casos, até da história inteira. Para quem já assistiu, também é bom para recordar.

Com a greve dos roteiristas norte-americanos, a série ficou com apenas nove episódios na primeira temporada. Mas tenha a certeza de que eles são sensacionais e intrigantes. Com isso, a época de estréias ganhou um toque de vida que a trouxe de volta da morte criativa.

Policiais e anti-heróis

2008-05-13T04:59:00.000-07:00

Ana Fernanda Espinosa

Policiais, traficantes, armas e violência. Juntando a esses “ingredientes” a corrupção e uma boa variedade de palavrões, chega-se à fórmula utilizada em vários filmes de ação americanos. Mas, um filme com esses elementos, e que está bem vivo na memória de grande parte dos brasileiros é o nacional Tropa de elite, do diretor José Padilha.

Adorado ou recriminado, o filme do capitão Nascimento, personagem de Wagner Moura, foi enquadrado por muitos críticos nessa fórmula americanizada. Contudo, foi um filme “hollywoodiano”, lançado neste ano nos cinemas internacionais e nacionais, que os críticos brasileiros compararam a “Tropa de elite”. É o novo trabalho de Keanu Reeves, o policial “Os reis da rua”, dirigido por David Ayer.

O cenário e a dinâmica dos dois filmes são diferentes, mas a postura dos protagonistas é, no mínimo, semelhante. O detetive Tom Tudlow, personagem de Reeves, e capitão Nascimento são policiais respeitados em suas corporações por serem grandes estrategistas e realizar tarefas com sucesso. Além disso, ambos não medem forças para cumprir seus trabalhos, sempre que necessário eles são agressivos. Tudlow deixa essa postura clara ao afirmar em certo momento do filme que por ser policial, ele pode tudo. Mas o ritmo do filme não sustenta essa fala. Apesar das coincidências, o capitão Nascimento sai na frente quando o assunto é atitude.

A repartição de Tudlow não combate especificamente o tráfico de drogas, mas está ai um dos grandes panos de fundo da ação, assim como em “Tropa de elite”. O ambiente e a figura dos traficantes são bastante diferentes, mas os cotidianos dos policiais retratados nos filmes podem ser comparados. Tiroteios, perseguições e interrogatórios; seqüências essenciais para um filme de ação policial. Entretanto, apesar do detetive Tudlow e do capitão Nascimento usarem táticas bruscas nos interrogatórios, agredir um suspeito com uma lista telefônica chega a ser leve comparado a utilizar um saco plástico ou a ameaçar com cabo de vassoura.

Em “Os reis da rua”, o ator Forest Whitaker, é o capitão Jack Wander, chefe de Tudlow, e a própria figura da corrupção. Após ter interpretado o ditador Idi Amin Dada em “O último rei da Escócia”, Whitaker parece ter tomado gosto por personagens que tem adoração pelo poder. No elenco também tem o ator Hugh Laurie, famoso pelas tiradas e o humor peculiar do personagem que interpreta na série televisiva “Dr. House”. No filme, Laurie é capitão Biggs, personagem importante para a trama, mas que aparece pouco e nas escassas falas que tem deixa o espectador com saudade dos comentários ácidos de House.

Outro ator que integra o elenco e tem um papel representativo, mas da mesma forma como surge na trama a deixa repentinamente, é Chris Evans. Ele interpreta um detive novato Paul Diskant, que a certa altura da história dá ares de ser um potencial aspirante a seguidor da maneira de Tudlow trabalhar, ou seja, não seguindo a cartilha de ética. Em “Tropa de elite” são os aspirantes que tem contato direto com a corrupção, em “Os reis da rua” é ela que sustenta o filme. A lei para os corruptos é: uma pessoa só representa perigo quando não colabora com os negócios paralelos.

A impressão é de que cada vez mais os heróis dos filmes estão com cara e atitude de vilões. Mas eles ainda têm coração. “Os reis da rua” não é um filme como “Tropa de elite” que nos leva a debater a situação enfrentada pelos policiais nos grandes centros urbanos. Mas após muita violência, mortes e sangue Tuldlow, lembra que exerce uma função que visa a segurança da sociedade, e se pergunta, o que aconteceu com aquela história de prender os caras maus?

Confira o trailer do filme Tropa de Elite:

Confira o trailer do filme Os Reis da rua:

Clichês fazem de 'Angel' uma caricatura

2008-05-06T16:25:00.000-07:00

Leandro Olimpio

Uma das principais características de diretores bem-sucedidos é resgatar romances adormecidos no passado, histórias que, lapidadas, se tornam um grande sucesso de bilheteria. Não é esse o caso do diretor François Ozon, ao transformar em filme o romance Angel, escrito em 1957 pela escritora inglesa Elizabeth Taylor. O filme, que leva o nome do romance, é uma tentativa frustrada de recriar um daqueles melodramas hollywoodianos dos anos 30 e 40. Frustrada, pois o resultado é caricato, e se aproxima mais da sátira do que da reedição fiel daqueles tradicionais longas.

Na trama, a filha de uma comerciante tem o sonho de se tornar uma escritora famosa. Um dos seus principais objetivos é comprar uma bela mansão de campo (sonho que realiza), que fica próxima à sua humilde residência. Jovem mimada e sem nenhum gosto pelos livros, mesmo assim a precoce Angel Deverell (Romola Garai) demonstra um talento literário fora do comum e consegue chamar a atenção de um renomado editor de Londres, Théo (Sam Neill), após mostrar a ele seu primeiro romance.

Não é preciso ser um cinéfilo para descobrir o que ocorre nas demais cenas do filme. Angel consegue fama rapidamente e seus livros tornam-se best-sellers na sociedade inglesa do começo do século XX. E como não poderia ser diferente, o sucesso transforma Angel numa mulher poderosa e arrogante, que só tem sua antipatia “destruída” pelo amor que passa a nutrir por um pintor frustrado, o único que até então não havia se rendido aos seus encantos.

A história de amor entre os dois é carregada de clichês, assim como a trilha sonora. Numa das cenas, após uma briga, o casal troca beijos apaixonados debaixo de uma repentina tempestade. O ponto alto dessa sequência é o pedido de casamento e a formação de um arco-íris.

Em outra cena, aparecem em pequenos flashes as diversas viagens que os dois fizeram pelo mundo, como por exemplo às pirâmides do Egito e ao deserto africano. Apesar do orçamento do filme ser de US$ 15 milhões, os efeitos visuais utilizados para dar a impressão de que as cenas estavam sendo gravadas nesses lugares são extremamente toscos.

Se em O Tempo que Resta o diretor francês foi elogiado por retratar uma história franca, destituída de melodrama, neste filme - o primeiro dele falado em inglês – Ozon peca por querer resgatar um gênero ultrapassado, que há tempos deixou de emocionar o público. Romola Garai interpreta uma personagem sem vida. Não gera repulsa, nem admiração. O resultado é um filme morno, bom apenas para ser visto de forma irônica. Talvez o maior erro de Angel seja estar classificado como romance. Lembra mais uma comédia.

Atores atrás das câmeras

2008-04-29T17:44:00.000-07:00

Podcast elaborado por Ciro Hamen e Milcia Escobar.

Eu e você, em breve no cinema mais próximo

2008-04-22T18:04:00.000-07:00

Ivo Felipe

As pessoas gostam tanto de filmes que acabam assumindo a personalidade do último personagem que conheceram. Afirmo isso, porque já quis ser Jedi, tentei ser Rocky Balboa e sonhei em me tornar o William Wallace de Coração Valente, mas nunca consegui chegar perto desse objetivo.

Já ouvi diversas pessoas imitando personagens lendários do cinema. Frases que entram para a história, como “Pede pra sair!”, ou “Bond, James Bond”. Ou tendo impulsos como aqueles de “Dançando na Chuva”, quando as pessoas correm na rua molhada, dançando e cantando.

Mas de onde que os diretores, roteiristas e escritores tiram idéias para inventar tantas cenas, tantas vidas e histórias? Quantos filmes engraçados, bons e atraentes não passam de uma invenção insana de pessoas que têm um mundo cheio de personagens dentro da cabeça. Mais fácil do que inventar cenários maquiavélicos como esses, e mostrados em “A Vila”, por exemplo, é retratar vidas de pessoas que já existiram.

E como escolher os personagens? Como saber se uma vida pode virar filme? Eu posso virar personagem de um filme? Você, Lula, Pelé, Natália Guimarães, Gisele Bundchen e Ronaldinho Gaúcho podem virar filme?

Todos merecemos e temos uma vida que pode ser vista de diversos ângulos, que pode virar uma grande série dramática envolvendo amores, paixões, comédia, aventuras, ficção, tudo de que uma boa trama cinematográfica necessita. Até porque, bons filmes não passam de histórias de vida, como “À Procura da Felicidade”, que conta a história de Chris Gardner, retratado brilhantemente por Will Smith. E como não lembrar de “Olga”, sobre a vida de Olga Benário Prestes?

Talvez nossa vida seja realmente um cenário perfeito para um bom roteiro, mas não fomos descoberto por um bom roteirista. Não somos Jedis, nem Rockies, muito menos Wallaces. Somos seres humanos, heróis de grandes epopéias. Agora é a hora dos créditos e a música tema do filme. Escolha a sua e faça com que sua vida seja um longa-metragem de inúmeros gêneros e com os mais variados personagens. E para não ser clichê, nada de “The End”. Termino aqui com o anúncio do filme “EU”, em breve no cinema mais perto de você.

E como trilha sonora, veja a seguir o vídeo e leia as letras de Celluloid Heroes, do Kinks.

Sem asas para voar

2008-04-22T17:51:00.000-07:00

Rael Policarpo

“Super-herói: O Filme”. Fazia tempo que não aparecia nas telonas um filme no qual pudesse tirar algumas risadas sinceras da platéia que o assiste. A sátira à filmes de super-heróis, todos tirados de quadrinhos, faz esquecer os fracassos das últimas comédias lançadas. Quem foi assistir os “Espartalhões” – uma sátira de 300-, provavelmente preferiu a comédia de Craig Mazin que, por sua vez, melhorou muito depois de estragar o sucesso de “Todo Mundo em Pânico”, ao lançar as duas continuações (Todo Mundo em Pânico 2 e 3). O diretor decidiu apostar no herói das teias, e usou como foco da sátira os filmes “Homem Aranha” 1 e 2. O filme conta, ainda, com a paródia de outros filmes como “X-Men”, “Harry Potter”, “O Quarteto Fantástico”, “Homem de Ferro” e “Batman”, além de grandes astros do cinema como Tom Cruise e personalidades como o Dalai Lama e Nelson Mandela. Com certeza é melhor filme de super-herói já lançado, tirando todos os outros existentes.

O personagem Rick Riker é interpretado pelo ator Drake Bell, uma sátira de Petter Park, ganha habilidades especiais depois de ser picado por uma libélula geneticamente alterada. Com isso o nerd decide salvar o mundo e transforma-se no herói Libélula.

Como em todos os quadrinhos, o super-herói tem como mocinha, Sara Paxton, que vive Jill Johnson - e nada tem à acrescentar ao filme-, e o inimigo Dr. Hawking, vivido pelo ator Christopher McDonalds – que divide a atenção nas poucas piadas com o protagonista.

Os aspectos técnicos são pouco notáveis. Os efeitos especiais, como se poderia esperar, são fracos, de fazer inveja à novela recentemente lançada pela Rede Record “Caminhos do Coração”. O trabalho de edição ao menos não deixa o filme perder ritmo, embora a qualidade do que se vê em cena seja abaixo da média. Já a trilha sonora de James L. Venable se limita a copiar a do filme "Homem-Aranha".

"Super-Herói - O Filme" não é das melhores diversões, principalmente, se você for fã de quadrinhos, pois contém um número baixo de piadas “engraçadas”. Porém, em comparação com os exemplares mais recentes de sátiras e comédias "pastelão", há de se dizer que se trata de um excelente programa para o final de semana.

Assista ao trailer do filme:

O caçador de sonhos

2008-04-01T16:10:00.000-07:00

Mara Lúcia Sperandéo Simões

Adaptações de livros para filmes na maioria das vezes não agradam. Geralmente a falta de semelhança entre os atores e personagens e a história muito resumida acabam com a essência e assim estragando o filme.

Mas não foi isso que aconteceu com “O caçador de pipas”, produção baseada no best-seller de Khaled Hosseini. As três décadas retratadas pelo romance são contadas com fidelidade com pouco mais de duas horas, o longa conta a bela história de um jovem afegão Amir e de seu melhor amigo Hassan.

O filme, dirigido por Marc Forster, narra a história de Amir e sua relação com Hassan. Durante sua infância em Cabul, Amir tem uma forte relação de amizade com Hassan que é filho de um criado na casa de seu pai, mas pai de Amir tem muito carinho pelo filho do criado o que nutre no menino sentimento de rejeição e raiva, e quando Hassan é violentado por alguns jovens, Amir não consegue defendê-lo. Por muitos anos o menino carrega um sentimento de culpa. Após formado e casado, Amir terá a chance de se redimir, mas para isso será obrigado a voltar a sua velha terra, o Afeganistão, que está destruída por guerras e pelo regime Talibã.

O início do filme pode causar uma certa dúvida em relação a história contada no livro, pois a infância dos garotos no Afeganistão é retratada com muita rapidez, assim como a mudança na relação entre eles.

O filme contém todas as informações essenciais para que a trama seja compreendida, mas é impossível passar despercebido a falta de interação entre os personagens, mas é até compreensível, pois o romance se passa ao longo de três décadas. “O Caçador de Pipas" mostra a evolução da sociedade afegã no decorrer de três décadas, desde antes da invasão soviética até a ascensão da milícia Talibã.

A semelhança entre atores e personagens é impressionante. A idéia de usar atores de Cabul foi à decisão mais inteligente. O próprio autor livro, à época das filmagens afirmou que não conseguia mais imaginar a história sem os rostos e gestos dos atores escolhidos para o filme.

O cenário é um espetáculo a parte, principalmente quando a cena é o torneio de pipas, parece que saltou das páginas do livro para as filmagens. A história se passa no Afeganistão, mas foi quase todo filmado na China, onde foi recriado o clima entre os anos 70 e 90 do país do Oriente Médio. Outras partes do longa foram filmadas na Califórnia.

Para quem acha que o filme nunca supera o livro pode ter uma surpresa ao ver “O caçador de pipas”, claro que nada se compara a obra criada por Houssini, mas com certeza vai superar expectativas.

Assista o trailer do filme:

Além da lenda

2008-04-01T15:00:00.000-07:00

Leonardo Aires dos Santos

A revolucionária descoberta da cura para o câncer. É esse o ponto de partida da trama de ficção científica Eu Sou a Lenda (I am Legend), do diretor Francis Lawrence, estrelado por Will Smith. O filme leva o mesmo nome do livro em que foi inspirado, escrito por Richard Matheson.

A história se passa em 2012, tendo o início da narrativa em 2009. Após anos de estudo, é desenvolvida um vacina cientificamente comprovada que elimina totalmente o câncer. Ela é distribuída rapidamente em escala mundial, mas com o passar do tempo a vacina revela-se um vírus mutante, que contamina toda a cidade de Nova York, ganhando proporções bíblicas. Com características parecidas com o vírus da raiva, os infectados transformam-se em predadores das pessoas não-infectadas, deixando a humanidade à beira da extinção.

Imune ao vírus, Robert Neville (Will Smith), virologista militar, continua desenvolvendo seus estudos em busca de um antídoto até que a epidemia beira o extremo. Com o passar dos anos, Nova York é completamente devastada pelo vírus, resultando no cenário de completo abandono e nas condições de solidão absoluta do protagonista. A única companhia de Neville é sua cadela, Samantha.

Em nenhum momento o filme mostra-se claro em sua contextualização, o que dividiu opiniões no momento de seu lançamento. A história se desenvolve fora de uma seqüência, como na série Lost, de J.J. Abrams, onde o passado de cada personagem é apresentado através de flashes de memória. Em Eu Sou a Lenda, o diretor optou por exibir o passado de Neville durante o desenvolvimento da trama. Isso faz com que o público compreenda e perceba melhor detalhes da história.

Se por um lado esse tipo de narrativa traz personalidade ao filme, por outro sobram buracos no roteiro. Esse é um dos problemas de seguir esse tipo de desenvolvimento, em uma trama tão ampla e rica em detalhes. A ausência de alguns aspectos, como a contaminação gradual do planeta, deixou a história abrupta. Assim, do descobrimento da cura, a história dá um salto para o momento da evacuação da cidade de Nova York, e em seguida o público já se vê em uma atmosfera completamente inóspita.

As brechas no roteiro acompanham algumas passagens importantes da trama, sobretudo na inclusão de outros personagens, como Anna, interpretada pela atriz brasileira Alice Braga. Como grande parte das cenas foram destinadas à rotina do personagem Neville, a conclusão do filme acontece repentinamente, deixando várias questões em aberto. Logo, o público não saberá ao certo a procedência exata de Anna, muito menos como é mantido o fornecimento de energia de Nova York, mesmo após anos de abandono.

Essa ausência de detalhes e especificações prejudicam a ligação do meio do filme com o final, alavancando, sobretudo, críticas dos fãs do livro. De acordo com a Warner, contudo, o DVD do filme trará uma outra versão do final, que segundo o estúdio é mais alinhada à proposta do livro. A justificativa é que o final produzido de acordo com o livro poderia não agradar a maior parte do público.

Um dos pontos altos do filme é a brilhante atuação de Will Smith no papel de Robert Neville. É uma trama totalmente apoiada no personagem principal. Portanto, Smith teve imensa responsabilidade quanto à receptividade do público. O ator traduziu o isolamento do personagem com um realismo impressionante em várias passagens do filme. Confira:

Em suma, mesmo com os problemas de roteiro, especialmente na adaptação da história, Eu Sou a Lenda é uma boa opção para quem espera um bom filme de ficção científica e fãs de Will Smith. As imagens de Nova York devastada são recheadas de realismo e as frenéticas cenas de ação impressionam até o público mais acostumado com efeitos especiais.

Uma verdade que envergonha os americanos

2008-04-01T10:53:00.000-07:00

Tatiane Paulina

Inspirado no livro Charlie Wilson's War, de George Crile, escrito por Aaron Sorkin, o filme Jogos do Poder, de Mike Nichols (Closer - Perto Demais), conta a história do congressista Charlie Wilson (Tom Hanks), que durante os anos 80, se envolve com a invasão russa no Afeganistão, a Guerra Fria. Com sua influência política, e a ajuda do agente da CIA Gust Avrakotos (Philip Seymour Hoffman, indicado ao Oscar pela atuação) e da milionária texana Joanne Herring (Julia Roberts), o político mulherengo, consegue levantar bilhões de dólares do governo norte-americano para treinar e fornecer munições aos rebeldes afegãos para expulsar os russos comunistas do país.

Com personagens complexos, humor cínico e igualmente complicado, Jogos do Poder tem boas interpretações, mas, para entender o longa-metragem é preciso prestar muita atenção para perceber como funciona a política norte-americana durantes as guerras. Diante desta abordagem, Jogos do Poder funciona como um entretenimento informativo, mas deixa de lado a crítica e a análise da questão da guerra.

Os diálogos são bem escritos e, as frases do roteiro de Sorkin são ditas com uma velocidade e inteligência que as vezes fica difícil de acompanhar. Também, há o cuidado em mostrar que Charlie Wilson, apesar dos excessos na vida pessoal, não deixa de lado as responsabilidades profissionais, mesmo amenizando os podres do personagem.

Porém, se Charlie Wilson perde a complexidade pela abordagem cômica e simplista, Phillip Seymour Hoffman interpreta Gus Avakratos com perfeição, e rouba quase todas as cenas em que aparece. Enquanto isso, a assistente de Charlie, Bonnie (Amy Adams), contagia o público com seu carisma. E, Julia Roberts no papel de Joanne, parece não ter nenhum interesse pela personagem, que parecer estar morta, que devido a sua importância no filme deveria ser mais bem interpretado.

Mesmo bem escrito e interpretado, o filme constrói uma narrativa que levaria o público a uma crítica, o que não acontece. Perto do final, há boas alfinetadas na forma como os Estados Unidos simplesmente abandonam os países após cada guerra que participam, como se após a guerra eles não fossem responsáveis por mais nada.

Neste momento, Jogos do Poder chega ao nível de importância que deveria alcançar, mas não passa disso. Como na cena em que Charlie Wilson propõe num Congresso quase vazio que os Estados Unidos dêem o mesmo apoio financeiro que deram na Guerra Fria, em escolas para a população afegã. Porém, os congressistas concordam que isso não é problema deles, que a responsabilidade era só expulsar os russos do Afeganistão.

Veja o trailler do filme:

A violência a favor de Cronenberg

2008-03-25T18:23:00.000-07:00

Rogério Brandão

Desde Marcas da Violência, o cineasta David Cronenberg tem saboreado o gostinho de realizar filmes com maior orçamento e ampla distribuição. Dono de uma extensa carreira iniciada nos anos 70, o canadense de Toronto é um dos principais nomes que ajudaram a popularizar uma variante do terror intitulada “body horror”, no qual as transformações físicas são associadas aos tormentos psicológicos dos personagens. Alguns dos muitos exemplos desta fase “carnal” do diretor são A Mosca (1986) e Crash – Estranhos Prazeres (1996), que lidam, respectivamente, com pessoas que sofrem metamorfoses e que têm prazer sexual após acidentes de carros (!).

O longa eXistenZ, de 1999, pode ser considerado a última obra em que o corpo se sobressai em relação ao psicológico no universo sombrio de Cronenberg. A partir de Spider – Desafie Sua Mente, de 2002, o cineasta deixa em “stand-by” a questão física e explora a complexidade psicológica dos personagens, defendida no filme por um inspirado Ralph Fiennes que encarna um esquizofrênico recém-liberado do hospital psiquiátrico.

A dobradinha com o ator Viggo Mortensen, iniciada em Marcas da Violência (2005), sinaliza a aproximação do diretor com um público mais abrangente, ao utilizar uma linguagem acessível, dentro dos padrões hollywoodianos. Porém, isso não significa que o filme seja de todo comercial, afinal Cronenberg é um mestre na arte de filmar brutalidades de forma crua e não-convencional.

Uma das maiores provas que confirmam esse talento está em uma cena de Senhores do Crime (2007), também estrelado por Mortensen. Quem já cansou de ouvir falar do filme provavelmente deve saber sobre o episódio da casa de banhos, na qual seu personagem, nu, luta com outros, desenvolvendo uma coreografia violenta, executada e filmada com maestria.

O longa mostra como o destino da parteira Anna Khitrova (Naomi Watts) se interliga com a trajetória da máfia russa em Londres. Encaminhada ao hospital, a jovem garota de programa russa Tatiana morre ao dar à luz, deixando Anna abalada. Para encontrar algum vestígio que possa revelar o destino dos parentes da criança, a médica leva o diário da jovem, escrito em russo, para que seu tio, também imigrante, o traduza.

Contudo, após visitar um restaurante que poderia ter alguma relação com o caso de Tatiana, Anna desperta a atenção do sombrio Semyon (Armin Mueller-Stahl), cuja aparente simpatia esconde um caráter violento. Chefe local da Vory v Zakone, Semyon tem receio de que o diário o comprometa e decide buscá-lo, recorrendo para isso aos serviços de seu filho Kirill (Vincent Cassel) e do guarda-costas e chofer deste, o enigmático Nikolai (Viggo Mortensen).

Para a caracterização dos mafiosos, Cronenberg, em parceria com o roteirista Steven Knight, aproveita os preceitos do submundo do crime para justificar as modificações corporais que são a marca registrada do cineasta canadense – no caso, as inúmeras tatuagens de Nikolai. Cada uma delas representa o histórico de vida do personagem, reveladas em uma das cenas do filme.

Enquanto a ambientação de Marcas da Violência era na pequenina e acolhedora Millbrook, o cenário de Senhores do Crime é a cosmopolita e fria Londres. Porém, a natureza misteriosa dos personagens principais tem ponto em comum em ambos os filmes. “Quem realmente é este cara?” é a pergunta, quando o público se depara com as situações, tanto de Tom Stall (Marcas) quanto de Nikolai (Senhores).

Embora Senhores do Crime contenha mais sangue, o filme causa menos impacto que o longa anterior de Cronenberg, justamente por realçar laços afetivos totalmente desnecessários e que não contribuem para o desfecho – tão aberto quanto o de Marcas. Ainda assim, o filme, que rendeu a Viggo Mortensen uma merecida indicação ao Oscar de Melhor Ator, é um ótimo exemplo de como utilizar a violência a favor do enredo.

Terror ao estilo espanhol

2008-03-25T17:17:00.000-07:00

Bruna Indalécio

Caminhos secretos, violência no chuveiro, sustos inesperados e muita escuridão são clichês básicos de filmes de terror. Para não fugir à regra, a maior parte deles também está presente no filme O Orfanato, thriller espanhol-mexicano, produzido pelo diretor e roteirista de O Labirinto do Fauno, Guilhermo del Toro.

O Orfanato tem direção de Juan Antonio Bayona e pode ser considerado uma escolha um tanto diferente e arriscada para del Toro, que seguiu uma linha menos dramática e realista – apesar das referências lúdicas – da produção anterior, que lhe garantiu três Oscar em 2007 (melhor direção de arte, maquiagem e fotografia). Porém, mesmo com o tema quase sempre fadado a ser desastre de crítica e com vários clichês do “bom” filme de terror, O Orfanato surpreende.

Não é somente a história eletrizante que envolve e apavora o público do início ao fim – as atuações são ótimas. A atriz Belén Rueda está impecável no papel de Laura, mãe adotiva de Simón (Roger Príncep), garoto de seis anos que começa a ter amigos imaginários desde que a família se muda para o antigo orfanato em que Laura foi criada.

No longa, a protagonista consegue passar ao público verdadeiro desespero materno quando Simón desaparece misteriosamente. Depois de frustradas buscas policiais durante mais de seis meses, ainda não conformada com o sumiço do filho, Laura apela para sessões espirituais. Essas reuniões revelam que a casa está tomada por sofrimento e por espíritos, que podem ter sido responsáveis pelo desaparecimento de Simón. Os encontros sobrenaturais têm a participação do ator Edgar Vivar, o Seu Barriga e o Nhonho do seriado Chaves e para quem cresceu assistindo a suas palhaçadas no folhetim mexicano, somente sua aparição já faz o filme todo valer a pena.

O estilo de terror de O Orfanato, mais comum nos blockbusters norte-americanos e nas fábulas japonesas, não deixa nada a desejar: tem ótima fotografia, direção, atuações e enredo. E rende bons sustos.

Parece, mas não é

2008-03-25T17:14:00.000-07:00

Nathalia Matos de Paula

Sucesso de bilheteira em quase todos os países onde é exibido e ridicularizado pelos críticos, o épico da pré-história 10.000 a.C, indubitavelmente, foi um dos filmes mais esperados e comentados – principalmente, após a divulgação do trailler – por isso o sucesso nas telonas mundiais.

Embora a temporalidade proposta no título, o diretor e roteirista alemão Roland Emmerich de Independence Day e O Dia Depois de Amanhã não seguiu a linha do tempo da história e criou uma era glacial à parte em 10.000 a.C.

A subjetividade do autor fica evidente no enredo, que gira em torno de um amor entre dois jovens, o caçador de mamutes D'Leh (Steven Strait) e a forasteira de olhos azuis Evolet (Camilla Belle). O autor peca ao criar um gritante contraste entre os fatos históricos e o enredo do filme. Em se tratando de uma obra fictícia é aceitável que os seres humanos sejam capazes de construir diálogos longos e até fazer metáforas.

Mas, daí fazer o filme com um argumento pouco convincente baseado em um resgate amoroso em que um homem sai das montanhas congeladas, atravessa savanas até chegar nas terras áridas do deserto só por causa de um amor e ainda tendo levado consigo um exército de soldados de diversas nações para salvar uma mulher, é demais.
Na visão utópica de Emmerich, os seres humanos em 10.000 a.C tinham a mesma percepção do amor que temos atualmente, as mulheres são respeitadas e tratadas com igualdade. Isso sem falar que o cenário se passa com a estética de personagens perfeitos, asseados, biótipo europeu, embora a história tenha acontecido na África.

O autor foi feliz na escolha temporal do seu filme, uma vez que o período glacial não é um tema explorado entre os roteiristas de Hollywood. Porém, errou ao ter como foco principal uma história de amor. Como pode-se observar num dos cartazes que ilustra uma cena que não existiu no filme. O material de divulgação destaca animais como o tigre dente-de-sabre que mal apareceu, os mamutes, principal alvo dos caçadores, e aves que os caçadores encontram nas savanas. A produção gráfica dos animais e do Egito é o que salva a produção. Estima-se que as filmagens tenham custado pouco mais de 100 milhões de dólares. É muito dinheiro investido para convencer o público.

Uma viagem longe da realidade

2008-03-25T16:34:00.000-07:00

Maria Fernanda Cunha

Maconha, confusão familiar, prostituição, sexo, crime, disputa de terra, choque cultural, índios, paisagem esturricada, entre outras características, marcam o filme Árido Movie, uma viagem sociológica e antropológica pelo nordeste brasileiro com o propósito de mostrar a realidade do sertão pernambucano.

Apesar do resultado artificial que se deve ao excesso de dialetos e costumes pernambucanos no roteiro, Árido Movie é uma trama interessante e relata algumas dificuldades do sertão, como a escassez de água, falta de informação e criminalidade.

O trio de amigos (Selton Mello, Mariana Lima e Gustavo Falcão) do protagonista Jonas (Guilherme Weber), não acrescenta nada à jornada do personagem. Mas tem um papel importante no objetivo de “pernambucanizar” o filme, apresentando a faceta maconheira da região. Pelo menos, esse trio formado por grandes nomes da dramaturgia brasileira garantem, com suas conversas, festinhas e bebedeiras, os momentos mais descontraídos e engraçados do filme. Na verdade, o elenco de alta qualidade não foi devidamente aproveitado pelos diretores. Atores como Mathues Nachtergaele e Giulia Gam interpretam personagens praticamente irrelevantes para a história.

As imagens e enquadramentos caprichados dão a impressão de uma obra sofisticada, entretanto, a iluminação deixou a desejar. As cenas internas são cheias de sombras e pontos escuros, enquanto os espaços externos são mostrados sem a luz do sol ofuscante típica da região.

A história deixa a impressão de continuidade. Pois, o final lança propositalmente um ar de mistério e, ao mesmo tempo, acaba confundindo a cabeça de quem a assiste. Apesar de não ser a melhor obra do cinema nacional, o filme é intrigante e vale a pena conferir.

Canastrões do mundo, uni-vos. Ele voltou!

2008-03-25T16:21:00.000-07:00

Raphael Diegues Pimentel

Que atire a primeira pedra o garoto que nunca se imaginou com uma faixa amarrada na cabeça e uma grande metralhadora na mão quando criança. Se existe alguém que não tenha jogado a pedra, ou é mentira, ou faltou tutano a ela quando ainda era um petiz. John J. Rambo, ou simplesmente Rambo, deixou de ser apenas personagem de um filme, parte de um momento de entretenimento fugaz como fora planejado, ou apenas mais um de vários nomes emblemáticos dos idos dos anos 80. Rambo virou adjetivo e, na memória dos pequenos que ferrenhamente assistiam ao herói personificado por Sylvester Stallone nas Sessões da Tarde e Domingos Maiores da vida, um mito, um ídolo adormecido que para sempre estaria no imaginário de toda a parcela pensante do mundo.

Na verdade, o sucesso de Rambo foi na cagada. Há muito tempo atrás, quando ainda se ouvia fita cassete e era moda usar roupas de látex e portar respeitáveis mullets, surgiu do livro do norte-americano David Morell um veterano do Vietnam que tentava fazer jus ao ditado, segundo o qual o bom filho retornava à casa. Parecia apenas mais um filme de verão naquele longínquo 1982, quando First Blood foi lançado. Só parecia, pois o memorável sobrenome da personagem suplantou o próprio título, tendo em sua continuação o nome do boina verde cravado em Rambo 2.

O tempo passa, dinheiro vem, dinheiro vai, e em 1988 a trilogia tem seu fim com o último capítulo da história de Johnny. Vinte anos se passaram, Stallone lançou pérolas como Rocky V, e começou a brincar de diretor. Ai surgiu o botox e a idéia de reviver nas selvas tailandesas o ex-boina verde.

Num primeiro momento, grande parte dos chamados “profissionais” do cinema transformou a nova película na chacota da temporada. Afinal, como um senhor nos seus 60 anos conseguiria amarrar tão estilosamente sua bandana? McClane havia conseguido, poucos meses antes, ressurgir do ostracismo, e para a surpresa geral o filme corresponde à proposta original. É só conferir no trailer:

Para quem pensa em encontrar um cult com diálogos pensados, cenários exuberantes e personagens complexos, que apenas os anos nos fariam entender, é favor não ver Rambo (2008). Sem dúvida é o mais forte e sanguinário de toda a tetralogia, já que senhor Sly não teve pudor de amenizar sua nova criação. E agradecemos a ele por isso.

A história, mais uma vez, fica em segundo plano. Ela segue o mesmo e tradicional esquema de prólogo, diálogos curtos e clímax - vulgo matança generalizada - de todos os antecessores. Mas isso não é problema, porque Rambo é Rambo, e não precisa de história, só de seu nome, sua bandana e, claro, de seu arco e flecha.

Muita gente, ainda hoje, deve achar que Rambo é Deus. Mas, parafraseando o onipresente Coronel Trautman, se Rambo fosse Deus, ele teria piedade...

Que cheiro tem o seu ralo?

2008-03-25T15:52:00.000-07:00

Regiane Lima

Lourenço é esquizofrênico, paranóico, neurótico, machista, narcisista, egocêntrico, e vive de comprar os sentimentos dos outros, e se apaixona por uma bunda, que o deixa completamente obcecado, a qual ele deseja tanto comprar. O cheiro do ralo, que tanto o incomoda, chega a ser um personagem próprio e conforme o fedor do ralo aumenta, cresce também a sua sensação de poder sobre as pessoas.

O filme O Cheiro do Ralo é um drama de humor negro, baseado no livro de Lourenço Mutarelli que conta a história de Lourenço (Selton Mello). Na trama, Lourenço é o dono de uma loja que compra objetos usados. O personagem é frio e sente prazer ao explorar os clientes e, ao mesmo tempo, passa a ver as pessoas como se estivessem à venda, identificando-as através de uma característica ou um objeto que lhe é oferecido.

Este é o segundo longa-metragem em que o diretor Heitor Dhalia e o ator Selton Mello trabalham juntos. O anterior foi Nina, outro excelente filme que apresenta os rejeitados pela sociedade, aqueles que ninguém percebe ou sente falta. Os paralelos traçados pelo diretor sobre "poder”, "dinheiro" e "sentimento" são excelentes, pois o que Lourenço compra não é o objeto em si, mas o poder de mercantilizar o sentimento por trás deste, com o objetivo de comprar histórias valiosas que signifiquem algo relevante em sua vida medíocre.

O Cheiro do Ralo é provocativo, faz espectador raciocinar: tudo na vida é negociável? E é isso que nos faz pensar. E é isso que nos faz perceber o quanto cada um de nós tem de Lourenço dentro de si. O filme tem um pouco de cada um de nós: no desejo de poder, no desprezo com o outro, o de querer levar vantagem em cima do outro.

Não se trata de enlatado, um fast food que se compra e engole rápido. Pelo contrário. É um prato cheio, que pesa no estômago. Foi realizado com apenas R$ 315 mil, reunidos entre sócios privados e pelos produtores executivos, um belo exemplo de como fazer um excelente filme com poucos recursos e uma boa idéia, com um humor ácido, corrosivo, como há muito não se via. Enfim, isto prova que para fazer um filme inteligente, basta uma boa idéia, muita força de vontade e uma câmera na mão. Quando esta câmera estiver focando Selton Mello, melhor ainda. O Cheiro do Ralo é um filme altamente recomendado para amantes do cinema nacional alternativo.

Veja o trailler do filme: